Alexander Grodzinski

Kurz nach seinem 93. Geburtstag ist Lalo Schifrin nun leider verstorben. https://variety.com/2025/music/news/lalo-schifrin-dead-mission-impossible-film-composer-1236442000/

Star-Trek-Vinyl von Varese: Boldly go! We’re excited to announce brand-new 2-LP vinyl editions of Star Trek: Music Adapted from The Paramount TV Series, featuring themes and cues from the first two seasons of the iconic TV series, packaged in a gatefold jacket featuring artwork by acclaimed illustrator Malachi Ward depicting USS Enterprise and its legendary crew. ORDER HERE: https://found.ee/startrek-tv

Intrada presents the world-premiere release of Ernest Gold's score for the western The Last Sunset, the latest release in the Universal Pictures Classics Collection. Right at the outset, Gold's main title lays out the themes that form the backbone of the score, in the bold Americana style of Aaron Copland. On screen, as camera pans across rugged desert terrain, two different men, one dressed in black and the other in browns and blues, ride toward their destiny to music reminiscent of Fanfare for a Common Man. It sets the tone for a music score that has all the trappings of a complex yet robust western. In addition to Gold's often thundering score, is a recurring theme not by Gold, but none other than Dimitri Tiomkin by way of his melody for the song "Pretty Little Girl in the Yellow Dress." Intrada founder Doug Fake had often asked about releasing this soundtrack, but it seemed there was always another title to prioritize. With his passing nearly a year ago, it seemed like the right time but also too late. It's a gem of a score and just another way the Intrada team can honor his memory and passion for film music. Produced with love and care by the Grammy-nominated producer Mike Matessino, the album was sourced from the full-track master tapes stored at Universal in excellent condition. The package is rounded out with detailed liner notes by Frank K. DeWald and restored cover art by Stephane Coedel. The western drama was directed by Robert Aldrich and stars Rock Hudson and Kirk Douglas. In the film, Brendan O'Malley (Douglas) is a fugitive gunslinger who flees to Mexico and joins a cattle drive led by Dana Stribling (Hudson), a lawman pursuing him for murder. As tensions rise between the two men, complications deepen when O'Malley falls in love with the daughter of his former lover—unaware of a shocking truth about her parentage. THE SCORE 01. Main Title (From The Last Sunset) (3:34) 02. Breckenridge Ranch (3:02) 03. Reunion (3:16) 04. O’Malley’s Indecision (4:32) 05. Crazy Cowboy (7:00) 06. The Drive Starts (3:46) 07. Breckenridge’s Death (3:54) 08. Fist Fight (1:04) 09. A Friendly Hand (2:41) 10. Lesson For The Kid (2:08) 11. Dangerous Dreams (5:43) 12. Stribling Takes Over (5:29) 13. Quicksand And Journey To Sundown (5:03) 14. At The Border (3:03) 15. Missy Proposes (3:49) 16. More Indecision (2:37) 17. O’Malley Bows Out (4:57) 18. Death Duel (3:53) 19. End Title (From The Last Sunset) (3:44) Total Score Time: 73:34 THE EXTRAS 20. La Mesticita (2:28) 21. Concheros/Fiesta/La Torto Lito (1:51) 22. Mexican Hat Dance (1:30) Total Extras: 5:50 CD Total Time: 79:27

Im August gibt es von Waxwork dann doch auch noch eine CD.

The Scorpion King (2002) was a prequel and spin-off of Universal Pictures’ successful Mummy franchise, launching the superstardom of Dwayne “The Rock” Johnson in his first lead role. The Rock reprised his character of Mathayus from The Mummy Returns in an origin story depicting the Akkadian mercenary’s rise to power 5,001 years prior to the events of the previous films. Director Chuck Russell (The Mask, Eraser) chose John Debney to score The Scorpion King based on the strength of his symphonic score for Cutthroat Island (1995). Debney followed in the Mummy footsteps of Jerry Goldsmith and Alan Silvestri with a gargantuan, desert-flavored action score for full orchestra and choir, including non-Western instruments like the ney, duduk and ram’s horn (and Japanese taiko drums and flutes) to evoke exoticism and antiquity. He also, befitting the film’s contemporary swagger and The Rock’s wrestling fanbase, created a “mash-up” of symphonic instruments with shredding electric guitars. Director and composer intended the score to be a tribute to classic adventure films. As Debney recalls in the new liner notes, “Chuck stressed how he wanted it to hearken back to those great films from yesteryear, where you have a lot of musical scurrying around. I went back to Korngold for its pirate aspect and the music of Ray Harryhausen’s Sinbad movies, as well as Jerry and Alan. I love doing these little musical homages to my heroes.” The Scorpion King was released by Varèse Sarabande as a 40-minute CD at the time of the film. The 2CD Deluxe Edition doubles the score program to nearly 80 minutes, and adds a bonus section of Debney’s demos. Liner notes are by Daniel Schweiger. Features: Produced by: John Debney and Michael Mason Deluxe Edition Executive Producer for Varese Sarabande Records: Cary Mansfield Deluxe Edition Mastered by Chas Ferry and Melinda Hurley Track List: Disc One 1. Never an Akadian 0:57 2. Boo! 1:26 3. The Scorpion King: Main Title 1:39 4. Tribal Council 2:45 5. Camels Are Smarter 0:32 6. Night Attack 3:56 7. Mathayus Meets Memnon (1:16)/Fire Ants (2:24) (Suite) 3:40 8. Escape From Ants 2:26 9. Cassandra’s Vision 0:54 10. Savage World 1:28 11. Enemy at the Gate 0:29 12. Pickpockets 2:43 13. Failed Attempt 2:34 14. Wild Ride 1:21 15. Harem Scarem 1:37 16. Cassandra’s Bath 1:30 17. Time to Go 0:43 18. Message to Memnon 3:02 19. Valley of the Dead 2:13 20. In the Cave 3:38 21. Mathyus Arises 1:27 22. Healing 0:51 23. Return to Sender 2:32 24. The Oasis 0:40 25. Balthazar’s Camp 5:10 26. Vision of Doom 1:06 Disc Two 1. I Had a Vision 2:36 2. Cassandra Leaves Camp 0:29 3. Step Aside (0:19)/Marching In (0:26) (suite) 0:44 4. Cassandra Returns 1:13 5. Veiled Threat 1:59 6. A Small Demonstration 3:52 7. Party’s Over 1:06 8. I’ve Come for the Woman 3:25 9. Balthazar Arrives 3:08 10. Die Well, Assassin 3:41 11. The Scorpion King 3:26 12. Never an Akadian (Demo) 1:22 13. Boo! (Demo) 1:26 14. The Scorpion King: Main Title (Demo) 1:43 15. Night Attack (Demo) 4:02 16. Escape From Ants (Demo) 2:24 17. Savage World (Demo) 1:32 18. Failed Attempt (Demo) 2:33 19. Wild Ride (Demo) 3:03 20. Valley of the Dead (Demo) 2:14 21. Mathayus Arises (Demo) 1:31 22. Return to Sender (Demo) 2:44 23. The Oasis (2:13) /Balthazar’s Camp (3:28) (suite) (Demo) 5:41 Tracks 12-23 on Disc Two Are Selected Film Score Demos

