Alexander Grodzinski

Dann habe ich ja was, auf das ich mich freuen kann Bin gerade noch im Urlaub und werde Folge 7 erst nächste Woche sehen können.

Genau das ist eben die Frage. Wenn das Ding jemanden imitiert, beziehungsweise absorbiert, weiß die Imitation, dass sie eine ist? Sie verhält sich ja so wie das Original, aber ist das das imitierte Bewusstsein, welches sich einfach verhält wie immer oder ist es das Ding, das durch das Absorbieren weiß, wie sich das Original verhalten würde? Und tragen dann die Zellen des Dings alle Erinnerungen und Fähigkeiten jedes Lebewesens, das es bis dahin absorbiert hat, in sich? Was dafür spricht, ist, dass Blair als Imitation weiß, wie man ein Raumschiff baut. Das wusste der echte Blair sicher nicht. Das Prequel bringt auch einen weiteren interessanten Aspekt mit ins Spiel. Es bleiben anorganische Sachen zurück, wie Zahnfüllungen oder Herzschrittmacher. Weil das Ding eben nur organisches Material imitieren kann. Dieser Aspekt wird in Carpenters Film ja außen vor gelassen. Entweder hat dort keiner Implantate im Körper oder das Ding ist einfach gründlicher beim Aufräumen Ja, PROMETHEUS und COVENANT finde ich als Teil des Alien-Universums auch problematisch. Als eigenständige Filme sind sie aber ganz OK. Dieses Übererklären nimmt eben dem ersten ALIEN einen Teil seines Mysteriums und auch ein wenig diese Angst vor dem Unbekannten. Ähnlich wie beispielsweise Rob Zombies HALLOWEEN, der Michael Myers eine Hintergrundgeschichte gibt. Mal abgesehen davon, dass diese nun nicht sonderlich originell ist, nimmt sie der Figur auch hier diese Angst vor dem Unbekannten. Manche halten es ja für einen Schwachpunkt von Carpenters Film, dass der Killer eigentlich keine Motivation oder Motiv hat. Aber genau das macht ihn eben so gefährlich. Er ist unberechenbar und eigentlich nicht mehr menschlich. "Purely and simply evil", wie Doktor Loomis sagt. Er ist der personifizierte Boogeyman, der Schatten und er tut eben Böses. Und man kann ihm nicht entkommen. Das finde ich viel reizvoller als die White-Trash-Hintergrundgeschichte von Zombies Film.

In ALIEN sieht man nur, dass der Xeno bei Bret seinen zweiten Kiefer ausfährt und ihn verletzt. Bei Parker ebenso, nur ist Parkers Verletzung tödlich. Die Szene im Nest in der längeren Fassung sorgte ja auch für eine andere Theorie bezüglich der Eier. Die Königin wurde ja erst in ALIENS eingeführt, beim ersten Film wird ja eigentlich nicht erwähnt oder erklärt, woher die Eier kommen. In der Szene sind Bret und Dallas im Nest eingesponnen. Dallas lebt noch und fleht Ripley an, ihn zu töten. Aber warum? Ohne einen Facehugger an Bord dürfte Dallas nicht "schwanger" sein. Allerdings sieht es so aus, als würde sein Körper mit der Substanz aus dem Nest verschmelzen. Und bei Bret, der scheinbar tot ist, sieht es so aus, als würde sich sein Körper langsam in eines der Eier verwandeln. Wie das möglich sein soll, wird nicht erklärt und die Szene flog ja auch raus, weil sie an der Stelle den Film auch eher ausbremst. Aber es ist eine interessante Theorie, dass der Xeno nicht nur Wirte braucht, sondern quasi auch organisches Material, welches er mit dieser Substanz seinem Lebenszyklus hinzufügt. Bei THE THING ist es ähnlich wie bei ALIEN. Das Wesen hat eigentlich kein Motiv oder eine Mission. Es will einfach sein Fortbestehen sichern. Das ist natürlich auch eine gute Ausrede, damit man nicht viel erklären muss. Es soll einfach pures Terrorkino sein und das ist es in beiden Fällen ja auch. Deswegen meinte ich ja auch, dass manche Sachen einfach keine Vorgeschichte oder tiefere Bedeutung brauchen. In THE THING meint Blair nur, dass dieses Wesen vermutlich schon unzählige Lebensformen auf anderen Planeten imitiert und absorbiert hat. Und es jetzt das eben auch auf der Erde will. Vielleicht will es also auch einfach nur erobern. Man erfährt ja auch nie, wie das Wesen ursprünglich mal aussah. Es ist immer nur als Imitation oder Mischform von Lebewesen zu sehen, die es bereits imitiert hat. Es muss ja ein Bewusstsein haben, da es intelligent genug ist, ein Raumschiff zu fliegen und zu bauen. Wobei man auch hier diskutieren kann, ob es diese Fähigkeit nicht einfach von einer anderen Lebensform übernommen hat, die es imitiert hat. Carpenters Film ist im Gegensatz zur ersten Verfilmung aus den 50ern ja recht nahe an der literarischen Vorlage. Dort ist das Ding zu Beginn, als es aus dem Eis geholt wird, tatsächlich in seiner Ursprungsform, bevor es beginnt, die Menschen und Hunde zu imitieren. Der Film umgeht diese Enthüllung quasi dadurch, dass er eine zweite Forschungsstation einführt, die Norweger. In der Geschichte findet das amerikanische Team das Wesen und es spielt sich auch alles dort ab. Aber eben dieses "Nichtwissen" macht für mich hier den Reiz aus. Bei beidem, Vorlage und Film, geht es um Paranoia und im Grunde auch um den Verlust der Menschlichkeit. Das funktioniert eben auch, ohne dass man dem Ding ein tiefergehendes Motiv gibt. Es ist sozusagen nur der Katalysator dafür. Klar kann man sich fragen, ob das Ding tatsächlich ein Bewusstsein hat oder es nur auf Zellebene existiert. Film und Vorlage sprechen beide davon, dass jede Zelle dieses Dings wie ein eigenständiger Organismus funktioniert. Und deshalb auch eine Zelle davon ausreicht, um einen anderen Organismus zu infizieren. Es könnte also sein, dass dieses Ding beispielsweise einen Menschen imitiert und dabei eben nur sein Bewusstsein hat. Weil es selbst nur auf Zellebene existiert. Diese Imitation trägt dann allerdings den Drang in sich, sich weiter zu verbreiten. Was wiederum ja eigentlich eine bewusste Handlung ist, die aber nicht vom imitieren Bewusstsein kommen kann. Was für ein eigenes Bewusstsein des Dings spricht. Aber so in die Tiefe geht es gar nicht, weil es für das, was der Film sein will, auch keine wirkliche Rolle spielt. Ähnlich wie ALIEN. Dort ist das Unbekannte, woher das Wesen kommt, warum es tut, was es tut, doch eigentlich reizvoller und bedrohlicher als jede Erklärung.

Von Quartet: Quartet Records, in collaboration with MOD Producciones, presents the soundtrack album for the eagerly awaited new film by Oscar-winning director Alejandro Amenábar, EL CAUTIVO, starring Julio Peña, Alessandro Borgui, Roberto Álamo, Fernando Tejero and Miguel Rellán. The film tells an unusual and never-before-told chapter in the life of Miguel de Cervantes, who in 1575 is taken prisoner and sold to the fearsome Hassan, Bey of Algiers. While awaiting a ransom, he discovers an unexpected refuge in the art of storytelling … and hatches a daring escape plan. The score has been composed by Alejandro Amenábar himself, as he had done previously with great success in some of his own films (TESIS, THE OTHERS, THE SEA INSIDE) and others (BUTTERFLIES TONGUE, NOBODY KNOWS ANYONE). Supervised and produced by Lucio Godoy and recorded at Abbey Road Studios in London, Amenábar’s music perfectly sets the mood and situation of the characters, as well as the location and plot, with a sumptuous, romantic and melodic score, like good old-fashioned film music. Los molinos 1:11 Una mano en la ventana 3:31 Cervantes tiene un plan 3:10 Ya sé lo que pas 3:16 El tesoro del Bajá 1:25 Cielo o infierno 2:29 Más historias 2:35 El amor no existe 3:54 Los de Cervantes 3:11 Fantasía 2:28 Nuevo plan 1:51 Un final tan triste 2:18 I Piccoli Piaceri 1:49 Conmigo serás libre 2:15 Adiós, cautivo 4:46 Quartet Records, in collaboration with Universal Music Enterprises, Island Records and El Deseo, presents the remastered reissue of the music composed by Ryuichi Sakamoto (THE LAST EMPEROR, LITTLE BUDDHA, WUTHERING HEIGHTS) for Pedro Almodóvar’s 1989 cult classic, TACONES LEJANOS (aka HIGH HEELS), a noir melodrama starring Victoria Abril, Marisa Paredes and Miguel Bosé. After his collaborations with Bernardo Bonezzi and Ennio Morricone, and before his long and successful partnership with Alberto Iglesias, Almodóvar worked with the young, Oscar-winning Japanese composer. Sakamoto wrote a radiant melodramatic score whose main theme was immediately one of his hits. The album also includes the two songs performed by Luz Casal for the film (“Un año de amor” and “Piensa en mí”), which became instant icons of Spanish cinema. This CD has been meticulously remastered by Chris Malone from the original master tapes and includes an exclusive design by Juan Gatti and liner notes by the album producer, Jose M. Benitez. Tema principal 3:06 Tacones lejanos 2:00 Trauma 3:07 La guitarra de Becky 1:06 Plaza 1:14 Besos 1:15 Un año de amor (Luz Casal) 3:21 El Cucu 1 4:27 El Cucu 2 4:18 Tele 7 0:15 Asesinato 0:38 A punto de confesar 1:11 Interrogatorio 4:26 El arresto de Rebeca 1:06 Piensa en mi (Luz Casal) 4:30 Sonata de otoño 0:55 La liberación de Rebeca 2:01 El secreto de Letal 1:01 Viaje en ambulancia 0:24 Título final 3:06 Soleá (Miles Davis) 12:10

