Alexander Grodzinski

Neu von Dragon's Domain: CD Includes Digital Download / Digital Booklet Dragon’s Domain Records presents the world premiere release of music from the original score composed by the legendary Lalo Schifrin for the 1971 television movie written and produced by Sam Rolfe (HAVE GUN – WILL TRAVEL, THE NAKED SPUR, THE MAN FROM U.N.C.L.E.), directed by David Lowell Rich (ROUTE 66, THE HORROR AT 37,000 FEET, THAT MAN BOLT), starring Eric Braeden, Stephen Young, Corinne Camacho, Walter Pidgeon, Inger Stevens, Joseph Wiseman, William Marshall, Christopher Cary and Lincoln Kilpatrick. Airing on television in early March 1970, THE MASK OF SHEBA was a two hour pilot for a series that never got picked up and follows Dr. Roan Morgan (Braeden), an archaeologist-anthropologist and his teammates, engineer Travis Comanche (Young) and Dr. Joanna Glenville (Camacho), who report to Dr. Max Van Condon (Pidgeon), who is the head of the Foundation Of Man, an organization that searches the globe for ancient artifacts to help document historical events or people and funds Morgan’s expeditions. After a Foundation cartographer goes missing in the jungles of Ethiopia while trying to map an ancient trail, his wife Sarah (Stevens) appears at the Foundation with a 3,000-year-old amulet sent to her by her husband, demanding to join the expedition to find him and what may possibly be a priceless treasure, including a golden, jewel-encrusted mask of the legendary queen of Sheba, waiting to be recovered. Lalo Schifrin has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are MISSION: IMPOSSIBLE, MANNIX, THE FOX, COOL HAND LUKE, BULLITT, DIRTY HARRY, THE CINCINNATI KID, THE AMITYVILLE HORROR. Recent scores include TANGO, BRINGING DOWN THE HOUSE, THE BRIDGE OF SAN LUIS REY, AFTER THE SUNSET, the RUSH HOUR films and ABOMINABLE. Dragon’s Domain Records presents THE MASK OF SHEBA, featuring music composed by Lalo Schifrin for the first time on compact disc. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland and includes exclusive liner notes written by noted author Jon Burlingame. This is a limited edition release and is expected to start shipping the week of June 23, 2025. 01. The Mask Of Sheba Opening Titles (1:22) 02. Skydiving And The Map (3:08) 03. The Letter (3:19) 04. Sarah & Bridget (2:33) 05. Ethiopia / Takahene (2:48) 06. Jungle Trek (2:20) 07. Search For The Key and Ben Gala (3:19) 08. How Do I Live? (3:10) 09. Jungle Monastery and Ms. Koman (2:54) 10. The Mystic (2:52) 11. Tortuous Philosophy and The Chant (3:56) 12. The Monks (1:55) 13. An Amphibious Woman (3:41) 14. Through The Underwater Passage (3:00) 15. The Unmasking (4:58) 16. The Big Chase (3:53) 17. Finale And Closing Credits (2:35) 18. Opus Parts 1 & 2 (3:01) Total Time: 55:31 CD Includes Digital Download / Digital Booklet Dragon’s Domain Records presents the premiere release of the original motion picture soundtrack for HEART OF THE STAG, featuring music composed and conducted by Leonard Rosenman (EAST OF EDEN, FANTASTIC VOYAGE, THE LORD OF THE RINGS) for the 1984 dramatic film directed by by Michael Firth (OFF THE EDGE), written by Firth, Neil Illingworth and Bruno Lawrence, starring Bruno Lawrence, Terence Cooper, Mary Regan, Anne Flannery, Michael Wilson and Susanne Cowie. Released in 1984, HEART OF THE STAG tells the story of Peter (Lawrence), a farmhand in New Zealand who discovers that Robert (Cooper), the farmer he works for has been carrying on an incestuous relationship with his daughter, Cathy (Regan) for years. As Peter becomes more involved with Cathy, he is forced to confront the dark and tumultuous dynamics within the family. Delving into the taboo subject of incest, HEART OF THE STAG does so with remarkable sensitivity and candor and was well regarded by critics at the time. The score for HEART OF THE STAG was composed by Leonard Rosenman, who was well known for tackling sensitive and sometimes controversial subjects throughout his career, which included films such as EAST OF EDEN, THE COBWEB, THE CHAPMAN REPORT, SYBIL and MAKING LOVE. Composer Leonard Rosenman was born on 7 September, 1924 in Brooklyn, New York to Jewish immigrants from Poland. After serving in the Pacific with the United States Army Air Forces during World War II, Rosenman earned a bachelor's degree in music from the University of California, Berkeley. He studied composition under renowned composers such as Arnold Schoenberg, Roger Sessions, and Luigi Dallapiccola. Rosenman’s entree to film scoring came about when his friend, actor James Dean, introduced him to director Elia Kazan, who was about to cast Dean in his film EAST OF EDEN and who subsequently hired Rosenman for the music. The Brooklyn-born composer introduced a modern-music sensibility to commercial films, especially with his next work, THE COBWEB, hailed as the first 12-tone score for a Hollywood film. His filmography includes EAST OF EDEN, REBEL WITHOUT A CAUSE, THE COBWEB, THE CHAPMAN REPORT, FANTASTIC VOYAGE, A MAN CALLED HORSE, BENEATH THE PLANET OF THE APES, BATTLE FOR THE PLANET OF THE APES, RACE WITH THE DEVIL, THE CAR, the animated THE LORD OF THE RINGS adaptation and PROPHECY. He contributed music to many television shows including COMBAT, THE TWILIGHT ZONE, LAW OF THE PLAINSMAN, GARRISON’S GORILLAS, THE VIRGINIAN, MARCUS WELBY, M.D. and more. Dragon’s Domain Records presents HEART OF THE STAG, featuring music composed and conducted by Leonard Rosenman, performed by the New Zealand Symphony Orchestra for the first time on compact disc. Although a release was planned by Fifth Continent Music back in 2001, the project was never realized. This premiere release of HEART OF THE STAG includes the entire score presented in film order and also includes some source music composed for the film that went unused. The album includes liner notes written by G.B. Kemner and Scott Davis. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland. HEART OF THE STAG is a limited edition release and is expected to begin shipping the week of June 23. 01. Opening Titles / Father And Daughter (3:35) 02. Peter And Cathy / Cleaning The Rifle (3:49) 03. Seeing The Stag / Hunting Story (4:22) 04. Herding The Sheep (3:03) 05. Memories / Cathy Looks In The Mirror (3:07) 06. Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:47) 07. Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:03) 08. Final Chase and The Stag Attacks (7:11) 09. Finale (2:36) 10. Lenny And The Band (3:28) Total Time: 39:27 Dragon’s Domain Records presents HAMMERSMITH IS OUT, featuring music composed by Dominic Frontiere (THE OUTER LIMITS, THE INVADERS, BRANNIGAN, THE AVIATOR) for the 1972 dark comedy directed by Peter Ustinov (BILLY BUDD), written by Stanford Whitmore, starring Elizabeth Taylor, Richard Burton, Peter Ustinov, Beau Bridges, Leon Askin, Leon Ames, George Raft, John Schuck, Marjorie Eaton and Linda Gaye Scott. Released in 1972, HAMMERSMITH follows Billy Breedlove (Bridges), an orderly at a Texas psychiatric hospital as he becomes involved with two patients, Jimmie Jean Jackson (Taylor), a waitress, and the enigmatic Hammersmith (Burton), who promises Billy fame and fortune if he helps him escape. The trio embark on a crime-fueled adventure where Billy rises in social status, becoming an owner of various businesses and a political financier. Over time, he grows to resent Jimmie Jean, while Hammersmith grants her wish to become a mother. Eventually, Hammersmith orchestrates Billy's disability and suicide, leading to his own return to confinement... Dominic Frontiere's music for HAMMERSMITH IS OUT stands out as a remarkable and eclectic addition to his lengthy film catalog. The movie required a diverse range of musical styles, beginning with a compelling main title theme that evokes a distinctly 1970s atmosphere, serving as a recurring motif for the character of Hammersmith and a beautiful theme for Elizabeth Taylor’s character. In addition to the primary score, Frontiere was tasked with crafting numerous cues that could be classified as "source music." His collaboration with director Leslie Stevens began with THE MARRIAGE-GO-ROUND and led to work on THE OUTER LIMITS. Frontiere composed themes for several notable shows in the 1960s, including THE RAT PATROL, BRANDED and THE FUGITIVE. He scored Clint Eastwood's HANG 'EM HIGH, which featured a top-10 hit by Booker T. & the M.G.'s, as well as the documentary ON ANY SUNDAY and three John Wayne films. In the early 1970s, he became the head of the music department at Paramount Pictures, working on both film scores and popular music albums. He won a Golden Globe for THE STUNT MAN and created a jingle for Paramount's television division. His final film score was for the 1994 thriller THE COLOR OF NIGHT, starring Bruce Willis. Dragon’s Domain Records presents HAMMERSMITH IS OUT on two CDs, featuring the premiere release of the complete score on Disc 1 along with the album version plus bonus tracks on Disc 2. The music has been newly mastered by James Nelson at Digital Outland and the liner notes have been written by author G.B. Kenmer and Scott Davis. HAMMERSMITH IS OUT is a limited edition release. HAMMERSMITH IS OUT is expected to begin shipping the week of June 23, 2025 CD 1: FULL SCORE 01. Logo / Prologue / Opening Credits (4:07) 02. Billy Breedlove (1:10) 03. “Bring Me Some Pie” (Road House Blues) (2:09) 04. Say You Love Me (1:11) 05. Get Me Out Of Here (3:44) 06. Meeting Hammersmith / Piece Of Gum / Human Waste (2:19) 07. Mustang Drive-In (2:40) 08. “This Is No Way To Get Rich” (1:22) 09. Measurements / Stealing The Suit (3:36) 10. Knockers Rocker (3:15) 11. Out The Window / Snake Dance / Strip Club Memorial Service (2:53) 12. Arise Sir (1:00) 13. Bad Taste, Billy (Kiddo) (3:57) 14. The Big Letter (2:39) 15. It’s Been Arranged / Japanese Yen (4:19) 16. The Pool Party (Cookout Society) (3:26) 17. Jimmie Jean and Henry Joe (3:25) 18. I’m So Sorry (1:38) 19. Campaign Win / Ambassador At Large (3:25) 20. The Spanish Castle (3:52) 21. The Meeting (2:39) 22. “Once You’ve Made The Decision, You Can’t Go Back On It” (4:07) 23. Baby Fever (Jimmie Jean’s Theme) (3:45) 24. Water Skiing (3:59) 25. It’s His Baby (1:52) 26. You Owe Me / Leaving Billy (1:57) 27. Taking Hammersmith Away / Get Me Out Of Here / End Credit (2:49) Total Time CD 1 - 78:21 CD 2 - BONUS TRACKS 01. End Credit (Instrumental) (1:43) 02. When Were Your Dreams Worth Remembering? (2:01) 03. For Openers (2:13) 04. Piece Of Gum / Human Waste (Alternate) (1:06) 05. The Circle Go Round (Unused) (0:40) 06. Stealing The Suit (Alternate) (1:31) 07. Arise Sir (Alternate) (0:55) 08. Sushi (Unused) (1:39) 09. The Meeting (Alternate) (2:16) 10. When Were Your Dreams Worth Remembering? (Instrumental) (2:13) ALBUM PRESENTATION 11. Main Titles (2:43) 12. Kiddo (2:39) 13. For Openers (2:35) 14. Cookout Society (3:05) 15. Henry Joe And Jimmie Jean (3:12) 16. Get Me Out Of Here (2:34) 17. When Were Your Dreams Worth Remembering? (2:21) 18. Under The Bridge (2:08) 19. Topless Rock (2:57) 20. Road House Blues (2:10) 21. Jimmie Jean's Theme (3:21) 22. Snake Dance (2:46) 23. End Titles (2:05) Total Time CD 2 - 51:53 Dragon’s Domain Records presents the original soundtrack to THE NIGHT DIGGER, featuring music composed by Bernard Herrmann (CITIZEN KANE, PSYCHO, TAXI DRIVER) for the 1971 psychological thriller directed by Alastair Reid (BABY LOVE, NOSTROMO), written by Roald Dahl and Jay Cowley, starring Patricia Neal, Pamela Brown, Nicholas Clay, Jean Anderson, Graham Crowden, Yootha Joyce and Peter Sallis. Released in 1971, THE NIGHT DIGGER follows spinster Maura Prince (Neal) as her dreary existence taking care of her elderly mother, Edith (Brown) is interrupted by the arrival of young handyman Billy Jarvis (Clay), who awakens something unexpected in her. But there is far more to Billy than meets the eye as Maura is about to discover... Bernard Herrmann is one of the greatest composers of motion picture music in the twentieth century. He is considered the man behind some of the most original and distinctive film scores. He was a master at evoking psychological and dramatic tension in his music to suit the dramatic needs of a film. He won his only Oscar in 1947 for writing the score for THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER. Herrmann made a powerful mark in radio and in 1934 he began a 25-year career as a conductor and composer in radio, working for the CBS. In 1938, he scored the notorious infamous presentation of Orson Welles’ Halloween production of H. G. Wells’ THE WAR OF THE WORLDS broadcast. He is best remembered for his collaborations with some of Hollywood’s most celebrated film directors like Alfred Hitchcock, Orson Welles, Martin Scorsese and Brian DePalma. Described as a perfectionist, he believed that most directors didn't have a clue about music so he would blithely ignore their instructions. His filmography includes CITIZEN KANE, THE MAGNIFICENT AMBERSONS, NORTH BY NORTHWEST, PSYCHO, VERTIGO, MYSTERIOUS ISLAND, CAPE FEAR, FAHRENHEIT 451, OBSESSION, TAXI DRIVER and many hours of episodic television including THE TWILIGHT ZONE and HAVE GUN, WILL TRAVEL, among others. Originally released on compact disc in 1994, Dragon’s Domain Records is excited to bring THE NIGHT DIGGER back to the marketplace, featuring music composed and conducted by Bernard Herrmann, performed by Sessions Of London, newly remastered by James Nelson at Digital Outland. THE NIGHT DIGGER features a specially reconstructed presentation assembled from the available elements of the music. The booklet includes the original liner notes written by John Steven Lasher for the album. THE NIGHT DIGGER is a limited edition release. THE NIGHT DIGGER is expected to begin shipping the week of June 23, 2025. 01. Prelude / Maura And Mother (6:04) 02. Billy’s New Room (3:42) 03. Nest In A Fallen Tree (6:11) 04. Mary’s Death And The Road Builder (6:17) 05. Maura And Billy (8:17) 06. Murdering The Nurse And Burial (8:28) 07. “What Is It That You Do Billy?” / Maura’s Choice (5:16) 08. A New Beginning And Ending (7:23) Total Time: 51:58 08. A New Beginning And Ending (7:23) Total Time: 51:58