Matchstick Men (2003) was an off-beat project from Ridley Scott after a series of intense, big-budget spectacles (Gladiator, Black Hawk Down, Hannibal). Based on a novel by Eric Garcia, the script by Ted Griffin and Nicholas Griffin was a character study about con men (played by Nicholas Cage, Sam Rockwell and Alison Lohman) which, in Scott’s hands, became a comedy with dramatic elements. Reuniting with Ridley Scott was composer Hans Zimmer, who had scored his previous three films—as well as 1991’s Thelma & Louise—and would go on to score several more. Zimmer, like Scott, sparked to the humor of the story and wrote a delightful, Nino Rota-flavored “Felliniesque” score. This lighthearted approach caused no end of drama behind the scenes, as the studio insisted upon a more serious tone. However, the film was released to critical acclaim, validating the filmmakers’ intentions. Varèse Sarabande released a 22-track, 56-minute soundtrack of Matchstick Men at the time of the film, including several of the licensed songs that complement Zimmer’s music in the film. This Deluxe Edition is a 30-track, 79-minute program of solely Zimmer’s score (including additional cues by and with Geoff Zanelli, Jim Dooley and Bruce Fowler). The behind-the-scenes conflicts are documented in Kaya Savas’ new liner notes, including a Q-and-A interview with Zimmer that, like his music, never fails to entertain. Features: Deluxe Edition Produced by: Stéphane Humez Deluxe Edition Executive Producer for Varese Sarabande Records: Andy Fischer Deluxe Edition Mastered by Maxime Marion Track List: 1. Flim Flam (0:15) 2. Ichi-Ni-San (3:03) 3. Matchstick Men (2:11) # 4. Klein’s Office (1:24)* 5. Taking Pills (1:49)* # 6. I Have A Daughter? (1:12) 7. Rug Dream (0:57)* 8. Pygmies! (2:09) 9. Suzi’s Topology (0:49)* 10. Angela (4:08) 11. Ticks & Twitches (2:53) # 12. Pool Lights (1:16) 13. Nosy Parker (2:51) # 14. Keep The Change (1:25) 15. Roy’s Rules (2:06) # 16. Dad & Daughter (1:35) 17. Con Artist (5:21) # 18. Let’s Do This (3:22) 19. Airport Con (1:58)* 20. Car Chase (1:40) 21. They Printed You (2:00) 22. No More Pills (4:47) # 23. Obsessive Compulsive (3:23)* # 24. Shame On You (3:13) 25. Frechette Is Shot (5:16)** 26. Tuna Fish And Cigarettes (1:57)* 27. Weird Is Good (6:44) # 28. Carpeteria (3:09) 29. Closing (3:27) # 30. The Banker’s Waltz (3:05) Score Composed, Arranged and Produced by Hans Zimmer Except : *Composed by Hans Zimmer & Geoff Zanelli **Composed by Hans Zimmer & Jim Dooley ***Composed & Performed by Bruce Fowler, Published by Cephalopod Music (BMI) # Include "La Dolce Vita" from La Dolce Vita written by Nino Rota Score published by Warner-Olive, LLC (ASCAP)

Elfmans Score erscheint physisch nun zumindest auf Vinyl. Waxwork Records, in association with WaterTower Music, is proud to present BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Score by Danny Elfman! Director Tim Burton once again teams up with composer Danny Elfman to create chaotic and fantastical music for the Ghost with the Most! Though very few of his collaborations with Burton are sequels, Elfman jumped at the chance to revisit his work from the original Beetlejuice. After 36 years, it was easy for him to get into the mindset he found in 1988. Speaking to Forbes, Elfman said that getting “the chance to jump back into the same playground” with Beetlejuice Beetlejuice after all these years was “a real treat.” Beetlejuice is back! Oscar-nominated, singular creative visionary Tim Burton and Oscar nominee and star Michael Keaton reunite for Beetlejuice Beetlejuice, the long-awaited sequel to Burton’s award-winning Beetlejuice. Keaton returns to his iconic role, alongside Oscar nominee Winona Ryder as Lydia Deetz and two-time Emmy winner Catherine O’Hara as Delia Deetz, with new cast members Justin Theroux, Monica Bellucci, Arthur Conti in his feature film debut, with Emmy nominee Jenna Ortega as Lydia’s daughter, Astrid, and Oscar nominee Willem Dafoe. After an unexpected family tragedy, three generations of the Deetz family return home to Winter River. Still haunted by Beetlejuice, Lydia’s life is turned upside down when her rebellious teenage daughter, Astrid, discovers the mysterious model of the town in the attic and the portal to the Afterlife is accidentally opened. With trouble brewing in both realms, it’s only a matter of time until someone says Beetlejuice’s name three times and the mischievous demon returns to unleash his very own brand of mayhem. Waxwork Records is excited to present the debut vinyl release of BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Score by Danny Elfman as a deluxe LP featuring "Ghost with the Most" swirl colored vinyl, artwork by Ruiz Burgos in partnership with Bottleneck Gallery, heavyweight reverse board packaging, and an 11"x11" art print insert. BEETLEJUICE BEETLEJUICE Original Motion Picture Score Features: The Official Score by Danny Elfman! "Ghost with the Most" Swirl Colored Vinyl Artwork by Ruiz Burgos courtesy of Bottleneck Gallery Heavyweight Reverse Board Packaging 11"x11" Art Print Insert

Eben auch hier, weil es gefälliger und poppiger klingt. Und somit geeigneter für einen Chart-Hit.

Es könnte auch FRIGHT NIGHT II sein, da dieser in den USA als 4k Disc erscheint. Und von Intrada kam auch schon das Album zum ersten Teil.