Snow Files of the Week: „Night Forest/Forest Search" aus „The X-Files", Episode „Pilot" (1993). So fing alles an. 1993, die erste Folge „The X-Files" mit einem für spätere Verhältnisse fast schon rohem Score von Mark Snow. Man merkt, dass hier noch alles neu war und alle Beteiligten sich erst einmal in dieser neuen Welt zurechtfinden mussten. Dennoch hört man auch hier schon die düsteren Klanglandschaften, mit der Snows Musik die Serie ebenso prägen sollte, wie seine wundervollen Themen. Die Clips stammen vom vierten Set von LLL, welches auf 2.000 Exemplare limitert ist. Viel Spaß beim Hören!

Der erste Xenomorph hat im Grunde ja auch gar keine Wirte gesucht. Der hat alles niedergemetzelt, was ihm in den Weg kam. Bis auf Morrow eben. Aber ist er wirklich eher eine Maschine, nur weil er einen künstlichen Arm hat? Und: Sind alle, die das Alien tötet, statt es in sein Nest als Wirt zu verschleppen, wirklich Futter? Hat das Alien jemals etwas gegessen in den Filmen? Ich habe mich eh gefragt, warum der Xenomorph so viel tötet. Für seinen Lebenszyklus macht das ja eigentlich keinen Sinn, denn das sind ja alles potentielle Wirte. Klar, wenn es angegriffen wurde, hat es sich gewehrt. Im ersten Film hat es Dallas und Bret auch nicht getötet, sondern in sein Nest gebracht, wie man in der längeren Fassung sieht. Nur Parker und Lambert scheint es dann aus irgendwelchen Gründen getötet zu haben. Gut, Parker hat den Xenomorph angegriffen, aber Lambert? Und auch in ALIENS wird ja erwähnt, dass die Marines nicht tot sind, weil ihre Lebensfunktionen noch messbar waren. Und Ripley meint dann auch, dass sie ins Nest gebracht und eingesponnen werden. Alles wird in den verbleibenden Folgen sicher nicht aufgelöst. Aber es wird sicherlich mit einem Konflikt-Cliffhanger enden.

Dragon’s Domain Records presents music from the original score to TIME AFTER TIME, composed by the legendary Miklós Rózsa (BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID) for the 1979 science fiction thriller directed by Nicholas Meyer (THE DAY AFTER, STAR TREK II: THE WRATH OF KHAN), written by Karl Alexander, Steve Hayes and Meyer, starring Malcolm McDowell, Mary Steenburgen and David Warner. TIME AFTER TIME starts with the premise that H.G. Wells actually constructed the time machine which he wrote about in his classic novel. TIME AFTER TIME is a romantic thriller in which Wells (McDowell), the scientific genius, tracks Jack the Ripper (Warner), the criminal genius, from 19th-century London to 20th-century San Francisco in order to bring the Ripper to justice. When Wells is transported in his time machine to modern San Francisco, he seems to be more of a babe in the woods than a sophisticated Victorian gentleman. What he finds is that some of his predictions have come true, while others, like a utopian society, have not... Born in Budapest, Hungary in 1907, composer Miklós Rózsa studied the violin from the age of 5. While living in London in 1935, Rózsa was hired by legendary producer Alexander Korda to score his film, KNIGHT WITHOUT ARMOR. Later, while composing the music for another Korda production, THE THIEF OF BAGDAD, Rózsa moved to California, where he remained for the rest of his life. Throughout his film career, he worked in many genres but distinguished himself writing music for the film noirs of the 1940’s and the great costume epics of the 1950’s and 1960’s. A classically trained composer, Rózsa was well known for his dedication to researching the musical history of the time periods of the films he worked on. His filmography includes music composed for films such as THE THIEF OF BAGDAD, THE JUNGLE BOOK, DOUBLE INDEMNITY, SPELLBOUND, THE LOST WEEKEND, QUO VADIS, IVANHOE, JULIUS CAESAR, KNIGHTS OF THE ROUND TABLE, BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID, THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES, THE GOLDEN VOYAGE OF SINBAD and TIME AFTER TIME, among others. Originally released on vinyl by Entr'acte at the time of the film’s release, this presentation of the score is a rerecording produced by the composer and performed by the Royal Philharmonic Orchestra. Southern Cross would release this program later on compact disc in the early days of the format. In 2009, Film Score Monthly released a compact disc with the original film tracks for the first time. Dragon’s Domain Records presents this new release of TIME AFTER AFTER, featuring the rerecording produced by the composer, newly remastered by James Nelson at Digital Outland and retaining the original album liner notes by director Nicholas Meyer and John Lasher. Following the original album program is a selection of bonus tracks of additional music composed by Miklós Rózsa, including music from PROVIDENCE, THE LOST WEEKEND, SPELLBOUND, THAT HAMILTON WOMAN and THE PRIVATE FILES OF J. EDGAR HOOVER. TIME AFTER TIME is a limited edition release of 500 units. TIME AFTER TIME will begin shipping the week of Sept. 29th, 2025 01. W.B. Fanfare* And Prelude (2:09) (* - Max Steiner) 02. Search For The Ripper/ Decision (2:06) 03. Vaporizing Equalizer / The Time Machine (2:12) 04. Time Travel (1:33) 05. Bank Montage (1:08) 06. Utopia (1:34) 07. The Ripper / Pursuit (3:29) 08. The Time Machine Waltz (4:01) (Eric Parkin: piano) 09. Man Before His Time (1:56) 10. Redwoods (2:32) 11. Frightened (1:45) 12. Murder (1:45) 13. The Fifth Victim (1:35) 14. The Last Victim (1:46) 15. Nocturnal Visitor (1:38) 16. Dangerous Drive (3:08) 17. Journey’s End And Finale (3:59) BONUS TRACKS 18. Time After Time: Pocket Watch (0:28) (The Meridian Studio Ensemble) 19. Providence: Valse Crèpusculaire (3:58) (Gregg Nestor, William Kanengiser: Guitar) 20. The Lost Weekend: Love Theme (5:10) (The National Philharmonic Orchestra) 21. Spellbound: Theme From “Spellbound” (4:46) (Sinfonia of London) 22. That Hamilton Woman: Love Theme (4:46) (The London Symphony Orchestra) 23. The Private Files of J. Edgar Hoover: Main Title / Dr. King / End Titles (9:33) (Conducted by Miklós Rózsa) Total Time: 67:50