Chris Carter hat vor ein paar Tagen im Podcast von David Duchovny erwähnt, dass er an einem Director's Cut von I WANT TO BELIEVE arbeitet. Ob das nötig ist, sei mal dahingestellt. Spannend ist hier natürlich die Frage, wie er mit Snows Musik umgeht, wenn sich Szenen in ihrer Länge verändern oder ganz neue Szenen hinzukommen. Ich glaube nicht, dass Snow neue Musik komponieren wird. Und vielleicht ist das dann doch ein kleiner Schub für die von LLL leider gestrichene Veröffentlichung einer expandierten Version des Scores zu I WANT TO BELIEVE. Geplant war es wohl mal, aber aufgrund der Tatsache, dass man sich den kompletten Score als isolierte Tonspur auf der Blu-ray anhören kann (und es dementsprechend natürlich auch Bootlegs davon gibt), hat man die Veröffentlichung wohl doch gelassen.

Snow Files of the Week: "Love Theme (aka "Rose's Theme")/Memories" aus "Conundrum" (1995). "Conundrum" ist ein TV-Thriller von 1995, mit Marg Helgenberger und Michael Biehn in den Hauptrollen. Snow, der zu dieser Zeit gerade noch an der zweiten Staffel X-Files arbeitete, benutzte natürlich auch für diesen Score Sounds, die er in der Chris-Carter-Serie eingesetzt hatte. Zusätzlich heuerte Snow noch eine Sängerin an, die mit ihrem geisterhaft-gehauchten Gesang über den Score verteilt für Gänsehaut sorgt und natürlich besonders im wundervollen "Love Theme" zur Geltung kommt. Das Album wurde von BSX veröffentlicht, limitert auf 1.000 Stück. Viel Spaß!

Kommt am Dienstag.

Snow Files of the Week: "Harold & Chrissy/Closure" aus der "The X-Files" Episode "Jose Chung's From Outer Space" (1996). "Jose Chung's From Outer Space" ist eine der abgedrehtesten Folgen der dritten Staffel. Geschrieben von Darin Morgan nimmt die Folge die Grundpfeiler der Serie und stellt sie auf den Kopf. Ist die Wahrheit wirklich da draussen? Und wenn ja, wessen Wahrheit ist es? "Harold & Chrissy" eröffnet die Folge, deren erste Kameraeinstellung bereits den Tenor der Folge, dass nichts so ist, wie es scheint, vorweg nimmt. Vor dem klaren Sternenhimmel erscheint ein viereckiges Gebilde, welches wie ein Raumschiff aussieht. Als die Kamera langsam zurückfährt erkennt man, dass es sich um die Unterseite eines Hebekorbes handelt, im dem ein Arbeiter nachts die Lampen der Strassenlaternen überprüft. Auf der gleichen Straße werden kurz darauf zwei Teenager von Aliens entführt, so scheint es, was eine Kette seltsamer Ereignisse lostritt. Am Ende kommt Jose Chung zu dem Ergebnis, dass wir vielleicht nicht alleine im Universum sein mögen. Aber hier unten, auf diesem Planeten, sind wir auf unsere Art alle allein. Diese letzte Szene wird von Mark mit einem der schönsten Themen untermalt, die er für die Serie geschrieben hat, "Closure". Dieses Musikstück beendet ebenfalls die über 30 Minuten lange X-Files-Suite auf dem Sampler "The Snow Files". Aber in der Suite wurde das Stück leicht verändert, indem ein Chor hinzugefügt wurde. Die Musik auf der Folge erschien sogar komplett auf einer Promo-CD, die als FYC für die Emmys gedacht war. Diese zwei Tracks befinden sich auf der ersten Box von LLL, die nach dem Ausverkauf der ersten Auflage neu aufgelegt wurde, limitiert auf 2.000 Stück. Viel Spaß beim Hören!