Musst du auch nicht Für die, die es betrifft: Jeff Bond hat angeboten, die PDF per Mail zu verschicken, wenn man sich bei ihm meldet.

Bei mir leider genauso. Hab die digitale Version damals nicht heruntergeladen, weil ich auf die Bücher gewartet habe. Und nun kommt man nicht mal mehr an die ran.

Ich würde schon sagen, dass das bewusst gemacht wird, weil es eben „poppiger" und glatter klingt. Und damit den aktuellen Hörgewohnheiten mehr entspricht. Wobei ich tatsächlich bezweifle, dass dem normalen Kinogänger, der jetzt nicht so Musik-affin ist, der Unterschied wirklich auffällt. Das ist dann eher unterbewusst. Gibt es das bei anderen „alten" Themen eigentlich auch? Bei James Bond beispielsweise? Mal abgesehen vom Arrangement, das sich je nach Komponist natürlich immer mal verändert hat. Zimmer hat bei NO TIME TO DIE die E-Gitarre im Thema wieder eingesetzt, also Barrys Arrangement aus DR. NO übernommen, welches bei Barry danach auch lange zum Einsatz kam. Moby hat 1997 eine neue Version des Themas produziert und dabei beispielsweise die charakteristischen Bläser im zweiten Teil des Themas weggelassen, wodurch sich das Ganze auch schon anders anhört. Aber das sind eben alles andere Arrangements oder wurde da auch das Thema mal in den Tonarten oder Harmonien verändert? Und beim ersten MISSION: IMPOSSIBLE gab es damals ja auch eine extra für eine Single-Veröffentlichung produzierte Version des Themas, produziert von Adam Clayton und Larry Mullen von U2.