Wieder Dragon's Domain: BSX DIGITAL presents music composed by David Newman (THE PHANTOM, HOFFA, MR. DESTINY, GALAXY QUEST) from the original score to THE RUNESTONE, the 1991 horror comedy directed by Willard Carroll (PLAYING BY HEART, THE BRAVE LITTLE TOASTER, TOM’S MIDNIGHT GARDEN), written by Carroll and Mark E. Rogers, starring Peter Riegert, Joan Severance, William Hickey, Tim Ryan, Mitchell Laurance, Lawrence Tierney, Dawan Scott, Chris Young and Alexander Godunov. Based on an unpublished novella by Mark E. Rogers, THE RUNESTONE unfolds as the clocks in the shop of a mysterious clockmaker suddenly stop at three o’clock as a Norse runestone is removed from the depths of a coal mine in Western Pennsylvania. Archaeologist Martin Almquist (Laurance) oversees the runestone’s move to his New York City laboratory. Excited by his discovery, Martin calls his former girlfriend, Marla (Severance), an artist now married to Sam Stewart (Ryan) and asks them to return to New York so that Sam, also an archeologist who is working in Maine, can decipher the runestone. Meanwhile, Lars Hagstrom (Hickey) finds Martin and warns him about the runestone, but Martin believes Hagstrom is crazy. Sam and Marla believes this has some connection to Martin. A young boy named Jacob is haunted by terrifying nightmares of what is coming and his family explains these dreams through stories from Norse legend, which say that the only one who can destroy Fenrir is Tyr, the Norse god of war, who is prophesied to return to fight the creature... Conceived in 1990, the music for THE RUNESTONE was recorded at Columbia Studios, while an electronic musical score was also recorded at D & K Studios. Newman’s score is robust as it parallels the storyline, from tense strings and horns, percussive timbres, horns, and drums to strings to rushing horns and harsh string notes. Intricate keyboard tonalities, low up-and-down sonic whispers, percussive striations, and low percussion raging into heavy tonal contrasts, suspenseful drums, grappling tension segueing into eerie, soft, fast-trumpet notes, anticipating the composer’s amazing musical accomplishments in the next several decades of American cinema. David Newman is one of today’s most accomplished creators of music for film. The son of nine-time Oscar-winning composer Alfred Newman, David Newman was born in Los Angeles in 1954. He trained in violin and piano from an early age and earned degrees in orchestral conducting and violin from the University of Southern California. From 1977–1982, he worked extensively in the motion picture and television industry as a violinist, playing on such films as E.T., TWILIGHT ZONE – THE MOVIE, and the original Star Trek film, STAR TREK: THE MOTION PICTURE. In his 25-year career, he has scored over 100 films, ranging from WAR OF THE ROSES, MATILDA, BOWFINGER and HEATHERS, to THE SPIRIT, and SERENITY, BEHAVING BADLY and TARZAN. Newman’s music has brought to life the critically acclaimed dramas BROKEDOWN PALACE and HOFFA; comedies NORBIT, SCOOBY-DOO, GALAXY QUEST, THE NUTTY PROFESSOR, THE FLINTSTONES, THROW MAMA FROM THE TRAIN; and award- winning animated films ICE AGE, THE BRAVE LITTLE TOASTER and ANASTASIA. Newman is also a highly sought-after conductor and appears with leading orchestras throughout the world, including the Los Angeles Philharmonic, Royal Philharmonic Orchestra, The Boston Symphony, The Philadelphia Orchestra, The Chicago Symphony and the New York Philharmonic. He has led subscription weeks with the Los Angeles Philharmonic at Walt Disney Concert Hall and regularly conducts the Hollywood Bowl Orchestra at the Hollywood Bowl. Passionate about nurturing the next generation of musicians, Newman serves on the Board of the American Youth Symphony, a 55-year-old pre-professional orchestra based in Los Angeles BSX Digital presents THE RUNESTONE, featuring music composed by David Newman. Previously released on compact disc by Perseverance Records in 2010, the music has been newly remastered by James Nelson at Digital Outland and includes new liner notes by noted author Randall Larson. This release is dedicated to the memory of Krystyna Newman. This is the original musical score for the BIG FINISH audio drama titled "V-UK: Occupation," the second chapter of the audio drama series produced by Big Finish Productions and masterfully composed and performed by the talented Joe Kraemer. This audio drama draws inspiration from the iconic miniseries "V," originally created by Kenneth Johnson. The miniseries first premiered on television in 1983, captivating audiences with its compelling narrative and innovative storytelling. "V explored themes of resistance and survival in the face of an alien invasion, leaving a lasting impact on the science fiction genre. The audio drama serves as a continuation of that rich universe, blending Kraemer's evocative composition with the familiar existential battles and moral dilemmas that defined the original series. Joe Kraemer wrote his first film score in 1986 when, at 15, he was acting in an independent feature for director Scott Storm. Since then, he has composed music for over 100 feature films, documentaries, television episodes and movies. He is perhaps best known for his award-winning score to MISSION: IMPOSSIBLE — ROGUE NATION (2015 Action Score of the Year, IFMCA) and JACK REACHER in 2012. Other notable works include THE MAN WHO KILLED HITLER AND THEN THE BIGFOOT, THE WAY OF THE GUN, TV series such as PANDORA, CREEPED OUT, and COMRADE DETECTIVE, plus the documentary about the films of director Larry Cohen, KING COHEN. In 2016, he composed a new score for F.W. Murnau’s 1927 silent film SUNRISE, which premiered live-to-picture in Dallas and has since been performed all over the world. BSX Records is proud to present the premiere release of V UK: OCCUPATION AUDIO DRAMA, featuring original music composed by Joe Kraemer and mastered by James Nelson at Digital Outland. Dragon’s Domain Records presents THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES, a compilation of music composed by John Charles from several projects in his filmography, including THE QUIET EARTH, UTU and IRIS. Celebrating it’s 40th anniversary this year, THE QUIET EARTH has become a cult classic among sci-fi film buffs and is frequently shown at art cinemas around the world. Released in 1985, the film was directed by Geoff Murphy, written by Craig Harrison, Bill Baer and Bruno Lawrence, starring Lawrence, Alison Rutledge, Pete Smith, Anzac Wallace, Norman Fletcher and Tom Hyde. THE QUIET EARTH follows scientist Zac Hobson (Lawrence), who is awoken early one morning in his oceanside motel room to witness Operation: Flashlight, an effect whereby through a giant energy blast, there are suddenly no people anywhere. Zac attempts to contact other survivors without success. He decides to enjoy “the good life,” moving into an elegant mansion, treating himself in style to goods in local supermarkets and shopping centers. Eventually he locates two other people in his new world — Joanne (Routledge) and Api (Smith). The usual tension, which develops in the two-men-one-woman scenario, gives way to the realization that the urgency of their very survival is paramount. The film’s empty streets, quiet countrysides and deserted buildings create otherworldly landscapes, augmented by John Charles’ elegant score, employing a large symphony orchestra and judicious use of electronics. Airing on television in 1984, IRIS was directed by Tony Issac, written by Keith Aberdein, starring Helen Morse, Philip Holder, John Bach, Donogh Rees, David Ashton, Elizabeth McRae, Roy Billing and Peter Hambleton. IRIS relays the life of New Zealand writer Iris Wilkinson, international novelist, poet and journalist who wrote under the name of Robin Hyde. IRIS is played by Helen Morse, fondly remembered for her work in A TOWN LIKE ALICE. John Charles composed one of his finest works for IRIS, chamber score, very much in style of the 20th-century impressionists such as Debussy, Ibert and Ravel. Released in 1983, UTU was directed by Geoff Murphy, written by Murphy and Keith Aberdeen, starring Anzac Wallace, Bruno Lawrence, Tim Elliot, Kelly Johnson, Tania Bristowe, Ilone Rodgers, Martyn Sanderson, John Bach, Sean Duffie and John Malcolm. UTU is a visually stunning, well-paced and powerfully acted adventure film, dealing with passion and revenge between the European settlers and native Māoris in late nineteenth century New Zealand. UTU was well received by the major critics at the time of its initial release. Charles’ rich and evocative original score, drawn from folk music and traditional Māori material, evokes the period of the drama with orchestration reminiscent of classical music of the nineteenth century. John Charles was born in Wellington, New Zealand, in 1940. During his first year at University of Victoria Wellington, where he enrolled for a BA in 1958, he joined the UVW Jazz Club and began playing jazz regularly as their pianist. In 1963, after two years at New Zealand Broadcasting Service, he returned to UVW to complete his study for a Bachelor of Music degree. In 1967 he was appointed producer for NZBC television. There he produced and directed various live current affairs, documentary music, ballad and jazz programs, and broadcasts of the New Zealand Symphony Orchestra (1970-1973). He moved to Australia in 1974 and for the next four years worked in the Music Department at ABC-TV, directing broadcasts of the Sydney Symphony Orchestra and the series MUSIC OF AUSTRALIA and WILFRED LEHMAN CONDUCTS. His cinema music credits include GOODBYE PORK PIE, CONSTANCE, A SOLDIER’S TALE , ZOMBIE BRIGADE and TAKING LIBERTIES, the television movies MAN OF LETTERS, THE PERFECTIONIST and the mini-series HEART OF THE HIGH COUNTRY. Previously released on compact disc by Label X in 1993, Dragon’s Domain Records brings together the scores for THE QUIET EARTH and UTU, along with IRIS, newly remastered by James Nelson at Digital Outland, carrying over the original liner notes from producer John Stephen Lasher. THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES is a limited edition release. THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES will begin shipping on September 29th, 2025 THE QUIET EARTH 01. Sunrise (3:24) 02. Empty Town (1:27) 03. Moving Up In The World (2:13) 04. Zac Takes Over (0:51) 05. Going Down (1:24) 06. Born Again / There Are Others (2:33) 07. The Effect Continues (1:33) 08. Trio (1:44) 09. Taking Off (1:07) 10. Road Block (1:14) 11. Alarm (1:04) 12. Last Love Scene (1:14) 13. Finale / Saturn Rising (4:14) IRIS 14. Opening Music (2:28) 15. You’ve Been With Spring (1:41) 16. Backstage (0:50) 17. Thunder In The Night / Sandhills (2:06) 18. A Ride With Simone (1:36) 19. We Are Two Ghosts / A Real Accident (2:02) 20. All Night Long (1:21) 21. Sleep, Sweet Sleep (1:55) 22. The Wanderer (2:15) 23. God’s Matchless Vault / But The Last Black Horse of All (2:12) 24. Take Me Home (2:06) UTU 25. Theme From Utu (2:09) 26. Patrol / Destroyed Village* (2:59) (*trad. chant sung by Rangi Dewes) 27. Te Wheke Stalks Emily (2:42) 28. Moko (2:16) (trad. chant sung by Joe Malcolm) 29. The Raid After The Raid / Williamson Retaliates (4:17) 30. Quadruple Barrelled Shotgun* / The Army Approaches Te Puna (3:57) (*composed by S.C. Foster / arr. John Charles) 31. Henare / Night Sentry / Fishing After The Battle (4:18) 32. Williamson Reflects / Te Wheke’s Trek / Williamson Prepares For Utu (2:57) 33. Death Of Te Wheke (Lament*) And Finale (2:33) (*trad. chant sung by Rangi Dewes) 34. Drummers (0:44) 35. Waiata Tangi (2:37) (trad. chant sung by Jane & Paul Makura) Total Time: 77:36 Dragon’s Domain Records presents the premiere release of original music composed by Harry Lubin for the second season of THE OUTER LIMITS. Originally broadcast on the American television network ABC from 1963 to 1965, THE OUTER LIMITS was one of many series influenced by THE TWILIGHT ZONE and SCIENCE FICTION THEATRE, though it ultimately proved influential in its own right. 49 Episodes were produced. When the familiar dulcet tones of the ‘Control Voice’ welcomed viewers back to THE OUTER LIMITS on for the second season premiere, few, if any, were aware of the behind-the-scenes turmoil that had caused the departure of several key staff members. But something was different. In particular, there was a new signature tune that was lonely, sad, and claustrophobic. Despite its current reputation as a cult classic, the original ABC run of THE OUTER LIMITS was not the ratings blockbuster the network had been hoping for. Creator Leslie Stevens and fellow writer Joseph Stefano continually struggled to bring their personal visions of “extraordinary people in extraordinary circumstances” to life each week, despite being gifted with an ensemble of first-class actors, directors, and stunning noir photography. Network executives constantly interfered, trying to make the show more formulaic and easily marketable. The perpetual battles between Stevens and ABC over what the network classified as “questionable content,” along with frequent budget overruns, eventually led ABC to demand that several conditions be met in order for them to commission a second season. These conditions included a time slot change and cutting the budget. Season 1 combined science fiction and horror, while Season 2 was more focused on 'hard science fiction' stories, dropping the recurring ‘scary monster’ motif of Season 1. Each episode in Season 1 was to have a monster or creature as a critical part of the story line in a villain of the week format. Season 1 writer and producer Joseph Stefano believed this element was necessary to provide fear, suspense, or at least a center for plot development. This kind of story element became known as ‘the bear.’ This device was, however, mostly dropped in Season 2 after Stefano left. Also gone were Leslie Stevens and composer Dominic Frontiere. ABC then installed one of their own executives, Ben Brady, as the new producer. No stranger to television production, Brady had come to the network after a successful run on the first two seasons of PERRY MASON. Brady’s limited resources for the second season required him to rely on the talents of another former co-worker to provide an impactful, but cost-effective musical score. Harry Lubin was an accomplished composer, arranger and conductor who began his career as a piano accompanist for Feodor Chaliapin, Sr. At only 20 years old, Lubin became musical director of the Irving Palace Theater in New York City before spitting his time between Broadway shows and locally-produced radio drama. Eventually, he transitioned into television as musical director for THE LORETTA YOUNG SHOW, a long-running anthology series that allowed him to experiment with early electronic instruments like the theremin. He further expanded his palette of unusual instrumentation while scoring the horror/science-fiction anthology ONE STEP BEYOND, which pre-dated THE OUTER LIMITS. Though there were some new recordings done for the second season of THE OUTER LIMITS, much of the second season’s 17 episodes featured thematic material edited from multiple variations within the vast library Lubin had amassed from his earlier series. To create this compilation, Dragon’s Domain Records has carefully selected and grouped together the most memorable musical themes for the episodes in which they were initially used. So turn out the lights, sit back and allow us to control all that you hear from as we take you back to…THE OUTER LIMITS. Dragon’s Domain Records presents THE OUTER LIMITS: SEASON 2, featuring the premiere release of original music from the second season composed by Harry Lubin. The album includes liner notes written by authors David Hirsch and Sam Scali. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland. THE OUTER LIMITS: SEASON 2 is a limited edition release and is expected to begin shipping the week of September 29th, 2025. 01. Main Title (0:55) 02. Suite From SOLDIER (9:20) 03. Suite From COLD HANDS, WARM HEART (9:55) 04. Suite From BEHOLD, ECK! (3:44) 05. Suite From EXPANDING HUMAN (6:19) 06. Suite From DEMON WITH A GLASS HAND (5:32) 07. Suite From CRY OF SILENCE (3:37) 08. Suite From WOLF 359 (6:30) 09. Suite From THE INHERITORS Pt. 1 (4:15) 10. Suite From THE INHERITORS Pt. 2 (7:27) 11. Suite From KEEPER OF THE PURPLE TWILIGHT (6:26) 12. Suite From COUNTERWEIGHT (4:23) 13. Suite From THE PREMONITION (3:10) 14. End Title (0:54) Total Time: 73:20 Dragon’s Domain Records presents music from the original score to TIME AFTER TIME, composed by the legendary Miklós Rózsa (BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID) for the 1979 science fiction thriller directed by Nicholas Meyer (THE DAY AFTER, STAR TREK II: THE WRATH OF KHAN), written by Karl Alexander, Steve Hayes and Meyer, starring Malcolm McDowell, Mary Steenburgen and David Warner. TIME AFTER TIME starts with the premise that H.G. Wells actually constructed the time machine which he wrote about in his classic novel. TIME AFTER TIME is a romantic thriller in which Wells (McDowell), the scientific genius, tracks Jack the Ripper (Warner), the criminal genius, from 19th-century London to 20th-century San Francisco in order to bring the Ripper to justice. When Wells is transported in his time machine to modern San Francisco, he seems to be more of a babe in the woods than a sophisticated Victorian gentleman. What he finds is that some of his predictions have come true, while others, like a utopian society, have not... Born in Budapest, Hungary in 1907, composer Miklós Rózsa studied the violin from the age of 5. While living in London in 1935, Rózsa was hired by legendary producer Alexander Korda to score his film, KNIGHT WITHOUT ARMOR. Later, while composing the music for another Korda production, THE THIEF OF BAGDAD, Rózsa moved to California, where he remained for the rest of his life. Throughout his film career, he worked in many genres but distinguished himself writing music for the film noirs of the 1940’s and the great costume epics of the 1950’s and 1960’s. A classically trained composer, Rózsa was well known for his dedication to researching the musical history of the time periods of the films he worked on. His filmography includes music composed for films such as THE THIEF OF BAGDAD, THE JUNGLE BOOK, DOUBLE INDEMNITY, SPELLBOUND, THE LOST WEEKEND, QUO VADIS, IVANHOE, JULIUS CAESAR, KNIGHTS OF THE ROUND TABLE, BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID, THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES, THE GOLDEN VOYAGE OF SINBAD and TIME AFTER TIME, among others. Originally released on vinyl by Entr'acte at the time of the film’s release, this presentation of the score is a rerecording produced by the composer and performed by the Royal Philharmonic Orchestra. Southern Cross would release this program later on compact disc in the early days of the format. In 2009, Film Score Monthly released a compact disc with the original film tracks for the first time. Dragon’s Domain Records presents this new release of TIME AFTER AFTER, featuring the rerecording produced by the composer, newly remastered by James Nelson at Digital Outland and retaining the original album liner notes by director Nicholas Meyer and John Lasher. Following the original album program is a selection of bonus tracks of additional music composed by Miklós Rózsa, including music from PROVIDENCE, THE LOST WEEKEND, SPELLBOUND, THAT HAMILTON WOMAN and THE PRIVATE FILES OF J. EDGAR HOOVER. TIME AFTER TIME is a limited edition release of 500 units. TIME AFTER TIME will begin shipping the week of Sept. 29th, 2025 01. W.B. Fanfare* And Prelude (2:09) (* - Max Steiner) 02. Search For The Ripper/ Decision (2:06) 03. Vaporizing Equalizer / The Time Machine (2:12) 04. Time Travel (1:33) 05. Bank Montage (1:08) 06. Utopia (1:34) 07. The Ripper / Pursuit (3:29) 08. The Time Machine Waltz (4:01) (Eric Parkin: piano) 09. Man Before His Time (1:56) 10. Redwoods (2:32) 11. Frightened (1:45) 12. Murder (1:45) 13. The Fifth Victim (1:35) 14. The Last Victim (1:46) 15. Nocturnal Visitor (1:38) 16. Dangerous Drive (3:08) 17. Journey’s End And Finale (3:59) BONUS TRACKS 18. Time After Time: Pocket Watch (0:28) (The Meridian Studio Ensemble) 19. Providence: Valse Crèpusculaire (3:58) (Gregg Nestor, William Kanengiser: Guitar) 20. The Lost Weekend: Love Theme (5:10) (The National Philharmonic Orchestra) 21. Spellbound: Theme From “Spellbound” (4:46) (Sinfonia of London) 22. That Hamilton Woman: Love Theme (4:46) (The London Symphony Orchestra) 23. The Private Files of J. Edgar Hoover: Main Title / Dr. King / End Titles (9:33) (Conducted by Miklós Rózsa) Total Time: 67:50