Um wieder zur Musik zurückzukommen, ein harter Bruch: Ich gebe unverhohlen zu, dass ich ab und an auch gerne Schlager höre. Hier wurde ich natürlich auch durch meine Eltern geprägt, die das gerne gehört haben. Klassik und Schlager waren die beiden bevorzugten Genres meines Vaters, auch schon eine ungewöhnliche Kombination. Wenn ich das höre, dann aber auch nur die alten Sachen, mit denen ich aufgewachsen bin. Und auch hier kann ich feststellen, dass die heutige Schlagermusik größtenteils einfach nur billig gemacht und gleichförmig ist. Ihren Individualismus haben sich nur wenige, meist ältere Sängerinnen und Sänger bewahrt. Der Rest klingt einfach gleich und austauschbar. Gefühlt macht jede Sängerin Helene Fischer oder Andrea Berg nach und die Melodien sind immer die gleichen. Mancher wird nun sagen, das war im Schlager doch schon immer so, alles seicht, gleichförmig und nicht unterscheidbar. Das stimmt aber nicht. Wenn ich mir die 60er, 70er und 80er ansehe, dann kristallisieren sich drei Schlagerkomponisten und -produzenten heraus: Ralph Siegel, Christian Bruhn und Jack White. Und jeder der drei hatte seinen eigenen Stil. Siegel, gepägt durch seinen Vater, der studierter Musiker, Komponist und Operettentenor war, ließ genau diesen operettenhaften Einschlag gerne in seine Lieder einfliessen. Bruhn spielte in seiner Jugend in verschiedenen Jazz-Combos und produzierte in den 60ern mit Drafi Deutscher als Interpret deutschsprachige Beatmusik. Dieser Beat- und auch Funk-Einfluss findet sich in Bruhns späteren Kompositionen wieder, beispielsweise auch in seinen TV- und Filmmusiken. White war leidenschaftlicher Fußballspieler, bevor er sich der Musik zuwandte. Sein Metier ist dann vielleicht auch deshalb eher der Humpta-Humpta-Mitklatsch-Bierzelt-Schlager, mit dem er Tony Marshall und Jürgen Marcus erfolgreich machte oder eben Songs wie „Fußball ist unser Leben" und „Hände zum Himmel". White legte in den 80ern allerdings auch eine internationale Karriere hin. Er ging Anfang der 80er in die USA und produzierte dort unter anderem Laura Brannigan („Self Control", „Gloria"), sowie Pia Zadora und Jermaine Jackson mit „When the rain begins to fall". Ein von ihm produzierter Brannigan-Song, „Hot Night", befindet sich sogar auf dem Soundtrack-Album des ersten GHOSTBUSTERS. Später produzierte er dann noch Engelbert, David Hasselhoff und Tony Christie und verhalf ihnen, zumindest im deutschsprachigen Raum, zu einem Comeback. Whites Musik unterscheidet sich aber schon deutlich von der von Siegel. Siegels Kompositionen und Produktionen sind wesentlich detailverliebter und nicht so prollig, um es mal so auszudrücken. Und Siegel war die orchestrale Begleitung seiner Songs auch immer wichtig. Dafür hat er Norbert Daum, mit dem er seit den 70ern zusammenarbeitet. Daum fungierte als Arrangeur und Dirigent unzähliger Siegel-Titel. Dabei ist das Orchester oftmals nicht einfach nur stumpfe Begleitung, sondern ein eigenen Charakter in dem Song, der auch auf den Inhalt des Textes reagiert. Beispielsweise in dem Song „Pan", den Siegel für Costa Cordalis schrieb. Wenn es im Text um die glühende Sonne geht, dann spielen die Streicher auch hohe, „flirrende" Töne. Den aufziehenden Sturm im Song untermalen die Streicher dann ebenfalls dramatisch. Oder sie erzeugen das Gefühl des Fliegens in dem Siegel-Cordalis-Song „Ikarus". Auch ein Chor wurde von Siegel immer wieder eingesetzt, der durch seinen Einsatz diesen operettenhaften Einschlag deutlich hörbar machte. Das kann man eindrucksvoll in Liedern wie „Du bist da für mich" von Karel Gott hören oder natürlich in vielen Liedern von Dschinghis Khan. Besonders bei Dschinghis Khan merkte man, dass Siegel größer dachte und sich auch auf das Feld Musical wagen wollte, was er dann später ja auch tat. Aber bereits bei Dschinghis Khan gibt es Songs, die durchaus aus einem Musical stammen konnten. Songs wie „Rom" (auch hier tolles Orchester-Arrangement und Chor), „Der Verräter" und „Die Fremden" zeugen davon, die auch in ihrer Länge von fünf, sechs Minuten und den Haken, die sie melodisch schlagen, übliche Formate aushebeln. Und mit „Corrida" komponierte und produzierte Siegel 1985 dann ja auch ein Dschinghis-Khan-Musical-Album. Christian Bruhn dürfte in unseren Kreisen wohl der bekannteste der drei sein, wegen seiner vielen TV- und Filmmusiken. Und auch er zeigte da eine große Bandbreite. Seine Musik für HEIDI ist beispielsweise ganz anders als die zu CAPTAIN FUTURE. Und die zu JACK HOLBORN dann wieder anders. Ja, auch die Musik der drei Herren ist oft leichte Unterhaltung. Aber das Handwerk, das dahinter steht, ist ein ganz anderes Kaliber zu dem, was heute im Schlager vorherrscht. Am ehesten lassen sich da noch die White-Titel mit vergleichen, weil der eben damals schon mehr auf die gleichförmige Klatsch- und Stampf-Musik setzte, die heute meist vorherrscht. Und er war damals schon ein Meister des Recyclings. Gefühlt schrieb er seit den frühen 80ern keine neuen Titel mehr, sondern benutzte bereits existierende Titel, die er meist mit neuem Text immer andere Interpreten singen ließ. So singen eben dann auch David Hasselhoff, Engelbert und Tony Christie alte Tony-Marshall- und Jürgen-Marcus-Songs, nur eben englisch. Als „honorable mention" kann man natürlich noch Frank Farian nennen. Der begann seine Karriere als Schlagersänger und schwenkte dann, als das nicht so erfolgreich klappte, auf das Produzieren und Komponieren um. Aber seine großen Erfolge kamen dann eben nicht im deutschen Schlager, sondern international mit Boney M.

Das mit dieser speziellen Szene in HERR DER RINGE habe ich vor längerem schon mal gelesen, daher war das Video diesbezüglich nicht mehr neu. Aber dennoch interessant zu sehen, dass diese Technik Standard ist, zumindest heutzutage. Es ist dann tatsächlich so, dass es mir als Zuschauer direkt auffällt, wenn ein Film mal nicht in dieser Technik verweilt. David Lynch beispielsweise liebt lange, totale Einstellungen, auf denen er verweilt. Und treibt das auch gern auf die Spitze, wie in der dritten Staffel von TWIN PEAKS. Da gibt es die berüchtigte Szene, in der man einfach nur das leere Roadhouse sieht und einen Mann, der mit einem Besen den Boden fegt. Mehr passiert erstmal nicht. Lynch bleibt in dieser Totalen, wir sehen dem Mann beim Boden fegen zu, bis nach Minuten (!) das Telefon an der Bar klingelt und der Barkeeper rangeht. Auch Tarantino ist da eher den älteren Filmen treu. Seine Filme sind ja gerne mal Ensemble-Stücke, besonders THE HATEFUL EIGHT. Und er arbeitet hier auch viel mehr mit Totalen oder Zweier-Einstellungen, statt nur in Close-Ups. Genauso in PULP FICTION. Nachdem Samuel L. Jackson und John Travolta zu Beginn nach der Autofahrt ins Gebäude gegangen sind, unterhalten sich die beiden unter anderem über Fußmassagen. Sie gehen zu dem Apartment, zu dem sie wollen, aber entscheiden, dass es noch zu früh ist, gehen den Flur ein Stück wieder zurück und unterhalten sich dabei weiter. In dieser ganzen Szene gibt es keine Close-Ups oder viele Schnitte. Die Kamera bleibt immer in Bewegung vor den Schauspielern oder hinter ihnen, die man in einer Zweier-Einstellung sieht. Als sie dann den Flur wieder ein Stück zurücklaufen, bleibt die Kamera sogar stehen und man verfolgt ihre weitere Konversation in der Totalen des Flurs. John Carpenter ist auch ein Meister des Ensemble-Films. In Filmen wie ASSAULT ON PRECINCT 13, THE THING oder auch PRINCE OF DARKNESS geht es um eine Gruppe von Leuten, die an einem Ort gefangen sind und sich gegen das schier übermächtige Böse wehren müssen. Und Carpenter weiß einfach, wie man dieses Ensemble in Szene setzt. Er ist ja sowieso kein Regisseur, der schnelle Schnitte und Wackelkamera einsetzt. Und so inszeniert er sein Ensemble dann auch gerne in Totalen oder setzt eine langsame Kamerabewegung ein, mit der die Kamera um die Gruppe fährt, mit Fokus auf den gerade sprechenden. Er inszeniert auch Spannung so. Wie in THE THING, als Kurt Russell die anderen mit einem Flammenwerfer in Schach hält, nachdem sie ihn für ein „Ding" gehalten haben. Carpenter nutzt hier eine Totale, in der man Russell und Keith David sieht, die sich feindselig unterhalten. Am linken Bildrand sieht man die Hand von Richard Masur, die versteckt ein Skalpell in der Hand hält, das er sich unbemerkt geschnappt hat und wartet auf den richtigen Moment, um Russell anzugreifen. So baut Carpenter mit nur einer Einstellung die Spannung auf. Und dieser Stil hebt sich schon deutlich davon ab, wie heute sowas inszeniert wird. Auch bei Carpenter selbst. Unter anderem auch deshalb ist sein GHOSTS OF MARS für mich der Tiefpunkt seiner Karriere, weil der Film auch handwerklich so schlampig inszeniert ist. Da merkt man deutlich, dass Carpenter eigentlich keinen Bock mehr hatte. Der Film ist auch ein Ensemble-Stück, eine Gruppe von Leuten gefangen an einem Ort. Aber wenn man sich die Inszenierung im Vergleich zu THE THING oder PRINCE OF DARKNESS ansieht, merkt man recht deutlich, wie flach und einfallslos Carpenter hier gearbeitet hat.