Neu von Dragon's Domain: CD Includes Digital Download / Digital Booklet Dragon’s Domain Records presents the world premiere release of music from the original score composed by the legendary Lalo Schifrin for the 1971 television movie written and produced by Sam Rolfe (HAVE GUN – WILL TRAVEL, THE NAKED SPUR, THE MAN FROM U.N.C.L.E.), directed by David Lowell Rich (ROUTE 66, THE HORROR AT 37,000 FEET, THAT MAN BOLT), starring Eric Braeden, Stephen Young, Corinne Camacho, Walter Pidgeon, Inger Stevens, Joseph Wiseman, William Marshall, Christopher Cary and Lincoln Kilpatrick. Airing on television in early March 1970, THE MASK OF SHEBA was a two hour pilot for a series that never got picked up and follows Dr. Roan Morgan (Braeden), an archaeologist-anthropologist and his teammates, engineer Travis Comanche (Young) and Dr. Joanna Glenville (Camacho), who report to Dr. Max Van Condon (Pidgeon), who is the head of the Foundation Of Man, an organization that searches the globe for ancient artifacts to help document historical events or people and funds Morgan’s expeditions. After a Foundation cartographer goes missing in the jungles of Ethiopia while trying to map an ancient trail, his wife Sarah (Stevens) appears at the Foundation with a 3,000-year-old amulet sent to her by her husband, demanding to join the expedition to find him and what may possibly be a priceless treasure, including a golden, jewel-encrusted mask of the legendary queen of Sheba, waiting to be recovered. Lalo Schifrin has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are MISSION: IMPOSSIBLE, MANNIX, THE FOX, COOL HAND LUKE, BULLITT, DIRTY HARRY, THE CINCINNATI KID, THE AMITYVILLE HORROR. Recent scores include TANGO, BRINGING DOWN THE HOUSE, THE BRIDGE OF SAN LUIS REY, AFTER THE SUNSET, the RUSH HOUR films and ABOMINABLE. Dragon’s Domain Records presents THE MASK OF SHEBA, featuring music composed by Lalo Schifrin for the first time on compact disc. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland and includes exclusive liner notes written by noted author Jon Burlingame. This is a limited edition release and is expected to start shipping the week of June 23, 2025. 01. The Mask Of Sheba Opening Titles (1:22) 02. Skydiving And The Map (3:08) 03. The Letter (3:19) 04. Sarah & Bridget (2:33) 05. Ethiopia / Takahene (2:48) 06. Jungle Trek (2:20) 07. Search For The Key and Ben Gala (3:19) 08. How Do I Live? (3:10) 09. Jungle Monastery and Ms. Koman (2:54) 10. The Mystic (2:52) 11. Tortuous Philosophy and The Chant (3:56) 12. The Monks (1:55) 13. An Amphibious Woman (3:41) 14. Through The Underwater Passage (3:00) 15. The Unmasking (4:58) 16. The Big Chase (3:53) 17. Finale And Closing Credits (2:35) 18. Opus Parts 1 & 2 (3:01) Total Time: 55:31 CD Includes Digital Download / Digital Booklet Dragon’s Domain Records presents the premiere release of the original motion picture soundtrack for HEART OF THE STAG, featuring music composed and conducted by Leonard Rosenman (EAST OF EDEN, FANTASTIC VOYAGE, THE LORD OF THE RINGS) for the 1984 dramatic film directed by by Michael Firth (OFF THE EDGE), written by Firth, Neil Illingworth and Bruno Lawrence, starring Bruno Lawrence, Terence Cooper, Mary Regan, Anne Flannery, Michael Wilson and Susanne Cowie. Released in 1984, HEART OF THE STAG tells the story of Peter (Lawrence), a farmhand in New Zealand who discovers that Robert (Cooper), the farmer he works for has been carrying on an incestuous relationship with his daughter, Cathy (Regan) for years. As Peter becomes more involved with Cathy, he is forced to confront the dark and tumultuous dynamics within the family. Delving into the taboo subject of incest, HEART OF THE STAG does so with remarkable sensitivity and candor and was well regarded by critics at the time. The score for HEART OF THE STAG was composed by Leonard Rosenman, who was well known for tackling sensitive and sometimes controversial subjects throughout his career, which included films such as EAST OF EDEN, THE COBWEB, THE CHAPMAN REPORT, SYBIL and MAKING LOVE. Composer Leonard Rosenman was born on 7 September, 1924 in Brooklyn, New York to Jewish immigrants from Poland. After serving in the Pacific with the United States Army Air Forces during World War II, Rosenman earned a bachelor's degree in music from the University of California, Berkeley. He studied composition under renowned composers such as Arnold Schoenberg, Roger Sessions, and Luigi Dallapiccola. Rosenman’s entree to film scoring came about when his friend, actor James Dean, introduced him to director Elia Kazan, who was about to cast Dean in his film EAST OF EDEN and who subsequently hired Rosenman for the music. The Brooklyn-born composer introduced a modern-music sensibility to commercial films, especially with his next work, THE COBWEB, hailed as the first 12-tone score for a Hollywood film. His filmography includes EAST OF EDEN, REBEL WITHOUT A CAUSE, THE COBWEB, THE CHAPMAN REPORT, FANTASTIC VOYAGE, A MAN CALLED HORSE, BENEATH THE PLANET OF THE APES, BATTLE FOR THE PLANET OF THE APES, RACE WITH THE DEVIL, THE CAR, the animated THE LORD OF THE RINGS adaptation and PROPHECY. He contributed music to many television shows including COMBAT, THE TWILIGHT ZONE, LAW OF THE PLAINSMAN, GARRISON’S GORILLAS, THE VIRGINIAN, MARCUS WELBY, M.D. and more. Dragon’s Domain Records presents HEART OF THE STAG, featuring music composed and conducted by Leonard Rosenman, performed by the New Zealand Symphony Orchestra for the first time on compact disc. Although a release was planned by Fifth Continent Music back in 2001, the project was never realized. This premiere release of HEART OF THE STAG includes the entire score presented in film order and also includes some source music composed for the film that went unused. The album includes liner notes written by G.B. Kemner and Scott Davis. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland. HEART OF THE STAG is a limited edition release and is expected to begin shipping the week of June 23. 01. Opening Titles / Father And Daughter (3:35) 02. Peter And Cathy / Cleaning The Rifle (3:49) 03. Seeing The Stag / Hunting Story (4:22) 04. Herding The Sheep (3:03) 05. Memories / Cathy Looks In The Mirror (3:07) 06. Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:47) 07. Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:03) 08. Final Chase and The Stag Attacks (7:11) 09. Finale (2:36) 10. Lenny And The Band (3:28) Total Time: 39:27 Dragon’s Domain Records presents HAMMERSMITH IS OUT, featuring music composed by Dominic Frontiere (THE OUTER LIMITS, THE INVADERS, BRANNIGAN, THE AVIATOR) for the 1972 dark comedy directed by Peter Ustinov (BILLY BUDD), written by Stanford Whitmore, starring Elizabeth Taylor, Richard Burton, Peter Ustinov, Beau Bridges, Leon Askin, Leon Ames, George Raft, John Schuck, Marjorie Eaton and Linda Gaye Scott. Released in 1972, HAMMERSMITH follows Billy Breedlove (Bridges), an orderly at a Texas psychiatric hospital as he becomes involved with two patients, Jimmie Jean Jackson (Taylor), a waitress, and the enigmatic Hammersmith (Burton), who promises Billy fame and fortune if he helps him escape. The trio embark on a crime-fueled adventure where Billy rises in social status, becoming an owner of various businesses and a political financier. Over time, he grows to resent Jimmie Jean, while Hammersmith grants her wish to become a mother. Eventually, Hammersmith orchestrates Billy's disability and suicide, leading to his own return to confinement... Dominic Frontiere's music for HAMMERSMITH IS OUT stands out as a remarkable and eclectic addition to his lengthy film catalog. The movie required a diverse range of musical styles, beginning with a compelling main title theme that evokes a distinctly 1970s atmosphere, serving as a recurring motif for the character of Hammersmith and a beautiful theme for Elizabeth Taylor’s character. In addition to the primary score, Frontiere was tasked with crafting numerous cues that could be classified as "source music." His collaboration with director Leslie Stevens began with THE MARRIAGE-GO-ROUND and led to work on THE OUTER LIMITS. Frontiere composed themes for several notable shows in the 1960s, including THE RAT PATROL, BRANDED and THE FUGITIVE. He scored Clint Eastwood's HANG 'EM HIGH, which featured a top-10 hit by Booker T. & the M.G.'s, as well as the documentary ON ANY SUNDAY and three John Wayne films. In the early 1970s, he became the head of the music department at Paramount Pictures, working on both film scores and popular music albums. He won a Golden Globe for THE STUNT MAN and created a jingle for Paramount's television division. His final film score was for the 1994 thriller THE COLOR OF NIGHT, starring Bruce Willis. Dragon’s Domain Records presents HAMMERSMITH IS OUT on two CDs, featuring the premiere release of the complete score on Disc 1 along with the album version plus bonus tracks on Disc 2. The music has been newly mastered by James Nelson at Digital Outland and the liner notes have been written by author G.B. Kenmer and Scott Davis. HAMMERSMITH IS OUT is a limited edition release. HAMMERSMITH IS OUT is expected to begin shipping the week of June 23, 2025 CD 1: FULL SCORE 01. Logo / Prologue / Opening Credits (4:07) 02. Billy Breedlove (1:10) 03. “Bring Me Some Pie” (Road House Blues) (2:09) 04. Say You Love Me (1:11) 05. Get Me Out Of Here (3:44) 06. Meeting Hammersmith / Piece Of Gum / Human Waste (2:19) 07. Mustang Drive-In (2:40) 08. “This Is No Way To Get Rich” (1:22) 09. Measurements / Stealing The Suit (3:36) 10. Knockers Rocker (3:15) 11. Out The Window / Snake Dance / Strip Club Memorial Service (2:53) 12. Arise Sir (1:00) 13. Bad Taste, Billy (Kiddo) (3:57) 14. The Big Letter (2:39) 15. It’s Been Arranged / Japanese Yen (4:19) 16. The Pool Party (Cookout Society) (3:26) 17. Jimmie Jean and Henry Joe (3:25) 18. I’m So Sorry (1:38) 19. Campaign Win / Ambassador At Large (3:25) 20. The Spanish Castle (3:52) 21. The Meeting (2:39) 22. “Once You’ve Made The Decision, You Can’t Go Back On It” (4:07) 23. Baby Fever (Jimmie Jean’s Theme) (3:45) 24. Water Skiing (3:59) 25. It’s His Baby (1:52) 26. You Owe Me / Leaving Billy (1:57) 27. Taking Hammersmith Away / Get Me Out Of Here / End Credit (2:49) Total Time CD 1 - 78:21 CD 2 - BONUS TRACKS 01. End Credit (Instrumental) (1:43) 02. When Were Your Dreams Worth Remembering? (2:01) 03. For Openers (2:13) 04. Piece Of Gum / Human Waste (Alternate) (1:06) 05. The Circle Go Round (Unused) (0:40) 06. Stealing The Suit (Alternate) (1:31) 07. Arise Sir (Alternate) (0:55) 08. Sushi (Unused) (1:39) 09. The Meeting (Alternate) (2:16) 10. When Were Your Dreams Worth Remembering? (Instrumental) (2:13) ALBUM PRESENTATION 11. Main Titles (2:43) 12. Kiddo (2:39) 13. For Openers (2:35) 14. Cookout Society (3:05) 15. Henry Joe And Jimmie Jean (3:12) 16. Get Me Out Of Here (2:34) 17. When Were Your Dreams Worth Remembering? (2:21) 18. Under The Bridge (2:08) 19. Topless Rock (2:57) 20. Road House Blues (2:10) 21. Jimmie Jean's Theme (3:21) 22. Snake Dance (2:46) 23. End Titles (2:05) Total Time CD 2 - 51:53 Dragon’s Domain Records presents the original soundtrack to THE NIGHT DIGGER, featuring music composed by Bernard Herrmann (CITIZEN KANE, PSYCHO, TAXI DRIVER) for the 1971 psychological thriller directed by Alastair Reid (BABY LOVE, NOSTROMO), written by Roald Dahl and Jay Cowley, starring Patricia Neal, Pamela Brown, Nicholas Clay, Jean Anderson, Graham Crowden, Yootha Joyce and Peter Sallis. Released in 1971, THE NIGHT DIGGER follows spinster Maura Prince (Neal) as her dreary existence taking care of her elderly mother, Edith (Brown) is interrupted by the arrival of young handyman Billy Jarvis (Clay), who awakens something unexpected in her. But there is far more to Billy than meets the eye as Maura is about to discover... Bernard Herrmann is one of the greatest composers of motion picture music in the twentieth century. He is considered the man behind some of the most original and distinctive film scores. He was a master at evoking psychological and dramatic tension in his music to suit the dramatic needs of a film. He won his only Oscar in 1947 for writing the score for THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER. Herrmann made a powerful mark in radio and in 1934 he began a 25-year career as a conductor and composer in radio, working for the CBS. In 1938, he scored the notorious infamous presentation of Orson Welles’ Halloween production of H. G. Wells’ THE WAR OF THE WORLDS broadcast. He is best remembered for his collaborations with some of Hollywood’s most celebrated film directors like Alfred Hitchcock, Orson Welles, Martin Scorsese and Brian DePalma. Described as a perfectionist, he believed that most directors didn't have a clue about music so he would blithely ignore their instructions. His filmography includes CITIZEN KANE, THE MAGNIFICENT AMBERSONS, NORTH BY NORTHWEST, PSYCHO, VERTIGO, MYSTERIOUS ISLAND, CAPE FEAR, FAHRENHEIT 451, OBSESSION, TAXI DRIVER and many hours of episodic television including THE TWILIGHT ZONE and HAVE GUN, WILL TRAVEL, among others. Originally released on compact disc in 1994, Dragon’s Domain Records is excited to bring THE NIGHT DIGGER back to the marketplace, featuring music composed and conducted by Bernard Herrmann, performed by Sessions Of London, newly remastered by James Nelson at Digital Outland. THE NIGHT DIGGER features a specially reconstructed presentation assembled from the available elements of the music. The booklet includes the original liner notes written by John Steven Lasher for the album. THE NIGHT DIGGER is a limited edition release. THE NIGHT DIGGER is expected to begin shipping the week of June 23, 2025. 01. Prelude / Maura And Mother (6:04) 02. Billy’s New Room (3:42) 03. Nest In A Fallen Tree (6:11) 04. Mary’s Death And The Road Builder (6:17) 05. Maura And Billy (8:17) 06. Murdering The Nurse And Burial (8:28) 07. “What Is It That You Do Billy?” / Maura’s Choice (5:16) 08. A New Beginning And Ending (7:23) Total Time: 51:58 08. A New Beginning And Ending (7:23) Total Time: 51:58