Dragon’s Domain Records presents music from the original score to KING KONG, composed by the legendary Max Steiner (GONE WITH THE WIND, CASABLANCA, THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE) for the legendary 1933 epic adventure KING KONG, directed by by Merian C. Cooper and Ernest B. Schoedsack, written by James Ashmore Creelman, Ruth Rose and Cooper, starring Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher and Sam Hardy. Director Carl Denham (Armstrong) leads a film crew to a remote, uncharted Pacific Island in search of the legendary Kong, a gigantic ape. After the island’s inhabitants abandon actress Ann Darrow (Wray) to Kong, Denham and his crew pursue the beast through the dinosaur-infested jungle. They eventually capture Kong and take him to New York as a sideshow attraction, with disastrous results... Born on May 10th, 1888, Max Steiner was an Austrian composer and conductor who emigrated to America and became one of Hollywood's greatest musical composers. Steiner was a child prodigy who conducted his first operetta when he was twelve and became a full-time professional, proficient at composing, arranging, and conducting, by the time he was fifteen. Threatened with internment in England during World War I, he fled to Broadway; and in 1929 he moved to Hollywood, where he became one of the first composers to write music scores for films. He is often referred to as "the father of film music", as Steiner played a major part in creating the tradition of writing music for films, along with composers Dimitri Tiomkin, Erich Wolfgang Korngold, Franz Waxman, Alfred Newman, Bernard Herrmann, and Miklós Rózsa. Steiner composed over 300 film scores with RKO Pictures and Warner Bros., and was nominated for 24 Academy Awards: His filmography includes THE INFORMER, NOW, VOYAGER, AND SINCE YOU WENT AWAY, LITTLE WOMEN, JEZEBEL, CASABLANCA, THE SEARCHERS, A SUMMER PLACE and GONE WITH THE WIND, which ranked second on the AFI's list of best American film scores, and is the film score for which he is best known. He was also the first recipient of the Golden Globe Award for Best Original Score, which he won for his score for LIFE WITH FATHER. Steiner was a frequent collaborator with some of the best known film directors in history, including Michael Curtiz, John Ford, and William Wyler. Originally released on vinyl in 1976 by Entr’acte and later on compact disc in 1993 by Label X, Dragon’s Domain Records is excited to bring KING KONG roaring back to the marketplace, featuring a rerecording of music composed by the legendary Max Steiner, performed by the National Philharmonic Orchestra, conducted by Fred Steiner. The music has been newly remastered by James Nelson at Digital Outland. The booklet includes the original extensive liner notes written by Fred Steiner and Fay Wray for the album. KING KONG is a limited edition release. KING KONG will begin shipping the week of September 29th, 2025. 01. Main Title / Boat In The Fog (3:39) 02. Forgotten Island / Jungle Dance (4:54) 03. Sea At Night (2:26) 04. Aboriginal Sacrifice Dance (4:00) 05. Entrance Of Kong (4:19) 06. The Bronte / Log Sequence (4:33) 07. Cryptic Shadows (1:50) 08. Kong / The Cave (9:32) 09. Sailor’s Waiting (1:34) 10. Return Of Kong (4:11) 11. King Kong Theatre March (1:31) 12. King Kong Escapes / Aeroplanes / Finale (4:42) 13. RKO Radio Beacon / Original Main Title (1:34) Total Time: 49:20