Wobei ich das BARBENHEIMER-Phänomen nicht als Eventfilme bezeichnen würde im eigentlichen Sinne. Denn da wurde ein Hype erzeugt, der ohne Social Media gar nicht entstanden wäre. Ich meinte mit Eventfilm eher Filme, die sich aus der Masse herausgehoben haben. Weil sie große Schauwerte mit Unterhaltung verbunden haben und diese Schauwerte dann auch Highlights waren. Und über die man noch Wochen und Monate später gesprochen hat. Das ist heute gar nicht mehr möglich, weil eben durch die technischen Möglichkeiten jeder Blockbuster große Schauwerte produzieren kann. Das ist eben nichts besonderes mehr, wie es das noch in den 90ern war. Und es führt daher auch zu einer gewissen Ermüdung. Wie oft will man sich denn noch in Superhelden-Filmen anschauen, wie Großstädte plattgemacht werden? Und wie kann man das anders inszenieren, nachdem man das nun schon so oft gesehen hat, damit es frisch und neu wirkt? Nolans Filmen muss man aber zugute halten, dass sie immer gut gemachte Effekte haben. Und zwar in dem Sinne, dass sie harmonisch wirken und dem Zuschauer nicht offensichtlich ins Gesicht springen. INTERSTELLAR beispielsweise finde ich da optisch sehr gelungen, nicht überladen und die Effekte fügen sich ins Gesamtkonstrukt ein, ohne, dass sie das Schauspiel oder die Handlung überlagern. Beim Ton sieht es da schon anders aus. Da mag Nolan es laut und nicht subtil. Wobei ich ihm auch hier zugestehen muss, dass er damit immerhin der Musik in seinen Filmen einen besonderen Platz einräumt. Er will, dass sie gehört wird und begräbt sie nicht unter den Soundeffekten. Ob die Musik an sich dann gut ist oder nicht, steht auf einem anderen Blatt. Auch Camerons AVATAR-Filme finde ich optisch schon herausragend gemacht. Das wirkt auf mich alles weit weniger künstlich als beispielsweise DER HOBBIT, vor allem auch das Zusammenspiel mit den echten Schauspielern wirkt hier viel harmonischer. Gut, Cameron lässt sich auch zehn Jahre Zeit für einen Film. Da kann man auch die Effekte entsprechend besser gestalten. Sogar Wasser und Rauch, die in den meisten anderen Filmen immer künstlich aussehen, besonders in Bewegung oder wenn Charaktere damit interagieren, hat Cameron bei AVATAR natürlicher hinbekommen. Weil er eben die Zeit dafür hat, während bei anderen Blockbustern die Uhr tickt und die Effekte dann meist auch eher schlecht als recht fertig werden müssen. Da gibt es dann auch keine künstlerische Integrität mehr, da ist der Film ein reines Produkt, das auf den Markt muss, um Geld zu machen. Selbst, wenn die Leute sich dann über die Effekte beschweren, haben sie sich den Film angesehen und mehr zählt dann auch nicht mehr. Gefühlt hat man früher den Regisseuren mehr zugetraut und ihnen auch mehr Freiraum gelassen. Wäre es beispielsweise heute noch möglich, so etwas wie die ersten vier ALIEN-Filme zu machen? Wo bei jedem Film ein anderer Regisseur am Werk war, der seinen eigenen Stil umsetzen konnte? Weil man die Leute eben auch genau dafür angeheuert hat? Ich glaube, heute hätte man zu viel Angst davor, dass einem das Publikum abspringt, wenn ein Teil eines Franchises zu sehr aus der Reihe tanzt. Die Risikobereitschaft hat einfach abgenommen, natürlich auch deshalb, weil es da um unglaubliche Millionenbeträge geht.

Genau. Oder sowas wie WATERWORLD würde heute nicht mehr in dieser Form gemacht werden. Ob man den Film jetzt mag oder nicht sei mal dahingestellt. Aber genau diese von dir erwähnte Lust am Zelebrieren von Schauwerten, von Abenteuer, wirkt heute ganz anders, weil nicht jeder Film so aussah und man tatsächlich noch Höhepunkte schaffen konnte. Das waren noch Eventfilme, die es heute in der Art auch nicht mehr gibt. Natürlich auch bedingt durch die technischen Möglichkeiten, mit denen man heute im Grunde alles darstellen kann. Als 1996 INDEPENDENCE DAY ins Kino kam, war das ein richtiges Event. Der hatte Effekte, die man so zuvor in der Größe noch nie gesehen hatte. Ich kann mich nicht erinnern, wann das bei einem aktuellen Film noch so war. Weil man einfach gesättigt ist. Weil durch die unbegrenzten technischen Möglichkeiten wohl auch so ein wenig der Zauber und das Staunen verloren gegangen sind. Selbst bei der HERR DER RINGE Trilogie Anfang der 2000er saß man noch erstaunt im Kino wegen des auch optischen Zaubers. Heute wirkt selbst das schon angestaubt. Zumindest las ich auch schon von den "schlechten Effekten" der Filme, mit der Nennung aktueller Marvel-Filme als Referenz. Natürlich hat sich auch bei den Effekten in 25 Jahren viel getan. Aber ich finde, dass es heute weniger Filme gibt, die ihre Effekte wirklich kunstvoll einsetzen. Es wirkt trotz vermeintlich besserer Technik oft künstlich und einfach über alles mit der groben Kelle ausgekippt. Im Vergleich finde ich beispielsweise die Effekte im HERR DER RINGE noch viel "angenehmer" als die dann im HOBBIT.

Huch 😂

Danke für deine Ausführungen Popcorn-Kino bis in die 2000er hinein trug noch so eine gewisse Naivität in sich. Vielleicht sogar so etwas wie eine "unschuldige" Naivität, wenn es sowas gibt. Das trägt auch einen gewissen Kitschfaktor in sich, der ja durchaus auch gewollt war. Ich glaube, das fällt heute stärker auf, weil es das eben in dieser Form nicht mehr gibt. Das fällt mitunter stark bei Reboots/Remakes von Filmen aus den 80ern auf. Diese Naivität von damals ist dort dem Zynismus gewichen. Dazu muss alles ernster und düster sein, siehe BATMAN. Jemand, der mit Nolans Batman aufgewachsen ist, findet die Filme von Burton und Schumacher natürlich "corny", weil sie das natürlich auch unverhohlen waren. Selbst Superheldenfilme, die humorvoller und leichter sind, wie GUARDIANS OF THE GALAXY, sind in ihrer Ausführung und ihrem Humor eher zynisch denn naiv. Dazu gab es Filme, die in ihrer Machart so nur in den 80ern gemacht werden konnten. Ich denke da an die ganzen Sport/Martial-Arts-Filme. Diese Attitude "Glaub an dich! Du kannst es schaffen! Gib nie auf", untermalt mit entsprechender Musik, vor allem Songs (Hearts on Fire, Never Surrender, Eye of the Tiger, Burning Heart und so weiter) gab es nur in den 80ern in dieser Form. Man vergleiche nur beispielsweise ROCKY III und IV mit CREED und CREED II. Diese Attitüde ist zwar geblieben, aber diese Lust an Schwulst und ja, auch Kitsch von damals ist weg. Und die Musik hat sich dem angeglichen. Wie Trekfan es am Beispiel ROGUE ONE gezeigt hat, wirkt dieser spätromantische Einsatz der Musik im Vergleich zu dem "nüchternen" Einsatz in ANDOR eher anachronistisch und stellenweise auch unnötig melodramatisch. Ich glaube, das meint man heute mit kitschig. Ähnlich, wie vielen sicherlich auch die Musik aus Filmen der 50er, 60er und 70er in den 80ern schon zu schwülstig vorkam.

CD kommt noch im Juni.

Kommt von LLL auf CD.

Friday The 13th Part VI Jason Lives Ultimate Cut LLLCD 1666 Music by Harry Manfredini RETAIL PRICE: $17.98 AUTOGRAPHED BY THE COMPOSER! (Autographed CD booklets are available while supplies last and are NOT guaranteed). STARTS SHIPPING LATE JUNE La-La Land Records presents an all-new restored, remixed, remastered and expanded “ULTIMATE” stereo presentation of renowned composer Harry Manfredini’s original motion picture score to the 1986 feature film FRIDAY THE 13TH PART VI – JASON LIVES, directed by Tom McLoughlin. In 1986, FRIDAY THE 13 PART VI – JASON LIVES, would boast the return of Jason Vorhees himself to the franchise, much to the rabid delight of fans everywhere. And composer Harry Manfredini was right by Jason’s side, ensuring the icon’s return was a big success, crafting another brilliant FRIDAY score that honored the series’ legacy while pushing it forward full-throttle, backed by the largest orchestra amassed for the franchise up to that point! Now, in 2025, this film’s beloved score re-awakens with the release of FRIDAY THE 13th PART VI – JASON LIVES: THE ULTIMATE CUT, the newly restored, remixed and expanded presentation of composer Harry Manfredini’s (F13 PARTS 1,2,3,4,5,6, 9, 10, HOUSE, DEEPSTAR SIX), score to the famed horror franchise’s fifth sequel. Once again, album co-producer Brian Satterwhite, under supervision of Manfredini, has restored the music with exhilarating results! The score is as rejuvenated as the resurrected Jason himself! Included in this deluxe assembly is NEVER before released music! Produced by Dan Goldwasser and Brian Satterwhite, restored and mixed by Matthew Crawford, meticulously assembled and edited by Satterwhite, and mastered by James Nelson, this special CD release features exclusive liner notes by Satterwhite that provide a detailed track-by-track breakdown along with an in-depth examination of the release’s restoration and remix process. The art direction is by Goldwasser and the original cover art is by Scott Saslow. A must-have for all FRIDAY fans and film score enthusiasts!