Chris Carter hat vor ein paar Tagen im Podcast von David Duchovny erwähnt, dass er an einem Director's Cut von I WANT TO BELIEVE arbeitet. Ob das nötig ist, sei mal dahingestellt. Spannend ist hier natürlich die Frage, wie er mit Snows Musik umgeht, wenn sich Szenen in ihrer Länge verändern oder ganz neue Szenen hinzukommen. Ich glaube nicht, dass Snow neue Musik komponieren wird. Und vielleicht ist das dann doch ein kleiner Schub für die von LLL leider gestrichene Veröffentlichung einer expandierten Version des Scores zu I WANT TO BELIEVE. Geplant war es wohl mal, aber aufgrund der Tatsache, dass man sich den kompletten Score als isolierte Tonspur auf der Blu-ray anhören kann (und es dementsprechend natürlich auch Bootlegs davon gibt), hat man die Veröffentlichung wohl doch gelassen.

Snow Files of the Week: "Love Theme (aka "Rose's Theme")/Memories" aus "Conundrum" (1995). "Conundrum" ist ein TV-Thriller von 1995, mit Marg Helgenberger und Michael Biehn in den Hauptrollen. Snow, der zu dieser Zeit gerade noch an der zweiten Staffel X-Files arbeitete, benutzte natürlich auch für diesen Score Sounds, die er in der Chris-Carter-Serie eingesetzt hatte. Zusätzlich heuerte Snow noch eine Sängerin an, die mit ihrem geisterhaft-gehauchten Gesang über den Score verteilt für Gänsehaut sorgt und natürlich besonders im wundervollen "Love Theme" zur Geltung kommt. Das Album wurde von BSX veröffentlicht, limitert auf 1.000 Stück. Viel Spaß!

Kommt am Dienstag.