Wenn es wirklich der Peter-Pan-Geschichte folgt, dann kann man sich ungefähr ausmalen, wie es endet Wobei es natürlich Unterschiede gibt zwischen der tatsächlichen Geschichte von Barrie und dem Disney-Zeichentrickfilm. Die Geschichte ist eher wie die Grimm-Märchen, also mit vielen Dingen, die für jüngere Kinder eigentlich zu düster und verstörend sind. Es gibt dort recht viele Tote, wie beim Kampf der „Lost Boys" gegen die Piraten. Es wird also sicherlich auch in der Serie noch kämpferische Auseinandersetzungen zwischen den Hybriden und den Menschen geben. Wendy wird ja schon als eine Art Anführerin der Rebellion aufgebaut. Das Alien könnte dann in dieser Konstellation die Rolle des Krokodils übernehmen, welches einst Hooks Hand abgebissen hat. Es hat ja außerdem eine Uhr verschluckt, weshalb man es durch das Ticken kommen hört. Das setzt Peter Pan ja auch als eine List ein. Er imitiert das Ticken der Uhr des Krokodils und verschreckt damit die Piraten. Wendy kann mit dem Xenomorph kommunizieren durch zirpende Laute. Vielleicht „verbündet" sie sich also mit dem Xeno gegen die Menschen. Hook möchte Pan töten, wie Morrow den Unternehmer töten will. Beim Endkampf wird Hook dann vom Krokodil gefressen. Mal sehen, ob Morrow also am Ende doch vom Xeno getötet wird, nachdem der erste Xeno ihn unerklärlicherweise immer verschont hat. In Spielbergs Film HOOK entführt Hook ja Pans Kinder und will sie auf seine Seite ziehen. Etwas Ähnliches macht Morrow ja auch mit Slightly. Ist mir nur aufgefallen.

Stimmt, einer von beiden war es. Gestern Folge 6 gesehen und tatsächlich für mich die beste Folge bisher. Auch wenn man hier wieder lieber nicht nach der Logik fragt (Forschungslabor mit potentiell tödlichen außerirdischen Kreaturen ohne Sicherheitsvorkehrungen, Alarm, Wachpersonal, Gefahreneindämmung, dafür mit riesigen, frei zugänglichen Luftschächten und nur observiert von einer Person, die nicht mal auf die Monitore achtet, während statt Fachpersonal ein Kind-Hybrid unbeaufsichtigt die Kreaturen füttern darf). Muss wohl so sein, damit passiert, was eben passiert und die irrationalen Handlungen der Charaktere tun dann ihr übriges. Das Alien sah dieses Mal besser aus, vermutlich mehr CGI. Man lernt, dass man die Erinnerungen der Hybriden manipulieren kann. Was ein wenig ad absurdum geführt wird sofort in der Szene danach, weil niemand die anderen Hybriden von der Behandlung unterrichtet und sofort nachgefragt wird „Wie? Du erinnerst dich nicht mehr daran und hieran?". Fand ich komisch und nimmt der betroffenen Figur dann auch ihre bisherige Entwicklung. Das Ganze spielt wohl später noch eine tragenden Rolle. Immerhin könnte man so alle Erinnerungen an den Xenomorph auslöschen. Diese ganze Peter-Pan-Geschichte greift für mich allerdings immernoch nicht so wirklich. Mal sehen, ob und was für ein Payoff es dafür gibt, außer, dass es einfach nur der Struktur der Peter-Pan-Geschichte folgt. Denn das Konzept an sich, für immer jung sein, quasi Unsterblichkeit erreichen, dabei aber der Verlust der Kindheit/Menschlichkeit, würde auch ohne diesen Peter-Pan-Überbau funktionieren. Gefühlt ist der Aspekt bisher nur dazu da, um zu rechtfertigen, warum nur Kinder diesen Transfer machen können. Und ja, wie gesagt, erinnert mich das alles eher an BLADE RUNNER. Die Folge hatte Spannung, war sehr atmosphärisch und lässt mich zumindest in freudiger Erwartung an die letzten beiden Folgen zurück. Zur weiteren Entwicklung der Geschichte im ersten ALIEN fiel mir dann noch ein: Wenn Weyland-Yutani von der Kreatur wusste, warum musste die Nostromo, ein Transport-Schiff, umgeleitet werden? Warum schickte man kein Forschungsschiff nach LV 426? Immerhin wusste man von der Unberechenbarkeit und der Gefährlichkeit der Kreatur. Und darauf zu vertrauen, dass der Rest der Crew der Nostromo die Reise nicht überlebt, während Ash die Kreatur sicher zur Erde bringt, ist da doch etwas dürftig. Aber mal sehen, ob und wie die Serie das letztendlich erklärt.

Ich finde, dass dieses Konzept der Kinder in Körpern junger Erwachsener (und nur Kinder, Erwachsene können sich natürlich nicht in andere Körper transferieren) auch eher ein Vorwand ist, um eben durch junge Hauptdarsteller möglichst viele junge Menschen anzusprechen. Das war sicherlich die Vorgabe von Disney, keine alten Leute wie in ALIEN Das war ja schon bei ROMULUS so, aber wie gesagt, dort fand ich die Charaktere insgesamt interessanter. Und ja, auch der, ich nenne es jetzt mal eher androgyne Look von Wendy, ihrem Bruder und auch dem Unternehmer ist sicherlich kein Zufall. Das stört mich allerdings jetzt nicht wirklich, ich finde eher die Charaktere an sich bisher nicht sonderlich interessant. Der Unternehmer, Boy (!) Kavalier, soll wohl in dieser Konstellation Peter Pan darstellen. Er fühlt ja auch eine besondere Verbindung zu Wendy. Morrow mit seinem Cyborg-Arm ist dann wohl Captain Hook und das Krakenauge Tinkerbell. Das Konzept ist zwar irgendwie absurd, aber mal sehen, wohin es noch führt. Aber auch hier finde ich das Verhalten der Kinder im Angesicht außerirdischer Killerkreaturen und verstümmelter Leichen eher untypisch. Denn geistig sind sie immer noch Kinder, aber die einzige, die tatsächlich dadurch traumatisch geschädigt wird, ist Nibs. Aber auch sie hat eigentlich bis jetzt zu wenig Screentime, um diese Entwicklung nachvollziehbar zu durchlaufen. Und Wendy kann mit dem Xenomorph kommunizieren (wobei ich im ersten Moment bei diesen zirpenden Lauten eher an den Predator gedacht habe :D). Auf die Erklärung, warum sie das kann, bin ich gespannt. Dass es kaum einen Xenomorph zu sehen gibt in einer Alien-Serie finde ich eigentlich recht erfrischend. Denn das haben wir doch in den Filmen zur Genüge gehabt. Die Konzentration auf die Machtspiele der Konzerne Weyland-Yutani und Prodigy ist da der wesentlich interessantere Ansatz. Doch auch das bleibt für mich bisher eher Schmuckwerk. Im Grunde kann die Hybriden und den Unternehmer ja nur ein schreckliches Schicksal ereilen. Sonst würde es nicht zu den weiteren Verläufen der Filme passen. Das ist eben auch so ein Problem von Prequels. Wie bei ROGUE ONE. Man weiß, dass am Ende alle sterben werden. Also muss die Spannung und Dramatik woanders herkommen.