UNION PACIFIC - THE PARAMOUNT WESTERNS COLLECTION, VOL 2: LIMITED EDITION (4-CD SET) Music by John Leipold, Victor Young, Leo Shuken, Charles Bradshaw, Daniele Amfitheatrof, Manos Hadjidakis, Cyril Mockridge, Franz Waxman, Nathan Van Cleave, Elmer Bernstein, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph and Howard Jackson Limited Edition of 1000 Units RETAIL PRICE: $59.98 STARTS SHIPPING LATE JUNE La-La Land Records and Paramount Pictures proudly present UNION PACIFIC: THE PARAMOUNT WESTERNS COLLECTION, VOL 2, a deluxe 4-CD soundtrack collection of original film score recordings from Paramount Pictures’ big-screen westerns: UNION PACIFIC (1939), THE VIRGINIAN (1946), BLUE (1968), CALIFORNIA (1947), THE PALEFACE (1948), THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (1962), RED MOUNTAIN (1951), THE LONELY MAN (1957), and THE TIN STAR (1957), and suites from TEXAS RANGERS RIDE AGAIN (1940), TOMBSTONE: THE TOWN TOO TOUGH TO DIE (1942), WHISPERING SMITH (1948), THE REDHEAD AND THE COWBOY (1951) and RUN FOR COVER (1955). Meticulously restored from Paramount Pictures’ vault elements, this exciting compilation features original score recordings from fourteen of the studio’s western features spanning the course of three decades. Several of these recordings are making their world premiere here, others are expanded beyond previous releases, and many contain material not heard in their respective films. It’s a vast frontier of musical treasures, revealing Hollywood’s top Golden Age maestros at the peak of their powers, working in a legendary genre. Composers John Leipold, Victor Young, Leo Shuken, Charles Bradshaw, Daniele Amfitheatrof, Manos Hadjidakis, Cyril Mockridge, Franz Waxman, Nathan Van Cleave, Elmer Bernstein, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph and Howard Jackson are showcased here, their music encompassing an exhilarating variety, from big orchestral movements to spare and intimate moments – and everything in-between. TRACK LISTING: DISC 1 UNION PACIFIC (John Leipold, Victor Young, Leo Shuken & Charles Bradshaw) 1. Union Pacific Prelude 1:56 2. John Brown’s Body (Traditional) / First Westward Push 1:24 3. Paddy’s Death 1:40 4. Mollie And Dick 1:45 5. Clementine (Saloon Orchestra) (Traditional) 1:17 6. The Rescue Train 1:13 7. Monahan’s Death / Farewell To Mollie 3:57 8. Beginning Of Golden Spike Ceremony / The Spike Driving 2:36 9. Union Pacific Finale / Cast 1:38 Total Time: 17:37 THE VIRGINIAN (Daniele Amfitheatrof) 10. The Virginian Prelude 1:38 11. The Challenge 1:36 12. Just A Stray 2:17 13. Trouble Ahead 1:27 14. The Hanging 3:29 15. Trampas Threatens 3:03 16. A Windy Murder And Finale 4:24 Total Time: 18:01 BLUE (Manos Hadjidakis) 17. Paramount Opening Seal 0:12 18. Blue Main Title (The River) 2:23 19. The Cave 1:23 20. Ortega’s Initiative For The Fourth Of July 1:04 21. The Mexicans Cross The River 1:47 22. Blue’s Memories / Mexican Coup 1:48 23. The Mexicans In The Village / Antonio Falls Dead 1:07 24. Blue’s Operation 1:29 25. Ortega And Blue 0:27 26. Nocturne 4:09 27. Scherzo / Have A Do 3:20 28. Morning After Love 0:57 29. Jess And Blue 2:14 30. Ortega’s Vow / Blue’s Solitude 1:59 31. Preparation Of The Villagers 3:39 32. Nocturne (Reprise) / Blue And Joanne Near The River 2:09 33. The Mexicans Are Coming 3:26 34. The Death Of Blue 2:24 35. Blue Cast 0:44 BONUS TRACKS 36. The Cave #2 0:35 37. The Cave #3 (Domingo De Ronda) 1:16 38. Blue Main Title (The River) (Alternate) 2:22 39. Ortega’s Initiative For The Fourth Of July (Alternate) 1:05 40. Blue’s Operation (Alternate) 1:23 Total Time: 43:56 TOTAL DISC 1 TIME: 79:44 DISC 2 CALIFORNIA (Victor Young) 1. California Prelude / Covered Wagon 2:29 2. Lily Evicted 0:36 3. El Capotín (Traditional) 1:24 4. Patio Waltz / Trumbo Loses Lily / Fabian Is Drafted 5:58 5. Treachery 4:02 6. Pike Slugs Lily (Gerard Carbonara) 1:08 7. The Attack (Gerard Carbonara) 4:29 8. California Finale 1:28 BONUS TRACK 9. Buffalo Gals / Rosa Lee (Traditional, Arr. Charles Bradshaw) 1:05 Total Time: 22:53 THE PALEFACE (Victor Young) 10. The Paleface Prelude 1:25 11. Jane Gets Her Man 1:31 12. Marry Me, Stupid 1:21 13. Ominous Sunset 2:02 14. Oh, That Kiss Again 0:55 15. Painless Potter Rides Again 3:11 16. The Chase 2:13 17. The Paleface Finale And Cast 0:40 BONUS TRACK 18. Indian Drums 2:40 Total Time: 16:14 THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (Cyril Mockridge) 19. The Man Who Shot Liberty Valance Main Title 1:40 20. Cactus Rose 1:31 21. Sad Reunion / Overland Stage 5:08 22. Music Of The Bars / Four Little White Doves (Traditional) 1:40 23. A Shapely Student / A Rose For Hallie 1:29 24. The Pen And The Sword 2:10 25. Carmela (Traditional) 2:35 26. Tears And Tenderness 1:47 27. Fumare / Marianina (Traditional) 0:58 28. Langhorne Brass Band / Langhorne Bugle Band 2:56 29. Tom Shot Liberty 1:07 30. Cactus Rose Again / Finale 1:30 BONUS TRACKS 31. Liberty Of The Press (Jarabe Tapatío – Traditional) 3:26 32. Band Medley (Langhorne Is Nominated / Stoddard Is Nominated / The Last Of Tom) 2:07 33. Guitar Medley (Tom’s Adios / Peabody’s Shadow / Jarabe Tapatío) 0:59 34. Saloon Medley (Sweet Genevieve / Saloon Music / Whiskey Bottle / After Election Pts. 1 & 2 / Shinbone Saloon / Saloon Piano Sweetener) 4:10 35. Utility Drum Track 0:58 36. Camptown Races (Stephen Foster) / Solomon Levi (Fred Seaver) (Unused) 1:30 Total Time: 38:10 TOTAL DISC 2 TIME: 77:27 DISC 3 RED MOUNTAIN (Franz Waxman) 1. Red Mountain Main Title / Opening Sequence 2:32 2. The Stranger 1:40 3. Night Scene / An Unguarded Moment 5:41 4. Brett’s Soliloquy / Lane Falls Asleep / Chris Takes The Watch 5:32 5. Morning Scene 2:19 6. Brett Relieves Skee 1:55 7. Wishful Thinking / Bridge To Cave 3:05 8. The Operation / Quantrill's Blind Spot 4:40 9. Escape And Chase 1:13 10. Red Mountain Finale And End Title 0:42 BONUS TRACK 11. The Operation (Alternate Segment) 1:33 Total Time: 31:13 THE LONELY MAN (Nathan Van Cleave) 12. Paramount Seal 0:22 13. The Lonely Man Prelude (Instrumental) 1:59 14. The Prodigal Father 3:25 15. Burn And Beware 1:14 16. The Trek, Part 1 / The Cold Deck 1:10 17. The Trek, Parts 2 & 3 2:10 18. Scorned At The Stable / Hate Makes Him Evil 3:30 19. The White Stallion / Ada’s Advice 3:39 20. Losing The Stallion 1:49 21. Signs Of Blindness 2:26 22. Still The Boss 3:45 23. The Informer / The Canvas Corral / Fist Fight At The Canvas Corral 5:34 24. Something To Think About / Into A Trap 2:31 25. Then There Were Two / To The Rescue With Love 1:52 26. The Deserted Bonanza 1:16 27. Tension At The Bonanza 2:26 28. Death At The Bonanza / The Finale 4:45 BONUS TRACKS 29. The Trek (Film Segment) 1:38 30. The Trek (Alternate Segment) 0:49 31. The Finale (Harmonica Overlay) 1:31 Total Time: 48:24 TOTAL DISC 3 TIME: 79:42 DISC 4 THE TIN STAR (Elmer Bernstein) 1. Paramount Seal (Nathan Van Cleave) 0:21 2. The Tin Star Prelude / A Stranger In Town 3:15 3. Bounty Hunter 2:56 4. Morg Meets Nona 1:18 5. Kip’s Half-Injun 3:34 6. Morg Saves Ben 1:20 7. The McGaffey Brothers 1:37 8. Good Indian 3:55 9. An Ex-Sheriff 1:54 10. Stagecoach 1:23 11. New Hoss 1:11 12. New Patient 2:40 13. Ed Goes After Doc 1:37 14. Last Report 0:50 15. Kip Follows Posse 3:50 16. Morg Goes After Kip 3:33 17. Morg Captures McGaffeys 6:20 18. Bringing ’Em Back Alive / Joyous Reunion 1:31 19. Posse Returns 1:07 20. Ready For Action / Dead Silence 3:06 21. Finale 1:46 BONUS TRACKS 22. For He’s A Jolly Good Fellow (Traditional, Arr. Van Cleave) 0:47 23. Last Report (Alternate) 0:39 Total Time: 51:00 THE PARAMOUNT CORRAL (John Leipold, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph, Howard Jackson) 24. Texas Rangers Ride Again Prelude / Rangers’ Entrance / Final Scene & End Title 3:43 25. Tombstone Prelude / Clanton’s Ranch / Clanton’s Loud-Mouthing / End Title & Cast 6:23 26. Whispering Smith Prelude / Prelude (Alternate) / Wounded / Cast 6:08 27. Whispering Smith Cast (Alternate) 0:31 28. The Redhead And The Cowboy Prelude / The Chase / Foiled / Jeffers’ Heroism / Cast 5:07 29. Paramount Seal (Nathan Van Cleave) / Run For Cover Main Title (Edit) / Narrow Escape / Finale 5:44 Total Time: 27:48 TOTAL DISC 4 TIME: 78:48 TOTAL 4-DISC TIME: 5:15:41 This is a CD format release

GOLDFINGER: REMASTERED LIMITED EDITION VINYL LP LLLLP 2011 Music composed, arranged and conducted by John Barry Title Song sung by Shirley Bassey Lyrics by Leslie Bricusse & Anthony Newley Limited Edition of 700 Units “Fort Knox Bullion” Variant EXCLUSIVE to La-La Land Records La-La Land Records, Metro-Goldwyn-Mayer, EON Productions and Universal Music Enterprises proudly present a remastered and re-sequenced vinyl LP re-issue of composer John Barry's original motion picture score. The 1964 film stars Sean Connery as James Bond in his third turn as 007 and is directed by Guy Hamilton. The bold GOLDFINGER orchestral score defined the mood and style of the entire series. The historic title song, sung by Shirley Bassey, packs a sonic punch that still hits as strongly today as it did six decades ago. Thrilling, dramatic, romantic, suspenseful, exhilarating - John Barry's GOLDFINGER has it all! Produced by Neil S. Bulk, restored by Chris Malone and mastered by Doug Schwartz, this remastered LP release, pressed on 180 Gram colored vinyl, presents a new playlist - a hybrid of the UK and US album sequencing for the most complete vinyl release of the score to date. The gatefold jacket includes an 8-page booklet featuring liner notes by renowned journalist and author Jon Burlingame and sharp art design by Jim Titus. This special Limited Edition LP release is limited to 700 Units and is available as a “Fort Knox Bullion” colored vinyl variant, EXCLUSIVE to La-La Land Records!