Snow Files of the Week: "Harold & Chrissy/Closure" aus der "The X-Files" Episode "Jose Chung's From Outer Space" (1996). "Jose Chung's From Outer Space" ist eine der abgedrehtesten Folgen der dritten Staffel. Geschrieben von Darin Morgan nimmt die Folge die Grundpfeiler der Serie und stellt sie auf den Kopf. Ist die Wahrheit wirklich da draussen? Und wenn ja, wessen Wahrheit ist es? "Harold & Chrissy" eröffnet die Folge, deren erste Kameraeinstellung bereits den Tenor der Folge, dass nichts so ist, wie es scheint, vorweg nimmt. Vor dem klaren Sternenhimmel erscheint ein viereckiges Gebilde, welches wie ein Raumschiff aussieht. Als die Kamera langsam zurückfährt erkennt man, dass es sich um die Unterseite eines Hebekorbes handelt, im dem ein Arbeiter nachts die Lampen der Strassenlaternen überprüft. Auf der gleichen Straße werden kurz darauf zwei Teenager von Aliens entführt, so scheint es, was eine Kette seltsamer Ereignisse lostritt. Am Ende kommt Jose Chung zu dem Ergebnis, dass wir vielleicht nicht alleine im Universum sein mögen. Aber hier unten, auf diesem Planeten, sind wir auf unsere Art alle allein. Diese letzte Szene wird von Mark mit einem der schönsten Themen untermalt, die er für die Serie geschrieben hat, "Closure". Dieses Musikstück beendet ebenfalls die über 30 Minuten lange X-Files-Suite auf dem Sampler "The Snow Files". Aber in der Suite wurde das Stück leicht verändert, indem ein Chor hinzugefügt wurde. Die Musik auf der Folge erschien sogar komplett auf einer Promo-CD, die als FYC für die Emmys gedacht war. Diese zwei Tracks befinden sich auf der ersten Box von LLL, die nach dem Ausverkauf der ersten Auflage neu aufgelegt wurde, limitiert auf 2.000 Stück. Viel Spaß beim Hören!

Um wieder zur Musik zurückzukommen, ein harter Bruch: Ich gebe unverhohlen zu, dass ich ab und an auch gerne Schlager höre. Hier wurde ich natürlich auch durch meine Eltern geprägt, die das gerne gehört haben. Klassik und Schlager waren die beiden bevorzugten Genres meines Vaters, auch schon eine ungewöhnliche Kombination. Wenn ich das höre, dann aber auch nur die alten Sachen, mit denen ich aufgewachsen bin. Und auch hier kann ich feststellen, dass die heutige Schlagermusik größtenteils einfach nur billig gemacht und gleichförmig ist. Ihren Individualismus haben sich nur wenige, meist ältere Sängerinnen und Sänger bewahrt. Der Rest klingt einfach gleich und austauschbar. Gefühlt macht jede Sängerin Helene Fischer oder Andrea Berg nach und die Melodien sind immer die gleichen. Mancher wird nun sagen, das war im Schlager doch schon immer so, alles seicht, gleichförmig und nicht unterscheidbar. Das stimmt aber nicht. Wenn ich mir die 60er, 70er und 80er ansehe, dann kristallisieren sich drei Schlagerkomponisten und -produzenten heraus: Ralph Siegel, Christian Bruhn und Jack White. Und jeder der drei hatte seinen eigenen Stil. Siegel, gepägt durch seinen Vater, der studierter Musiker, Komponist und Operettentenor war, ließ genau diesen operettenhaften Einschlag gerne in seine Lieder einfliessen. Bruhn spielte in seiner Jugend in verschiedenen Jazz-Combos und produzierte in den 60ern mit Drafi Deutscher als Interpret deutschsprachige Beatmusik. Dieser Beat- und auch Funk-Einfluss findet sich in Bruhns späteren Kompositionen wieder, beispielsweise auch in seinen TV- und Filmmusiken. White war leidenschaftlicher Fußballspieler, bevor er sich der Musik zuwandte. Sein Metier ist dann vielleicht auch deshalb eher der Humpta-Humpta-Mitklatsch-Bierzelt-Schlager, mit dem er Tony Marshall und Jürgen Marcus erfolgreich machte oder eben Songs wie „Fußball ist unser Leben" und „Hände zum Himmel". White legte in den 80ern allerdings auch eine internationale Karriere hin. Er ging Anfang der 80er in die USA und produzierte dort unter anderem Laura Brannigan („Self Control", „Gloria"), sowie Pia Zadora und Jermaine Jackson mit „When the rain begins to fall". Ein von ihm produzierter Brannigan-Song, „Hot Night", befindet sich sogar auf dem Soundtrack-Album des ersten GHOSTBUSTERS. Später produzierte er dann noch Engelbert, David Hasselhoff und Tony Christie und verhalf ihnen, zumindest im deutschsprachigen Raum, zu einem Comeback. Whites Musik unterscheidet sich aber schon deutlich von der von Siegel. Siegels Kompositionen und Produktionen sind wesentlich detailverliebter und nicht so prollig, um es mal so auszudrücken. Und Siegel war die orchestrale Begleitung seiner Songs auch immer wichtig. Dafür hat er Norbert Daum, mit dem er seit den 70ern zusammenarbeitet. Daum fungierte als Arrangeur und Dirigent unzähliger Siegel-Titel. Dabei ist das Orchester oftmals nicht einfach nur stumpfe Begleitung, sondern ein eigenen Charakter in dem Song, der auch auf den Inhalt des Textes reagiert. Beispielsweise in dem Song „Pan", den Siegel für Costa Cordalis schrieb. Wenn es im Text um die glühende Sonne geht, dann spielen die Streicher auch hohe, „flirrende" Töne. Den aufziehenden Sturm im Song untermalen die Streicher dann ebenfalls dramatisch. Oder sie erzeugen das Gefühl des Fliegens in dem Siegel-Cordalis-Song „Ikarus". Auch ein Chor wurde von Siegel immer wieder eingesetzt, der durch seinen Einsatz diesen operettenhaften Einschlag deutlich hörbar machte. Das kann man eindrucksvoll in Liedern wie „Du bist da für mich" von Karel Gott hören oder natürlich in vielen Liedern von Dschinghis Khan. Besonders bei Dschinghis Khan merkte man, dass Siegel größer dachte und sich auch auf das Feld Musical wagen wollte, was er dann später ja auch tat. Aber bereits bei Dschinghis Khan gibt es Songs, die durchaus aus einem Musical stammen konnten. Songs wie „Rom" (auch hier tolles Orchester-Arrangement und Chor), „Der Verräter" und „Die Fremden" zeugen davon, die auch in ihrer Länge von fünf, sechs Minuten und den Haken, die sie melodisch schlagen, übliche Formate aushebeln. Und mit „Corrida" komponierte und produzierte Siegel 1985 dann ja auch ein Dschinghis-Khan-Musical-Album. Christian Bruhn dürfte in unseren Kreisen wohl der bekannteste der drei sein, wegen seiner vielen TV- und Filmmusiken. Und auch er zeigte da eine große Bandbreite. Seine Musik für HEIDI ist beispielsweise ganz anders als die zu CAPTAIN FUTURE. Und die zu JACK HOLBORN dann wieder anders. Ja, auch die Musik der drei Herren ist oft leichte Unterhaltung. Aber das Handwerk, das dahinter steht, ist ein ganz anderes Kaliber zu dem, was heute im Schlager vorherrscht. Am ehesten lassen sich da noch die White-Titel mit vergleichen, weil der eben damals schon mehr auf die gleichförmige Klatsch- und Stampf-Musik setzte, die heute meist vorherrscht. Und er war damals schon ein Meister des Recyclings. Gefühlt schrieb er seit den frühen 80ern keine neuen Titel mehr, sondern benutzte bereits existierende Titel, die er meist mit neuem Text immer andere Interpreten singen ließ. So singen eben dann auch David Hasselhoff, Engelbert und Tony Christie alte Tony-Marshall- und Jürgen-Marcus-Songs, nur eben englisch. Als „honorable mention" kann man natürlich noch Frank Farian nennen. Der begann seine Karriere als Schlagersänger und schwenkte dann, als das nicht so erfolgreich klappte, auf das Produzieren und Komponieren um. Aber seine großen Erfolge kamen dann eben nicht im deutschen Schlager, sondern international mit Boney M.