Ich habe mal einen eigenen Thread für das Thema erstellt. Somit besteht doch die Chance auf eine interessante Diskussion Zunächst mal kann ich Trekfans Ausführungen sehr gut nachvollziehen. Dass er persönlich oder übergriffig geworden wäre, sehe ich ehrlich gesagt nicht. Er hat seine Sicht der Dinge erläutert, manchmal eben recht deutlich. Man sollte sich nicht an seinem "Wenn den Leuten das reicht..." aufhängen, was ich als Aussage allerdings auch nicht als persönlichen Affront sehe. Manche Leute geben sich mit wenig zufrieden, das ist nun mal so. Das bedeutet aber nicht, dass alle, die ALIEN EARTH gut finden, keine Ahnung haben. Auch ich finde die Serie bisher eher mittelmäßig und beileibe ist sie für mich nicht das Meisterwerk, für das sie viele scheinbar halten. Auf der positiven Seite kann man sagen, dass die Serie etwas Neues im Alien-Universum versucht. Denn das Thema an sich war eigentlich spätestens nach ALIEN 3 auserzählt. Auf der anderen Seite hadere ich allgemein immer mit Prequels zu Filmen oder Serien, die eigentlich kein größeres world building brauchen. Denn der Reiz liegt nun mal oft im Dunklen, wenn man eben nicht alles weiß. Daher fand ich auch PROMETHEUS und COVENANT für das Alien-Franchise eher überflüssig. Bekannterweise war PROMETHEUS zunächst auch kein Alien-Film, sondern wurde erst später dazu gemacht, weil man dachte, das passt gut. Betrachtet man die Filme losgelöst vom Franchise, kommen sie meiner Meinung nach besser weg. Die Thematik bei ALIEN EARTH mit Syntheten, Cyborgs und Hybriden ist zwar mal ein anderer Ansatz, passt für mich bisher aber ebenfalls nicht wirklich in dieses Franchise rein. Vielleicht denke ich am Ende der ersten Staffel anders darüber. Aber bisher fühlt sich das für mich eher nach BLADE RUNNER an, denn nach ALIEN. Auch die ganze Peter-Pan-Geschichte und was macht uns menschlich passt für mich eher zu BLADE RUNNER. Gut, das sind Themen, die auch in PROMETHEUS und COVENANT angerissen werden, aber, bitte um Korrektur, wenn ich falsch liege, soweit ich informiert bin, ignoriert die Serie die beiden Prequels. Und dennoch fühlt sich Folge 5 eher nach PROMETHEUS und COVENANT an, denn nach ALIEN. Klar, das Set Design ist schön retro und sieht wie die Nostromo aus, aber das macht für mich noch keine gute Folge aus. Manche beschreiben die Folge gar als besten Alien-Film seit ALIENS. Auch das kann ich nicht nachvollziehen, zumal der Vergleich einfach hinkt. Denn eine Folge einer Serie kann eben nur in eingedampfter Form das erzählen, was ein ganzer Film erzählt. Ich möchte auch gar nicht weiter auf die teils wirklich haarsträubenden Dinge eingehen, die die Crew der Maginot macht oder eben nicht macht. Aber genau da zeigt sich für mich die heutige Art, Figuren und Dialoge zu schreiben, vor allem in großen Franchises. Egal, was gerade passiert ist, jemand muss einen Spruch bringen. Und so gut wie niemand reagiert auf die Ereignisse so, wie man wohl normalerweise reagieren würde. Niemand scheint besorgt zu sein oder hat Angst. Wir haben gerade ein Crew-Mitglied verloren und das war auch noch der Captain? Erstmal ein lustiger Spruch. Und nur nicht die Zigarette aus dem Mund nehmen, denn der Gag als Bezug auf den ersten Film ist wichtiger als ein glaubwürdiger Charakter. Das beobachte ich einfach in den letzten Jahren bei so vielen Franchises, sei es Marvel, Godzilla oder Ghostbusters. Die Crew der Nostromo wirkt auf mich wie echte Personen, die Crew der Maginot nicht. Das sind Erfüllungsgehilfen des Plots oder comic reliefs. Personen in Horrorfilmen benehmen sich oftmals dumm, das ist nun keine Neuheit. Auch im ersten ALIEN gibt es solche Sachen. Warum beugt sich Kane über das geöffnete Ei? Warum verfrachtet man Kane nach dem Aufwachen nicht erstmal in Quarantäne, sondern nimmt ihn sofort zum Essen mit? Aber immerhin trugen Ash und Dallas OP-Masken und -Kittel. Solche Dinge passieren, weil eben die Geschichte in Gang gebracht werden muss. Man sollte den Bogen allerdings auch nicht überspannen. Vom Plot her macht es natürlich Sinn, dass Weyland-Yutani bereits vor den Ereignissen in ALIEN über die Kreatur Bescheid weiß. Das geht aus dem ersten Film ja auch klar hervor. Ash wurde explizit als neuer Wissenschaftsoffizier mitgeschickt und die Nostromo wurde bewusst umgeleitet, um auf dem Alien-Planeten zu landen. Was die Frage aufwirft: Woher hatte die Maginot die Eier? Auch von LV 426? Muss ja eigentlich so sein, denn woher sollte Weyland-Yutani sonst wissen, dass sich das Schiff dort befindet? Bei ALIENS habe ich mich lange gefragt, warum die Kolonisten das Schiff nicht schon früher entdeckt haben? Das Signal, welches die Nostromo empfangen hat, dürfte ja immer noch senden. Und irgendjemandem in der Kolonie wäre dieses Signal bestimmt aufgefallen. Eine Erklärung dafür liefert das Spiel ALIEN ISOLATION. Dort spielt man in einer Rückblende die Besatzung einer Art Piratenschiff, die das Signal ebenfalls auffängt, in das Schiff eindringt und dort das Signal deaktiviert, damit sie ihre „Beute" für sich alleine haben. Da es in der späteren Timeline der Filme scheinbar keine Cyborgs und Hybriden mehr gibt, nur noch Syntheten, wird sicherlich auch das eine Rolle in der Serie einnehmen müssen. Und Weyland-Yutani scheint sich als Konzern ja ebenfalls durchgesetzt zu haben. Insgesamt finde auch ich die jüngeren Charaktere in ALIEN ROMOLUS besser und rationaler agierend als die meisten Charaktere in der Serie. ALIEN ROMULUS krankt eher an dem aufgezwungenen Fan-Service und einer schwächeren zweiten Hälfte. Das Alien selbst finde ich bisher auch etwas eigenartig. Nicht vom Design her, denn auch in den Filmen sah es, je nach Wirt, immer etwas anders aus. Ich finde die Bewegungen eigenartig, besonders bei schnellen. Sieht eben wie ein Mann im Anzug aus. Das können die Filme besser kaschieren. Aber beispielsweise Alec Gillis im Anzug "spielt" das Alien wesentlich überzeugender von den Bewegungen her. Das erstmal von mir. Ich bin gespannt auf eure Ansichten und Einsichten.

Ein neuer Track aus dem expandierten Album zu HALLOWEEN ENDS.

Snow Files of the Week: "Prologue/Main Title/The Boys Find The Cave/The Kiss/Happy Ending" aus dem TV-Film THE LITTLE KIDNAPPERS (1990). Für diese Disney-Channel-Produktion konnte Mark mal wieder auf ein volles Orchester zurückgreifen. Der von einer Solo-Flöte eingeleitete "Main Title" mausert sich im weiteren Verlauf zu einem schwelgerischen Stück Musik und das Thema taucht auch immer wieder im Score auf. Die Musik betritt dann sogar beschwingte Kinderabenteuer-Pfade in Tracks wie "The Boys Find The Cave". Alles in allem ein klangschöner Abenteuer-Drama-Score, der wieder einmal zeigt, dass Snow auch abseits der X-Akten musikalisch durchaus zu überzeugen weiß. Die Musik ist, gekoppelt mit Snows Musik zu IN THE LINE OF DUTY: SMOKE JUMPERS, auf der "Mark Snow Collection Volume 1" von Dragon's Domain Records erschienen. Die CD ist auf 500 Exemplare limitiert. Viel Spaß beim Hören!

Warner hat das Score-Album zu 1492 um die zwei Bonustracks "Line Open" und "Landscapes" erweitert neu veröffentlicht. Als CD und Doppel-LP.