Das ist auch ein guter Punkt. Auch für mein Empfinden können „einfache" Scores ebenfalls sehr gut funktionieren. Wie eben die von mir schon angesprochenen Sachen von Reitzell zur HANNIBAL-Serie, obwohl das über weite Strecken „nur" Geräusche sind. Aber in der Serie funktioniert das ganz hervorragend und überträgt die schwebende Bedrohung und die alptraumhaften Bilder der Visionen sehr gut. Auch hier sehe ich einfach die andere Zeit als Grund, in der Williams aufgewachsen ist. In den 30ern und 40ern musste man zwangsläufig ein klassisch studierter Komponist sein, um überhaupt Musik für Filme schreiben zu können. Da gehörte das einfach zur Kunstform Film dazu und man musste die entsprechende Bildung mitbringen. Dazu war die Klassik nun mal die vorherrschende Form in Filmen, denn Alternativen gab es ja auch kaum. Mal abgesehen von Jazz, Swing, Blues, Gospel und Volksliedern. Und da gehörte es wohl auch zum guten Ton, dass man einen handwerklich zumindest ordentlichen Orchester-Score ablieferte. Deswegen bekamen die Komponisten damals eben auch die entsprechende Ausbildung. Im Laufe der Jahrzehnte ändern sich aber nun mal auch die Seh- und Hörgewohnheiten. Viele Filme aus der Zeit, bis in die 70er hinein, wirken in ihrem Zusammenspiel von Musik, Inszenierung und Schauspiel heute eher over the top, kitschig oder einfach altbacken. Damals haben die Leute das aber sicher nicht so empfunden, weil eben die Zeit eine andere war und die Art, Filme genau so zu machen, die gängige. Selbst Filme aus den 80ern und 90ern gelten heute schon als kitschig. Oder mit dem eigentlich besseren englischen Ausdruck „corny". Ich habe auch so meine Probleme, wenn ich mir manche Filme aus den 50ern und 60ern ansehe. Auch, weil mir die Musik da oftmals einfach zu over the top ist. Und für mein Empfinden damit auch gegen das Bild läuft. Wenn in DIE DÄMONISCHEN Kevin McCarthy seinen „zweiten" Körper in der Erde entdeckt, dann ist das eigentlich ein Suspense-Moment. Die Musik stampft die Szene aber buchstäblich mit Pauken und Trompeten nieder. Ähnlich ging es mir, als ich mir mal wieder JAWS 2 angesehen habe. Ich kenne den Film seit meiner Kindheit, hab den zigmal gesehen, aber beim letzten Mal ist mir einfach aufgefallen, wie aufdringlich die Musik von Williams in manchen Szenen doch ist. Auch sie erschlägt die Bilder manchmal förmlich oder lässt eine Szene gar unfreiwillig komisch erscheinen. Etwa, wenn die Jugendlichen mit ihren Segelbooten auf's Meer fahren und sie dazu von einer Musik begleitet werden, die klingt, als würden britische Viermaster in den Krieg ziehen. Gleichzeitig finde ich aber auch, dass der Film ein gutes Beispiel für prägnante Filmmusik hat. Also Filmmusik, die dich als Betrachter tatsächlich nicht nur berieselt, sondern das Filmerlebnis nachhaltig aufwertet. Und zwar ist das die Szene gleich am Anfang, als die Taucher das Wrack der „Orca" finden und Williams dazu sein „Orca"-Thema aus dem ersten Film erklingen lässt. Da bekomme ich immernoch Gänsehaut, weil die Musik diesen tragischen Kampf gegen den Hai in sich trägt und ich sofort die Bilder aus dem ersten Film im Kopf habe. Und vor allem die Emotionen, die mich als Zuschauer auch wegen der Musik da gepackt haben. Ein weiteres Beispiel sind für mich POLTERGEIST und POLTERGEIST II. Carol-Anns Thema steht nicht nur für das unschuldige Mädchen, sondern auch für den Schrecken, den sie und ihre Familie durchleiden müssen. Und es ist ja nicht das einzige Thema im Film. Goldsmith baut hier mit seiner Musik maßgeblich die Stimmung mit auf. Das, ich nenne es mal, „Cuesta Verde"-Thema, welches im Film in verschiedenen Variationen auftaucht (tief und drohend, als Steve Freeling erfährt, dass der ganze Ort auf einem ehemaligen Friedhof gebaut wurde oder tragisch-melancholisch, als die Familie am Ende aus Cuesta Verde flieht). Das ist mir tatsächlich auch als Kind schon aufgefallen. Ich habe die Melodien wiedererkannt und hatte sie auch ohne den Film noch lange im Kopf. Und natürlich die damit verbundenen Emotionen. Und ähnlich wie in JAWS 2 geht es mir dann am Anfang von POLTERGEIST II, als Taylor in das nun verlassene Cuesta Verde fährt und das Thema wieder erklingt. Kurzum: Ja, handwerklich gut gemachte Musik kann das Filmerlebnis steigern. Das Spotting spielt dabei auch eine große Rolle. Denn wenn die Musik einfach von vorne bis hinten durch den Film dudelt, dann geht sie tatsächlich auch schnell unter oder man nimmt sie höchstens noch als Nebengeräusch wahr. Umgekehrt empfinde ich aber auch „einfachere" Musik immer wieder als das Filmerlebnis aufwertend. Beispielsweise Snows Kombination aus Ambient-Klängen und Themen in den X-Akten, ohne die der Serie ein wichtiger Punkt fehlen würde. Ist das Filigrane in der Musik wirklich nötig? Nötig vielleicht nicht, aber Leute wie Williams und Goldsmith haben eben nun mal ein gelerntes Handwerk auf einem bestimmten Niveau. Und sie können einfach nicht anders, um es mal so auszudrücken, als zumindest diesen Mindeststandard zu erfüllen. Die darauf bauende Musik ist dann eben mal mehr, mal weniger originell, aber sie fällt eben handwerklich nicht unter ein bestimmtes Niveau. Auch, wenn der Film dieses Niveau gar nicht braucht.

THE HUNTED ist so ein Beispiel, ja. Aber auch bei Sachen wie DARKNESS FALLS hört man diese „schrillen" Bläserattacken, die man eher von Goldenthal kennt. Bevor wieder der Vorwurf des Früher-war-alles-besser-Geblubbers kommt: Ich bin beileibe kein Williams-Fan, noch ein vehementer Verteidiger orchestraler Scores. Eher im Gegenteil, mein Geschmack hat sich tatsächlich in den letzten Jahren eher weg vom großorchestralen Klangapparat entwickelt. Ich höre mir beispielsweise Brian Reitzells Alben zur HANNIBAL-Serie lieber an als alles, was von Williams nach 2005 kam. Wenn orchestral, dann Goldsmith, Elfman, Barry oder Newton Howard. Ansonsten eher Badalamenti, Snow, Carpenter oder Faltermeyer/Moroder. Wäre Williams etwas jünger und noch aktiv in der Filmmusik unterwegs, hätte er es heute auch schwer. Er hat ja schon vor seinem vermeintlichen Ruhestand eigentlich nur noch für Spielberg und Lucas gearbeitet. Natürlich auch, weil er sich die Projekte aussuchen konnte. Denn auch er wollte sich sicherlich diesen Stress einer großen Produktion nicht mehr antun. Aber wenn man das mal ausser Acht lässt, für wie viele Projekte wäre er denn tatsächlich noch angefragt worden? Ihm wäre es nicht anders ergangen als McNeely und Broughton, weil sein Stil im aktuellen Blockbuster-Kino einfach nicht mehr gefragt ist. Elfman und Powell sind eigentlich die beiden, die noch weitgehend orchestrale Scores zu großen Produktionen schreiben. Ihr Stil ist allerdings auch moderner als der von Williams. Selbst im Bereich des Ambient/Sound-Design-Scores gibt es durchaus qualitative Unterschiede. Um bei Tyler zu bleiben: Seinen THE KILLING ROOM finde ich beispielsweise großartig. Ich mag diese kalte, leicht bedrohliche, aber auch melancholische Stimmung der Musik. Viele Sachen von Tomandany mag ich sehr. Wenn man es genau nimmt, hat auch Goldsmith mit Ambient und Sound Design gearbeitet. Beispielsweise seine ganze Musik in ALIEN, als sie das Wrack auf dem Planeten erkunden. Diese fremdartigen Laute durch das Didgeridoo und die Verfremdungen mit dem Echoplex ergeben ja auch keine Harmoniefolgen oder große Melodiebögen. Dafür verbindet Goldsmith diese mit seinem Thema, welches dazwischen immer mal wieder auftaucht. Tatsächlich hat mir auch Tylers SCREAM 5 gefallen. Nicht so sehr im Film, aber als Höralbum habe ich das tatsächlich gern gehört. Nicht, weil die Musik so außergewöhnlich wäre, aber ich mag die Stimmung, die sie erzeugt. Degeneration ist ein hartes Wort, so würde ich das nicht nennen. Eher Vereinfachung. Das hängt aber mit der Entwicklung zusammen, die sich eben in der Film- und Musikbranche in den vergangenen Jahrzehnten abgespielt hat. Große Studiofilme wurden immer teurer und werden, mehr denn je, nach einer Art Checkliste für Zielgruppen produziert. Denn da geht es um viel Geld und daher geht man natürlich kein Risiko ein. Man produziert etwas, von dem man denkt, dass es möglichst viele Leute konsumieren werden. Und um das zu schaffen, muss es so massentauglich wie möglich sein. Und im besten Fall auch in kleinen Häppchen funktionieren, siehe YouTube, TikTok. Dazu hat das Arbeitspensum enorm zugenommen. Deshalb haben die Komponisten heute alle ein Team um sich, denn alleine könnte man dieses Pensum in der Post-Production, wo auch gerne noch bis zum Starttag Szenen geändert und neu vertont werden müssen, nicht schaffen. Und da wäre eben eine „zu kompliziert" komponierte Musik hinderlich, weil man die schwerer auf kurzfristige Änderungen anpassen kann. Deshalb wird da eben auch viel auf gleichförmige Wiederholungen gesetzt, weil sich das ganz einfach besser (zusammen)schneiden lässt. Die Art, wie Musik konsumiert und wahrgenommen wird, hat sich ebenfalls radikal geändert. Filme und Musik haben eh das „Problem", dass sie allgemein an Wertschätzung verloren haben. Man hat heute für wenig Geld Zugriff auf Millionen von Musikstücken und Filmen. Das ist einerseits natürlich toll, in so einem Fundus stöbern zu können und seine Musiksammlung sozusagen in der Hosentasche dabei zu haben. Andererseits führt das aber eben leider auch dazu, dass Musik und Filme nicht mehr als so wertig wahrgenommen werden. Und es ja fast schon ein Affront ist, wenn man Geld dafür ausgeben soll. Auch das hat natürlich Einfluss auf die Qualität neu produzierter Musik. Erst die Tage habe ich ein altes Beispiel wieder gelesen (ich weiß, „old man yells at cloud"). Da sprach ein Hörspielproduzent über den harten Markt und meinte eben, dass die Wertschätzung der Arbeit, die hinter der Produktion eines Hörspiels steckt, bei vielen kaum noch vorhanden ist. Da werden problemlos neun Euro für einen Kaffee bei Starbucks ausgegeben, aber neun Euro für eine Hörspiel-CD sind Wucher. Ich weiß, schwierig, Musik mit Lebensmitteln zu vergleichen. Aber im Kern stimmt diese Aussage nun mal leider. Und in diesen ganzen Umständen wachsen neue Generationen heran, die es eben gar nicht mehr anders kennen. Noch nie war es so einfach und so selbstverständlich, quasi für lau Musik und Filme zu konsumieren. Und es wird eben immer schwieriger, seinen Horizont zu öffnen, wenn es nur noch schnelllebig und auf den kurzen Kick ausgelegt ist. Ganz klar sind wir für Teenie-Pop auch gar nicht mehr die Zielgruppe. Das spricht uns inhaltlich ja auch gar nicht mehr an, weil für uns mittlerweile ganz andere Themen wichtig sind. Aber diese Veränderung, diese Vereinfachung, die auch in der kommerziellen Popmusik stattgefunden hat, kann man schon feststellen.