Das mit dieser speziellen Szene in HERR DER RINGE habe ich vor längerem schon mal gelesen, daher war das Video diesbezüglich nicht mehr neu. Aber dennoch interessant zu sehen, dass diese Technik Standard ist, zumindest heutzutage. Es ist dann tatsächlich so, dass es mir als Zuschauer direkt auffällt, wenn ein Film mal nicht in dieser Technik verweilt. David Lynch beispielsweise liebt lange, totale Einstellungen, auf denen er verweilt. Und treibt das auch gern auf die Spitze, wie in der dritten Staffel von TWIN PEAKS. Da gibt es die berüchtigte Szene, in der man einfach nur das leere Roadhouse sieht und einen Mann, der mit einem Besen den Boden fegt. Mehr passiert erstmal nicht. Lynch bleibt in dieser Totalen, wir sehen dem Mann beim Boden fegen zu, bis nach Minuten (!) das Telefon an der Bar klingelt und der Barkeeper rangeht. Auch Tarantino ist da eher den älteren Filmen treu. Seine Filme sind ja gerne mal Ensemble-Stücke, besonders THE HATEFUL EIGHT. Und er arbeitet hier auch viel mehr mit Totalen oder Zweier-Einstellungen, statt nur in Close-Ups. Genauso in PULP FICTION. Nachdem Samuel L. Jackson und John Travolta zu Beginn nach der Autofahrt ins Gebäude gegangen sind, unterhalten sich die beiden unter anderem über Fußmassagen. Sie gehen zu dem Apartment, zu dem sie wollen, aber entscheiden, dass es noch zu früh ist, gehen den Flur ein Stück wieder zurück und unterhalten sich dabei weiter. In dieser ganzen Szene gibt es keine Close-Ups oder viele Schnitte. Die Kamera bleibt immer in Bewegung vor den Schauspielern oder hinter ihnen, die man in einer Zweier-Einstellung sieht. Als sie dann den Flur wieder ein Stück zurücklaufen, bleibt die Kamera sogar stehen und man verfolgt ihre weitere Konversation in der Totalen des Flurs. John Carpenter ist auch ein Meister des Ensemble-Films. In Filmen wie ASSAULT ON PRECINCT 13, THE THING oder auch PRINCE OF DARKNESS geht es um eine Gruppe von Leuten, die an einem Ort gefangen sind und sich gegen das schier übermächtige Böse wehren müssen. Und Carpenter weiß einfach, wie man dieses Ensemble in Szene setzt. Er ist ja sowieso kein Regisseur, der schnelle Schnitte und Wackelkamera einsetzt. Und so inszeniert er sein Ensemble dann auch gerne in Totalen oder setzt eine langsame Kamerabewegung ein, mit der die Kamera um die Gruppe fährt, mit Fokus auf den gerade sprechenden. Er inszeniert auch Spannung so. Wie in THE THING, als Kurt Russell die anderen mit einem Flammenwerfer in Schach hält, nachdem sie ihn für ein „Ding" gehalten haben. Carpenter nutzt hier eine Totale, in der man Russell und Keith David sieht, die sich feindselig unterhalten. Am linken Bildrand sieht man die Hand von Richard Masur, die versteckt ein Skalpell in der Hand hält, das er sich unbemerkt geschnappt hat und wartet auf den richtigen Moment, um Russell anzugreifen. So baut Carpenter mit nur einer Einstellung die Spannung auf. Und dieser Stil hebt sich schon deutlich davon ab, wie heute sowas inszeniert wird. Auch bei Carpenter selbst. Unter anderem auch deshalb ist sein GHOSTS OF MARS für mich der Tiefpunkt seiner Karriere, weil der Film auch handwerklich so schlampig inszeniert ist. Da merkt man deutlich, dass Carpenter eigentlich keinen Bock mehr hatte. Der Film ist auch ein Ensemble-Stück, eine Gruppe von Leuten gefangen an einem Ort. Aber wenn man sich die Inszenierung im Vergleich zu THE THING oder PRINCE OF DARKNESS ansieht, merkt man recht deutlich, wie flach und einfallslos Carpenter hier gearbeitet hat.