Music by Steve Jablonsky Limited Edition of 3000 Units La-La Land Records, Paramount Pictures and Milan Records present a remastered and expanded 20th Anniversary CD re-issue of renowned composer Steve Jablonsky’s (TRANSFORMERS, BATTLESHIP, LONE SURVIVOR) original motion picture score to the big screen 2005 sci-fi action/drama THE ISLAND starring Ewan McGregor and Scarlett Johansson, and directed by Michael Bay. A sci-fi drama as minded about social commentary as its crackerjack action was a new challenge for director Michael Bay and he called on acclaimed composer Steve Jablonsky to provide a sonic foundation to blend the film’s cerebral elements and intimate personal drama with its blockbuster action set-pieces. Jablonsky delivered big – with a riveting, evocative score that is as propulsive as it is dreamlike and atmospheric, melding electronics and programming and orchestra in expert fashion. This deluxe 20th Anniversary expanded and remastered showcase unleashes the full brilliance of this notable work. Produced by Stéphane Humez and mastered and edited by Maxime Marion from studio vault elements, under the supervision of the composer, this special limited edition CD release of 3000 units features the film score presentation over Disc 1 and Disc 2, with additional music presented on Disc 2. The exclusive in-depth liner notes are by writer and journalist Kaya Savas, featuring a new interview with the composer. The sharp art design is by Dan Goldwasser. TRACK LISTING: DISC 1 SCORE PRESENTATION 1. The Island Awaits You 2:26 2. Missing A Shoe 1:23 3. Starkweather Lottery 1:20 4. I’m Such A Loser 0:47 5. Health Club 0:57 6. Cafeteria 2:19 7. Nice Tests 2:16 8. Going To Work – What If It’s Rigged? – Messing With Foxtrot 1:02 9. Lima In Labor / My Chip Fried – Lincoln Discovers A Moth 2:41 10. Booze 1:27 11. Agnate Ukuleles 2:39 12. Home For A Moth – Fight Simulator 1:10 13. Stim Bar 2:03 14. Good Things Do Happen – Another Lincoln Nightmare 1:42 15. You Have A Special Purpose In Life 4:35 16. Starkweather’s Demise 2:47 17. The Craziest Mess I’ve Ever Seen 5:07 18. Censor Chase 1:27 19. Sector 6 2:54 20. Selling Agnates / Laurent Arrives 2:14 21. Security Breach – Briefing Laurent 3:09 22. Route 39 0:58 23. Eat The Burger, Meet The Cow 2:32 24. Helicopters 0:51 25. These Are Mail Order 1:04 26. Send In The Clones 4:31 27. Renovatio 4:12 TOTAL DISC TIME 60:29 DISC 2 SCORE PRESENTATION CONTINUED 1. Shootout – On Foot – Train Wheels – Enter Wasps – Wasp Chase 6:31 2. The Big R 2:21 3. Gandu’s Demise – Rain Scene 1:21 4. Lincoln Meets Lincoln – Genetic Memory 2:34 5. Tom Sells Out His Clone 3:10 6. Worth Every Penny 1:15 7. Not Ready To Die 1:32 8. Ready To Die, Apparently – Laurent Is Fooled 2:35 9. This Tongue Thing Is Amazing 1:25 10. Mass Winnings 5:07 11. Busting Some Ass – Rendezvous – Laurent Questions Merrick 5:36 12. She Said, “Open The Door” – Better Call Maintenance 5:02 13. My Name Is Lincoln 3:43 ADDITIONAL MUSIC 14. Mass Vehicular Carnage 2:26 15. Starkweather Lottery (Alternate Version 1) 1:23 16. Starkweather Lottery (Alternate Version 2) 1:28 17. Health Club (Alternate) 0:57 18. Cafeteria (Alternate Version 1) 1:59 19. Cafeteria (Alternate Version 2) 2:19 20. Nice Tests (Alternate) 2:15 21. Good Things Do Happen (Alternate) 1:12 22. You Have A Special Purpose In Life (Alternate Ending) 2:09 23. Eat The Burger, Meet The Cow (Alternate) 2:32 24. These Are Mail Order (Alternate) 0:52 25. Send In The Clones (Alternate Ending) 2:02 26. Train Wheels (Alternate Version 1) 1:58 27. Train Wheels (Alternate Version 2) 1:58 28. Wasp Chase (Alternate) 1:27 29. Mass Winnings (Alternate Ending) 1:35 30. Better Call Maintenance (Alternate Ending) 0:56 31.My Name Is Lincoln (Alternate Mix) 3:42 TOTAL DISC TIME 75:16 TOTAL ALBUM TIME 135:45 This is a CD format release

Music Composed and Conducted by John Williams Limited Edition of 3000 Units La-La Land Records and Paramount Pictures proudly present a remastered CD reissue of renowned composer John Williams’ original motion picture score to the 1977 dramatic feature film thriller BLACK SUNDAY, starring Robert Shaw and Bruce Dern, and directed by John Frankenheimer. A white-knuckle suspense thriller chronicling a diabolical terrorist attack on the Super Bowl via airborne blimp needed a score to wind the film’s ticking clock tension with precision. At the time, Williams’ recent FAMILY PLOT and legendary JAWS scores made him a perfect choice to tackle BLACK SUNDAY. His score to the film is pitch-perfect – a winding tapestry of percussion and ominous atmosphere that had the audience on the edge of their seats, while the inner conflicts of the characters are explored through emotionally resonant melodic material. The composer’s remarkable ability to balance action and suspense with human drama is on full display within this remastered presentation of the Maestro’s few forays into the political thriller genre. Reissue Producer Mike Matessino has newly mixed and mastered the score from first-generation 16-track analog scoring elements, transferred in high resolution by Paramount Archives. Following the main Score Presentation, tracks of Additional Music feature three pieces of source music Williams composed for the film and the original end credits composition, “The End,” without the percussion track. This was considered as an alternative before it was decided to track tense action music over the credits. The program concludes with the music as presented for the ending of the picture, opening with the revised ending of “The Explosion.” This short cue was recorded long after the main scoring sessions. As no master element could be located, the cue is presented from the original mono dubbing stem for the film, processed for stereo. This Limited Edition CD re-issue of 3000 units features all new, in-depth liner notes from writer Jeff Bond and winning new art direction by Jim Titus. TRACK LISTING: SCORE PRESENTATION 56:04 1 Beirut :37 2 Commandos Arrive 1:15 3 Commando Raid 5:32 4 It Was Good / Dahlia Arrives / The Unloading 3:13 5 Speed Boat Chase 1:51 6 The Telephone Man / The Captain Returns 2:15 7 Nurse Dahlia / Kabakov’s Card / The Hypodermic 3:31 8 Moshevsky’s Dead 1:58 9 The Test 1:57 10 Building The Bomb 1:57 11 Miami / Dahlia’s Call 2:28 12 The Last Night 1:31 13 Preparations 2:45 14 Passed :31 15 The Flight Check 1:51 16 Airborne / Bomb Passes Stadium 1:46 17 Farley’s Dead 1:34 18 The Blimp AndThe Bomb 3:13 19 The Take Off 1:44 20 Underway :41 21 Air Chase (Part 1) 1:15 22 Air Chase (Parts 2 And 3) / The Blimp Hits 7:21 23 The Explosion 2:38 24 The End (Theme From ‘Black Sunday’) 2:17 ADDITIONAL MUSIC 8:58 25 Hotel Lobby (Source) 1:48 26 Fight Song No. 1 (Source) :52 27 Fight Song No. 2 (Source) 1:46 28 The End (Alternate Mix) 2:17 29 The Explosion (Revised Ending) / End Title (Film Edit) 2:11 TOTAL DISC TIME • 65:06 This is a CD format release.

Bei Music Box bereits bestellbar. Und wird auch sicherlich wieder sofort nach Erhalt der Lieferung von LLL verschickt.

Die Hüllen an sich sahen eigentlich immer neu aus bei LLL. Aber ich hatte auch oft das Problem, als ich noch direkt bei LLL bestellte, dass die Hüllen teilweise gesplittert oder zerbrochen hier ankamen. Oder sogar bei Doppel-CDs die Halterung für die beiden CDs aus der Verankerung gebrochen war. Das ist wohl einfach eine Kombination aus schlechter Behandlung durch die Post, besonders wahrscheinlich solange das Päckchen noch in den USA unterwegs ist, und den dünnen Hüllen, die LLL verwendet. Das merkt man einfach schon, wenn man sich mal vor allem ältere CD-Hüllen dagegen ansieht. Die waren vom Material her viel kompakter und auch dicker. Die LLL-Hüllen sind dünn und brechen gefühlt schon, wenn man sie etwas verbiegt. Aber seit ich die LLL-Veröffentlichungen bei Music Box bestelle, sind die Hüllen immer tadellos. Scheinbar verpacken sie Großbestellungen an die Händler besser, beziehungsweise werden diese von der Post besser behandelt.

Erwähnt schon noch, hauptsächlich von mir. Aber ja, so richtig Resonanz darauf gibt es eigentlich erst seit kurzem.