Ich wüsste nicht, wo ich behauptet hätte, dass früher alles besser war Es war lediglich die Beschreibung einer Entwicklung, die nun mal nicht von der Hand zu weisen ist. Also ein Früher-war-es-anders-Geblubber. Aber bei deinem zweiten Punkt hast du recht, daher findet sich diese Diskussion nun hier.

Nun auch auf Vinyl.

Intrada announces an expanded edition of the 1993 Disney action-adventure film The Three Musketeers, for which composer Michael Kamen delivered a lengthy, epic score. In an unusual practice, Kamen was selected as the composer months before shooting began, a show of confidence after his work on a another, recent literary epic: Robin Hood: Prince of Thieves. Kamen’s score for The Three Musketeers is a traditional symphonic work. In view of the Baroque era in which the story takes place, he researched and incorporated period instruments such as harpsichord, recorder and crumhorn (a double reed) into the ensemble; he also wove in ornamental trills and flourishes characteristic of the period. Many of his set pieces convey an almost classical sense of structure, with recurring devices such as the driving ostinato and associated heroic figures. Kamen’s intention was for specific instruments to be associated with each of the three Musketeers and their young protégé: trumpet, tuba, flute and French horn. Kamen also lavishes equal attention on the film’s villains—snarling, descending brass motif announces the presence of both Cardinal Richelieu and his Red Guards. At the time of the film's release, Hollywood Records released a 42-minute album featuring highlights from the score. This new 2-CD release more than doubles the length of that original album, with a total score time of 98 minutes. A few alternates and source music appear after the complete program, as well as the complete original Hollywood Records program. For this release, Bruce Botnick remixed and mastered the entire score from the original digital masters. Neil S. Bulk along with Botnick produced the final master, and the release features notes by John Takis. In the film, a young man named D’Artagnan (Chris O’Donnell) travels to Paris in 1625 to follow in his father’s footsteps by joining the Musketeers—a corps of elite guardsmen who protect the King. By the time he arrives, however, the Musketeers have been disbanded by Cardinal Richelieu (Tim Curry), who seeks to usurp the throne from young King Louis XIII. In his brashness, D’Artagnan runs afoul of three of the Musketeers—noble Athos (Kiefer Sutherland), tempestuous Porthos (Oliver Platt) and pious Aramis (Charlie Sheen)—challenging each to a duel before the four men make common cause against Richelieu’s guards and their sinister captain, the Count de Rochefort (Michael Wincott). The four allies soon uncover a plot against the crown. In the end, the heroes band together—“All for one, and one for all!”—to cast down Richelieu, and D’Artagnan proudly takes his place as one of the Musketeers. CD 1 THE SCORE 01. The Cavern Of Cardinal Richelieu (Film Version) (3:29) 02. My Sister’s Honor (1:20) 03. D’Artagnan (Intended Film Version)* (2:54) 04. Musketeers Disbanded (2:29) 05. Enter The Cardinal (1:28) 06. Windmill (1:34) 07. D’Artagnan Meets Constance (4:22) 08. God’s Often Busy (1:55) 09. Palace Gate/For Me And For France (3:30) 10. Chandelier (2:21) 11. D’Artagnan Meets The Musketeers/The Ruins Fight (4:56) 12. Last Rites (1:57) 13. The Dungeon (2:48) 14. Cardinal And Milady (2:27) 15. D’Artagnan Discovered/Now We’ll Never Know (0:48) 16. Beheading (1:45) 17. Carriage Chase (6:29) 18. Into The Sunset (0:58) 19. Athos’s Story (2:37) 20. Musketeers Ride (0:32) 21. Cannonballs (Film Version) (1:10) 22. Talk Of Love (1:29) 23. Affairs Of State/Athos Cornered (5:13) 24. Rumors (3:35) 25. D’Artagnan And Milady (5:11) 26. Ship Fight (1:36) 27. Athos And Milady (2:32) 28. Milady In Jail (3:57) CD 1 Total Time: 75:24 *Not Featured in Film CD 2 THE SCORE (Cont.) 01. Musketeer Montage/Spotting The Gun (2:55) 02. Brass Fanfare (1:00) 03. Race To The Gun/Courtyard Battle (4:02) 04. Saving The King/Throne Room Battle (3:52) 05. The Musketeers Search For The King (2:21) 06. Porthos And Ugly/D’Artagnan Defeats Rochefort (3:28) 07. The Fourth Musketeer (Choir Version)* (5:21) Total Score Time: 98:23 THE EXTRAS 08. My Sister’s Honor (Alternate)* (1:21) 09. D’Artagnan* (Alternate) (2:55) 10. Tavern Source (1:42) The Extras Time: 5:58 1993 SOUNDTRACK ALBUM 11. All For Love (4:43) (Performed by Bryan Adams, Rod Stewart and Sting) 12. The Cavern Of Cardinal Richelieu (Overture – Passacaille) (2:58) 13. D’Artagnan (Galliard & Air) (3:19) 14. Athos, Porthos And Aramis (Courante) (5:21) 15. Sword Fight (Bransle) (3:19) 16. King Louis XIII, Queen Anne And Constance – Lady In Waiting (Gavotte) (5:06) 17. The Cardinal’s Coach (Estampie) (4:43) 18. Cannonballs (Rigadoon) (3:27) 19. M’Lady DeWinter (Lament) (4:16) 20. The Fourth Musketeer (Concert Royaux) (5:20) Soundtrack Album Time: 42:32 CD 2 Total Time: 71:30)

Persönliche Interessen spielen auch eine Rolle. Nicht jeder will der nächste Goldsmith werden. Wobei ich diese Vergleiche auch immer etwas müßig finde. Leute wie Goldsmith und Williams sind Ausnahmetalente, aber nicht die Regel. Sie scheinen heute natürlich noch heller, wenn man sie mit der aktuellen Filmmusik vergleicht. Aber der Vergleich hinkt etwas, denn weder Goldsmith, noch Williams waren in dem musikalischen Umfeld tätig, das heute herrscht. Für die letzten großen Produktionen, die Williams noch gemacht hat, wie STAR WARS und INDIANA JONES, musste der Workflow für ihn dann ja auch angepasst werden. Sonst hätte er das zeitlich gar nicht geschafft, weil er eben kein Team von Leuten hinter sich hat. Die Music Editors mussten dann ja auch da am Ende nachhelfen. Tyler hatte eigentlich von Anfang an, ähnlich wie Elfman, eher so eine Rocker-Attitüde. Das drückte sich bei ihm eben auch musikalisch aus. Viele seiner Sachen sind in puncto Ausführung, Percussion und Lautstärke ja tatsächlich eher dem Hardrock/Heavy Metal näher als der Klassik. Aber ich finde, dass es auch bei Tyler einen Unterschied macht, aus welchem Jahr eine Musik stammt. Hört man sich seine Sachen von vor zwanzig Jahren an beispielsweise, dann erkenne ich da schon mehr „Lust" am Umgang mit dem Orchester und der Orchestration. Das hängt dann auch mit den Orchestrieren zusammen, die damals wohl ebenfalls noch versierter im Umgang mit einer Partitur waren. Elfman hatte Shirley Walker, Tyler hatte Goldenthals Orchestrator Robert Elhai, was man seinen Scores aus der Zeit auch anhört. Ich glaube, selbst so etwas wie BUBBA HO-TEP würde Tyler heute nicht mehr so schreiben wie damals. Das klänge heute alles viel fetter, dafür sicher weniger melodiös. Tyler hat sich eben einfach, wie viele andere auch, dem angepasst, was gefordert wird. Das ist irgendwann eben auch eine Frage, wie viele Jobs du noch bekommen willst. Tyler hätte sicher seine Scores feiner orchestrieren und komponieren können. Aber wie viele Jobs bekommst du mit einem „altmodischen" Orchesterscore heute noch? Man muss sich ja nur ansehen, für wie viele Großprojekte Leute wie McNeely oder Broughton in den letzten 15, 20 Jahren noch gebucht wurden. Da wird es schon dünn. Wenn du eben für einen bestimmten Sound stehst, dann kann es eben sein, dass dieser Sound irgendwann einfach nicht mehr gefragt ist. Barry erging es ja ähnlich am Ende seiner Karriere. Wenn man sich dann nicht anpassen will oder kann, ist man eben schnell weg vom Fenster. Dabei gibt es auch heute noch durchaus Talente wie Williams oder Goldsmith. Sebastian würde jetzt ganz schnell Christopher Gordon sagen. Der komponiert handwerklich auf einem hohen Niveau. Aber den würde sicher keiner für einen FAST AND THE FURIOUS engagieren. Was Gordon sicherlich auch nicht annehmen würde. Dafür macht das eben Tyler und sackt die Millionen ein. Bei Tyler kommt auch noch dazu, dass man ihm eine gewisse Selbstverliebtheit und „Fame-Geilheit" wohl nicht ganz absprechen kann. Der Mann ist ja nun auch schon über 50, präsentiert sich auf Instagram aber gern als hipper Influencer, mit Baseball-Cap, Model-Freundin und vom Schönheits-Doc gemachtem Gesicht. Wenn es ihn glücklich macht, soll er doch machen. Aber, um es mal so auszudrücken, genau nach dieser „Attitude" klingt auch seine Musik.