Wobei ich das BARBENHEIMER-Phänomen nicht als Eventfilme bezeichnen würde im eigentlichen Sinne. Denn da wurde ein Hype erzeugt, der ohne Social Media gar nicht entstanden wäre. Ich meinte mit Eventfilm eher Filme, die sich aus der Masse herausgehoben haben. Weil sie große Schauwerte mit Unterhaltung verbunden haben und diese Schauwerte dann auch Highlights waren. Und über die man noch Wochen und Monate später gesprochen hat. Das ist heute gar nicht mehr möglich, weil eben durch die technischen Möglichkeiten jeder Blockbuster große Schauwerte produzieren kann. Das ist eben nichts besonderes mehr, wie es das noch in den 90ern war. Und es führt daher auch zu einer gewissen Ermüdung. Wie oft will man sich denn noch in Superhelden-Filmen anschauen, wie Großstädte plattgemacht werden? Und wie kann man das anders inszenieren, nachdem man das nun schon so oft gesehen hat, damit es frisch und neu wirkt? Nolans Filmen muss man aber zugute halten, dass sie immer gut gemachte Effekte haben. Und zwar in dem Sinne, dass sie harmonisch wirken und dem Zuschauer nicht offensichtlich ins Gesicht springen. INTERSTELLAR beispielsweise finde ich da optisch sehr gelungen, nicht überladen und die Effekte fügen sich ins Gesamtkonstrukt ein, ohne, dass sie das Schauspiel oder die Handlung überlagern. Beim Ton sieht es da schon anders aus. Da mag Nolan es laut und nicht subtil. Wobei ich ihm auch hier zugestehen muss, dass er damit immerhin der Musik in seinen Filmen einen besonderen Platz einräumt. Er will, dass sie gehört wird und begräbt sie nicht unter den Soundeffekten. Ob die Musik an sich dann gut ist oder nicht, steht auf einem anderen Blatt. Auch Camerons AVATAR-Filme finde ich optisch schon herausragend gemacht. Das wirkt auf mich alles weit weniger künstlich als beispielsweise DER HOBBIT, vor allem auch das Zusammenspiel mit den echten Schauspielern wirkt hier viel harmonischer. Gut, Cameron lässt sich auch zehn Jahre Zeit für einen Film. Da kann man auch die Effekte entsprechend besser gestalten. Sogar Wasser und Rauch, die in den meisten anderen Filmen immer künstlich aussehen, besonders in Bewegung oder wenn Charaktere damit interagieren, hat Cameron bei AVATAR natürlicher hinbekommen. Weil er eben die Zeit dafür hat, während bei anderen Blockbustern die Uhr tickt und die Effekte dann meist auch eher schlecht als recht fertig werden müssen. Da gibt es dann auch keine künstlerische Integrität mehr, da ist der Film ein reines Produkt, das auf den Markt muss, um Geld zu machen. Selbst, wenn die Leute sich dann über die Effekte beschweren, haben sie sich den Film angesehen und mehr zählt dann auch nicht mehr. Gefühlt hat man früher den Regisseuren mehr zugetraut und ihnen auch mehr Freiraum gelassen. Wäre es beispielsweise heute noch möglich, so etwas wie die ersten vier ALIEN-Filme zu machen? Wo bei jedem Film ein anderer Regisseur am Werk war, der seinen eigenen Stil umsetzen konnte? Weil man die Leute eben auch genau dafür angeheuert hat? Ich glaube, heute hätte man zu viel Angst davor, dass einem das Publikum abspringt, wenn ein Teil eines Franchises zu sehr aus der Reihe tanzt. Die Risikobereitschaft hat einfach abgenommen, natürlich auch deshalb, weil es da um unglaubliche Millionenbeträge geht.

Genau. Oder sowas wie WATERWORLD würde heute nicht mehr in dieser Form gemacht werden. Ob man den Film jetzt mag oder nicht sei mal dahingestellt. Aber genau diese von dir erwähnte Lust am Zelebrieren von Schauwerten, von Abenteuer, wirkt heute ganz anders, weil nicht jeder Film so aussah und man tatsächlich noch Höhepunkte schaffen konnte. Das waren noch Eventfilme, die es heute in der Art auch nicht mehr gibt. Natürlich auch bedingt durch die technischen Möglichkeiten, mit denen man heute im Grunde alles darstellen kann. Als 1996 INDEPENDENCE DAY ins Kino kam, war das ein richtiges Event. Der hatte Effekte, die man so zuvor in der Größe noch nie gesehen hatte. Ich kann mich nicht erinnern, wann das bei einem aktuellen Film noch so war. Weil man einfach gesättigt ist. Weil durch die unbegrenzten technischen Möglichkeiten wohl auch so ein wenig der Zauber und das Staunen verloren gegangen sind. Selbst bei der HERR DER RINGE Trilogie Anfang der 2000er saß man noch erstaunt im Kino wegen des auch optischen Zaubers. Heute wirkt selbst das schon angestaubt. Zumindest las ich auch schon von den "schlechten Effekten" der Filme, mit der Nennung aktueller Marvel-Filme als Referenz. Natürlich hat sich auch bei den Effekten in 25 Jahren viel getan. Aber ich finde, dass es heute weniger Filme gibt, die ihre Effekte wirklich kunstvoll einsetzen. Es wirkt trotz vermeintlich besserer Technik oft künstlich und einfach über alles mit der groben Kelle ausgekippt. Im Vergleich finde ich beispielsweise die Effekte im HERR DER RINGE noch viel "angenehmer" als die dann im HOBBIT.

Huch 😂

Danke für deine Ausführungen Popcorn-Kino bis in die 2000er hinein trug noch so eine gewisse Naivität in sich. Vielleicht sogar so etwas wie eine "unschuldige" Naivität, wenn es sowas gibt. Das trägt auch einen gewissen Kitschfaktor in sich, der ja durchaus auch gewollt war. Ich glaube, das fällt heute stärker auf, weil es das eben in dieser Form nicht mehr gibt. Das fällt mitunter stark bei Reboots/Remakes von Filmen aus den 80ern auf. Diese Naivität von damals ist dort dem Zynismus gewichen. Dazu muss alles ernster und düster sein, siehe BATMAN. Jemand, der mit Nolans Batman aufgewachsen ist, findet die Filme von Burton und Schumacher natürlich "corny", weil sie das natürlich auch unverhohlen waren. Selbst Superheldenfilme, die humorvoller und leichter sind, wie GUARDIANS OF THE GALAXY, sind in ihrer Ausführung und ihrem Humor eher zynisch denn naiv. Dazu gab es Filme, die in ihrer Machart so nur in den 80ern gemacht werden konnten. Ich denke da an die ganzen Sport/Martial-Arts-Filme. Diese Attitude "Glaub an dich! Du kannst es schaffen! Gib nie auf", untermalt mit entsprechender Musik, vor allem Songs (Hearts on Fire, Never Surrender, Eye of the Tiger, Burning Heart und so weiter) gab es nur in den 80ern in dieser Form. Man vergleiche nur beispielsweise ROCKY III und IV mit CREED und CREED II. Diese Attitüde ist zwar geblieben, aber diese Lust an Schwulst und ja, auch Kitsch von damals ist weg. Und die Musik hat sich dem angeglichen. Wie Trekfan es am Beispiel ROGUE ONE gezeigt hat, wirkt dieser spätromantische Einsatz der Musik im Vergleich zu dem "nüchternen" Einsatz in ANDOR eher anachronistisch und stellenweise auch unnötig melodramatisch. Ich glaube, das meint man heute mit kitschig. Ähnlich, wie vielen sicherlich auch die Musik aus Filmen der 50er, 60er und 70er in den 80ern schon zu schwülstig vorkam.

CD kommt noch im Juni.

Kommt von LLL auf CD.