Kam von Quartet schon auf CD, nun auch auf LP: Quartet Records presents the premiere complete vinyl edition of cult soundtrack by Ennio Morricone for the 1983 police thriller COPKILLER (aka ORDER OF DEATH). Coproduced between Italy, France and the U.S., and directed by longtime Morricone collaborator Roberto Faenza, the film stars Johnny Rotten (famous punk-star from the group Sex Pistols), Harvey Keitel and Nicole Garcia. The plot is about a pair of corrupt cops spending their illegal cash on an uptown New York City apartment. Morricone’s score comes from the composer’s fertile period of poliziotteschi thrillers and his collaborations with Henri Verneuil in Belmondo’s French polars in the early 1980s. The music features the psychedelic, percussion-heavy and often ostinato-based cues that Morricone typically reserved for the steamy chaos of his crime-film scores. General Music released the score on LP in France and Germany in 1983 with 10 tracks. This new Quartet Records edition contains the complete scorw with 16 tracks. This limited LP edition, pressed on audiophile 140 GM yellow vinyl, has been specially restored and mastered by Chris Malone from the first-generation stereo master tapes. The luxurious artwork features the artistry of Mac. SIDE A Sinfonia d’una Città I 4:29 Sinfonia d’una Città II 4:53 Sinfonia d’una Città III 2:44 Sinfonia d’una Città IV 2:51 Tchaikovsky’s destruction 3:38 Copkiller 2:58 Nelle strade del centro 3:04 Periferia 1:49 SIDE B Momento totale 2:43 Copkiller (#2) 2:58 Sinfonia d’una Città I (alternate version) 1:43 Sinfonia d’una Città II (alternate version) 3:04 Sinfonia d’una Città II (alternate #2) 3:03 Momento totale (alternate version) 2:44 Copkiller (#3) 0:47 Copkiller (Rock music) 1:20

Und auch hier wird die Vinyl neu aufgelegt: Quartet Records and Studiocanal present the reissue of the Academy Award-winner Jerry Goldsmith’s thrilling score in a 2-LP transparent red vinyl deluxe edition! Directed by Paul Verhoeven (RoboCop, Basic Instinct) and starring Arnold Schwarzenegger and Sharon Stone, TOTAL RECALL helped change the future of cinematic imagery, while Goldsmith’s score marked a culmination of styles and techniques the composer had developed over four decades of composing for film and television. TOTAL RECALL represents one of the iconic composer’s last masterpieces, recorded with the National Philharmonic Orchestra of London, under his own baton. For this vinyl release, Quartet has mastered from the 48kHz/16-bit stereo mixes created in 2015, allowing fans of the film and of great music to experience the intrigue, the action, and the exotic world of TOTAL RECALL like never before. For the first time, the score as written for the film can now be heard on vinyl—and with the actual film performances. The album has been entirely remixed from the original digital multi-track tapes by Goldsmith’s longtime scoring mixer, Bruce Botnick. Produced by Neil S. Bulk and Botnick, and specially remastered for vinyl by Mr. Botnick with lacquers mastered by Bernie Grundman, this new edition has been pressed in gramblood- red transparent vinyl, featuring the new 30th anniversary artwork by Kyle Lambert and includes a separate booklet with authoritative liner notes from film music writer Jeff Bond that includes interviews with Botnick, music editor Ken Hall, and director Paul Verhoeven. DISC ONE. The Film Score – Part 1 SIDE A 1 The Dream (3:38) 2 First Meeting (1:11) 3 Secret Agent (0:54) 4 The Implant (2:44) 5 Where Am I? (1:07) 6 The Aftermath (0:33) 7 Old Times Sake (3:03) 8 Clever Girl (4:34) SIDE B 1 The Johnny Cab (3:50) 2 Howdy Stranger / The Nose Job (3:54) 3 The Spaceport (0:50) 4 A New Face (1:30) 5 The Mountain (1:31) 6 Identification (1:02) 7 Lies (1:04) 8 Where Am I? (4:00) 9 Swallow It (3:06) DISC TWO. The Film Score – Part 2 SIDE C 1 The Big Jump (4:35) 2 Without Air (1:17) 3 Remembering (1:48) 4 The Mutant (3:16) 5 The Massacre (2:37) 6 Friends? (1:39) 7 The Treatment (5:40) SIDE D 1 The Reactor / The Hologram (5:39) 2 End of a Dream (5:49) 3 A New Life (2:25) 4 End Credits (3:49)

Und nochmal auf Vinyl: Quartet Records and MGM present the re-issue of the first official complete vinyl edition of Burt Bacharach’s timeless classic soundtrack for the 1967 James Bond spoof CASINO ROYALE, this time in blue and orange colored vinyl! The infectious main theme performed by Herb Alpert and the Tijuana Brass is just the starting point of an epic comedy ride that includes such highlights as the unforgettable “The Look of Love,” sung by Dusty Springfield, or the epic fight music at the end of the film. Produced by record industry legend Phil Ramone, the original soundtrack LP offered selected highlights, expertly edited to showcase the best parts of the entire score. Thanks to the legendary sound quality of the stereo copies, this record became one of the most highly sought-after collectibles in the industry. This straight re-issue of our 2019 vinyl edition was produced, restored and mastered by Chris Malone, rebuilding the score from the ground up. The soundtrack album has long been considered a cornerstone of an audiophile’s collection. Lauded by The Absolute Sound, the original Colgems release continues to remain in pole position as the best sounding “popular” LP vinyl disc of all time. Malone’s work was focused on addressing unintended technical anomalies (such as filling dropouts and covering analogue splices) rather than broadly applying a modern sound palette. He has eschewed dynamic range compression and retained the brilliance of the original recording. The first LP is a fully remastered reissue of the iconic original stereo vinyl, playing in all its splendor. The second LP contains all the unreleased material, in mono, which are still the only available source to date. This special 2XLP is a limited edition pressed on 180-gram blue and orange vinyl, all of it housed in a gatefold jacket, retaining the iconic original cover art by Robert McGinnis. The package includes liner notes by Jeff Bond, with a separate insert with a tech-talk by Chris Malone. SIDE A (Stereo) Casino Royale (Main Title) (2:38). Performed by Herb Alpert & The Tijuana Brass The Look of Love (4:11) Vocal by Dusty Springfield Moneypenny Goes for Broke (1:39) Le Chiffre’s Torture of Mind (2:14) Home James, Don’t Spare the Horses (1:33) Sir James’ Trip to Find Mata (3:50) SIDE B (Stereo) The Look of Love (Instrumental) (2:50) Hi There Miss Goodthighs (1:18) Little French Boy (2:26) Flying Saucer / First Stop Berlin (3:00) The Venerable Sir James Bond (2:33) Dream on James, You’re Winning (1:20) The Big Cowboys and Indians Fight at Casino Royale / Casino Royale Theme (Reprise) (4:54). Performed by Herb Alpert & The Tijuana Brass SIDE C (Mono) Casino Royale (Main Title) (2:39). Performed by Herb Alpert & The Tijuana Brass Opening Cars Converging / To the Bond Chateau (1:55) The Black Rose / James Bond in Scotland (1:16) The Widow Duty of Lady Fiona / Wassail (3:42) The Grouse Shoot / Mimi’s Lament (2:03) Gymnasium Training (1:48) Proposals, Super 8 and Costumes (0:47) Sir James’ Trip to Find Mata / Temple Dance (3:17) Have No Fear Bond Is Here (Single Version) (2:37). Vocal by Mike Redway SIDE D (Mono) The Look of Love (Film Version) (3:48). Vocal by Dusty Springfield Sitar Background / Old Berlin House / Mata Hari School for Spies (5:09) Bond Arrival in France / Vesper in the Shower (1:28) Le Chiffre’s Magic Act (0:58) Vesper’s Kidnapping / End of Torture Sequence (1:10) Fight in Casino Manager’s Office / Dr. Noah’s Headquarters / The LSD Room (2:40) The Big Fight at Casino Royale (Film Version) / Seven Bond in Heaven / End Title (Have No Fear Bond Is Here) (6:54). Vocal by Mike Redway

Kommt nun auch auf Vinyl: Quartet Records and Paramount Pictures present a remastered color vinyl reissue of the iconic score by Philippe Sarde (GHOST STORY, LORD OF THE FLIES, PIRATES, CÉSAR ET ROSALIE) for a Roman Polanski horror tale THE TENANT. Based on the popular novel LE LOCATAIRE CHIMERIQUE by Roland Topor, the film was directed by Polanski, who also co-wrote the screenplay with his usual partner, Gérad Brach. It co-stars Isabelle Adjani, Melvyn Douglas, Shelley Winters and Jo Van Fleet. Although the film was given a cold reception at the Cannes Film Festival in 1976, over the years it has become a cult film, and one of the most valued in the career of the famous and controversial Polish director. THE TENANT was also Polanski’s third production with Paramount after the classics ROSEMARY’S BABY and CHINATOWN. One of the most important aspects of THE TENANT is that it was the first collaboration between Polanski and composer Philippe Sarde—who was only 28 years old when he composed the score. The music featured a complicated orchestration that required an unusual arrangement of the orchestra. The use of crystal harmonica gives the score a disturbing and bleak character. Pressed in 140-gram purple vinyl, this LP has been produced by Neil S. Bulk, supervised and tracks selected by the composer, remixed by Michael McDonald at Private Island Sound, and freshly remastered by Chris Malone. SIDE A Main Title (2:21) The Church (1:12) The Tooth (2:15) Delirium (3:10) Empty Window (0:27) The Bouncing Ball (1:54) They’re After Him (0:44) To Stella (0:53) Solitude (1:22) Running Away (1:08) SIDE B Dance At Robert’s (3:13) Hotel Room (0:38) The Tenant (1:06) The Park (1:19) They Tried To Kill Me (3:09) The Audience Is Ready (1:52) I’ll Show You Blood (1:38) The Final Scream (1:16) En Souvenir De Madame Choule (1:34) Final (2:27)