Die Filmmusik hat sich in den letzten Jahrzehnten immer schon auch den gerade modernen Strömungen der Popmusik angepasst. In den 20er/30er/40er-Jahren waren das Jazz, Swing und Blues, in den 50ern und 60ern kam dann Rock 'n' Roll dazu, die 70er hatten Disco, die 80er Elektro-Pop, die 90er Techno und so weiter. Dazu führte bereits der Einsatz von Synthesizern ab den 60er Jahren zu einer Veränderung der Klangsprache. Und natürlich eröffneten Synthesizer auch ganz neue Möglichkeiten für Komponisten. Man brauchte kein Orchester mehr für eine Filmmusik, man konnte sie nun auch komplett elektronisch erzeugen. Dieser Trend hat sich bis heute fortgesetzt. Heute kannst du praktisch alles in deinem Zimmer an deinem Rechner an Klängen bauen und erzeugen, wofür du früher ein Orchester oder teures Studioequipment gebraucht hast. Dazu kommt noch, dass sich spätestens seit den 80er Jahren die Vermarktung von Filmen geändert hat. Beginnend mit JAWS und STAR WARS gab es plötzlich sogenannte Blockbuster. Infolge dessen suchten die Produzenten natürlich nach Möglichkeiten, immer noch mehr Gewinn mit einem Film zu machen, zumal die Filme ja auch immer teurer wurden. Also wurde auch die jeweils aktuelle Popmusik als Filmmusik wichtiger. Denn wenn die Musik im Film möglichst dem entspricht, was die Teenager gerade so hören, dann gehen auch mehr ins Kino. Und sie kaufen die Platte dazu. Unter diesem Gesichtspunkt entstanden viele Filmmusiken der 80er. Damals standen Score und Popsongs aber im besten Fall noch Seite an Seite und ergänzten sich gut, siehe GHOSTBUSTERS oder BACK TO THE FUTURE. Manche Filme lebten sogar fast ausschliesslich von ihren Popsongs, siehe FLASHDANCE oder TOP GUN. Ridley Scotts LEGEND wurde doch ein „Opfer" dieses Trends, da der damalige Universal-Chef Sid Sheinberg der Meinung war, dass man mehr Teenager ins Kino locken kann, wenn man den Goldsmith-Score durch einen Pop-Synthie-Score von Tangerine Dream ersetzt. Aus dem gleichen Grund durfte dann auch Giorgio Moroder einen Teil des Doldinger-Scores in der US-Version von DIE UNENDLICHE GESCHICHTE ersetzen und schrieb mit „The Neverending Story", gesungen von Limahl, gleich noch einen Welthit dazu. Seit damals spiegelt die Filmmusik auch immer, so stark wie nie zuvor, die aktuelle Popmusik. Dazu kommen die hier bereits angesprochenen Punkte. Komponisten, die nachwachsen, wachsen in der jeweils aktuellen Strömung der Film- und Popmusik auf. Ebenso wie andere Filmschaffende, Regisseure, Produzenten. Daher wenden sie diese Strömungen natürlich auch an. Ein Score a la Goldsmith und Williams gilt heute als altmodisch und unmodern. Auch wegen der Themen. Das ist ein weiterer Punkt. Scheinbar empfinden besonders jüngere Leute heutzutage eine erkennbare, längere Melodie in einer Filmmusik als kitschig. Zumindest las ich das mal in einem Artikel, in dem es allerdings eher um die Entwicklung der Popmusik ging. Denn auch da lässt sich feststellen, dass längere Melodiebögen, wenn es kein gecoverter Song von früher oder Hommage an etwas von früher ist, so gut wie nicht mehr auftauchen. Ausnahmen sind noch Singer-Songwriter-Sachen, aber die meisten angesagten Popsongs haben doch heute ausser einem mehr oder weniger prägnanten Hook kaum noch längere Harmoniefolgen. Das ist eine Entwicklung, die tatsächlich eher gesellschaftlich zu verorten ist. Durch die Technik und das Internet ist unsere Welt so schnelllebig geworden, dass die Aufmerksamkeitsspanne der Menschen immer kleiner wird. Wie viele Menschen unter 25 schauen sich denn noch in Ruhe einen zweistündigen Film an, ohne auf's Smartphone zu schauen? Oder hören sich ein Musikalbum von vorne bis hinten an? Dazu gibt es TikTok, wo es darauf ankommt, seinen Content in wenigen Sekunden rüber zu bringen, damit die Betrachter nicht weiterscrollen. Und gefühlt werden Popsongs heute gezielt darauf geschrieben, dass man den Hook problemlos in einem Zehn-Sekunden-TikTok-Video verwerten kann. Man sieht sich keinen kompletten Film mehr an, sondern klickt sich durch Einzel-Clips auf YouTube. Oder sieht sich den Film in doppelter Geschwindigkeit an. Und das spiegelt sich eben auch in der aktuellen Filmmusik wieder. Die Komponisten von heute hatten andere Lehrer und andere musikalische Zeiten, in denen sie aufgewachsen sind, als eben noch ein Williams oder Goldsmith. Dazu kommt es bei sündhaft teuren Blockbustern nicht mehr auf die Qualität der Musik an, sondern dass da jemand ist, der das Gewummer von vorne bis hinten in der gegebenen Zeit fertig bekommt. Goldsmith änderte doch bereits Anfang der 90er seine Herangehensweise dahingehend, dass er seine Scores wesentlich ökonomischer orchestrierte, weil man vieles davon unter den lauten Soundeffekten eh nicht mehr hörte. Einige Musiker aus dem Rockbereich sagen doch schon seit Jahren, dass die Arbeit mit den großen Labeln keinen Spaß mehr macht. Weil da keine Musikkenner mehr sitzen, sondern nur noch Geschäftsleute. Manager und Produzenten wollten natürlich schon immer auch Geld verdienen, aber in früheren Zeiten saßen da eben auch oft Leute, die gleichzeitig noch was vom Handwerk der Musik und von Musikgeschichte verstanden. Und vor allem deshalb auch öfter mal ihrem Bauchgefühl vertrauten. Heute geht es nur noch um die nackten Zahlen. Und das ist im Filmgeschäft nicht anders. Natürlich gibt es hier und da noch orchestrale Scores in teuren Studioproduktionen. Aber auch hier hat der Trend der Klangtapete schon lange Einzug gehalten. Beispiele wurden ja schon genannt. Bei PICARD setzt man auf einen orchestralen Sound, weil es eben Star Trek ist. Und es klingt dann ja auch wie Star Trek, aber es fehlt eben das gewisse Etwas, was ein Goldsmith oder Horner noch mitgebracht hat. Deshalb wirken ihre Themen, wenn sie dann mal auftauchen, fast schon wie Fremdkörper in der sonst eher gesichtslosen Masse gleichförmigem Gedudels. Weil eben der Rest der Musik nicht mit der gleichen Finesse gearbeitet ist. Auch hier gibt es natürlich Ausnahmen, aber die bestätigen dann eher die Regel.

Kommt am Dienstag.

Snow Files of the Week: Suite from "MillenniuM - Season One" (1996/97). Chris Carters zweite Serie begann ihre drei Staffeln andauernde Laufzeit mit den höchsten Einschaltquoten, die eine Pilotfolge je auf dem FOX Network haben sollte. Im Laufe der drei Staffeln schwanden die Zuschauerzahlen aber mehr und mehr, was zur Absetzung nach der dritten Staffel führte. Ein Grund dafür dürften die unterschiedlichen Staffeln sein, die der Serie immer wieder einen anderen Fokus geben. Fank Black, gespielt von Lance Henriksen, ist ein Profiler, der für das FBI arbeitete. Nach einem Nervenzusammenbruch verliess er das FBI und schloss sich einer Gruppe von Leuten an, der "MillenniuM"-Gruppe, die aus ehemaligen FBI- und CIA-Agenten, sowie ehemaligen Polizisten besteht. Die Gruppe steht der Polizei bei besonders schwierigen Fällen beratend zur Seite. Frank hat eine Gabe, er kann sehen, was der Killer sieht. Nicht wie ein Hellseher, Frank spürt das Böse und seine Gabe lässt Bilder in seinem Kopf entstehen. Der damals nahende Jahrtausendwechsel ist ebenfalls ein Thema der Serie, es gibt immer wieder Bezüge auf biblische Prophezeihungen. Marks Musik ist düsterer als bei den X-Akten, aber immer wieder durchbrochen von eher melancholischen Stücken. Er benutzt eine Violine als Hauptinstrument in seiner Musik, welche Franks Abenteuer stets begleitet, meist mit Variationen des Hauptthemas. Das ist ein großer Unterschied zu den X-Akten, bei denen das Hauptthema innerhalb einer Folge nur selten auftaucht. Während der ersten Ausstrahlung der Serie gab es kein Score-Album. Jahre später erschien auf iTunes ein Album mit dem Titel "Best of MillenniuM", welches Tracks aus allen drei Staffeln enthielt. 2008 veröffentlichte LLL eine Doppel-CD mit der Musik der Serie, limitiert auf 2.000 Stück. Das Set war ein Jahr später ausverkauft und wurde 2015, limitiert auf 1.000 Stück, neu veröffentlicht. Auch die zweite Auflage ist mittlerweile out of print. Viel Spaß beim Hören!