Alexander Grodzinski

Wobei ich das BARBENHEIMER-Phänomen nicht als Eventfilme bezeichnen würde im eigentlichen Sinne. Denn da wurde ein Hype erzeugt, der ohne Social Media gar nicht entstanden wäre. Ich meinte mit Eventfilm eher Filme, die sich aus der Masse herausgehoben haben. Weil sie große Schauwerte mit Unterhaltung verbunden haben und diese Schauwerte dann auch Highlights waren. Und über die man noch Wochen und Monate später gesprochen hat. Das ist heute gar nicht mehr möglich, weil eben durch die technischen Möglichkeiten jeder Blockbuster große Schauwerte produzieren kann. Das ist eben nichts besonderes mehr, wie es das noch in den 90ern war. Und es führt daher auch zu einer gewissen Ermüdung. Wie oft will man sich denn noch in Superhelden-Filmen anschauen, wie Großstädte plattgemacht werden? Und wie kann man das anders inszenieren, nachdem man das nun schon so oft gesehen hat, damit es frisch und neu wirkt? Nolans Filmen muss man aber zugute halten, dass sie immer gut gemachte Effekte haben. Und zwar in dem Sinne, dass sie harmonisch wirken und dem Zuschauer nicht offensichtlich ins Gesicht springen. INTERSTELLAR beispielsweise finde ich da optisch sehr gelungen, nicht überladen und die Effekte fügen sich ins Gesamtkonstrukt ein, ohne, dass sie das Schauspiel oder die Handlung überlagern. Beim Ton sieht es da schon anders aus. Da mag Nolan es laut und nicht subtil. Wobei ich ihm auch hier zugestehen muss, dass er damit immerhin der Musik in seinen Filmen einen besonderen Platz einräumt. Er will, dass sie gehört wird und begräbt sie nicht unter den Soundeffekten. Ob die Musik an sich dann gut ist oder nicht, steht auf einem anderen Blatt. Auch Camerons AVATAR-Filme finde ich optisch schon herausragend gemacht. Das wirkt auf mich alles weit weniger künstlich als beispielsweise DER HOBBIT, vor allem auch das Zusammenspiel mit den echten Schauspielern wirkt hier viel harmonischer. Gut, Cameron lässt sich auch zehn Jahre Zeit für einen Film. Da kann man auch die Effekte entsprechend besser gestalten. Sogar Wasser und Rauch, die in den meisten anderen Filmen immer künstlich aussehen, besonders in Bewegung oder wenn Charaktere damit interagieren, hat Cameron bei AVATAR natürlicher hinbekommen. Weil er eben die Zeit dafür hat, während bei anderen Blockbustern die Uhr tickt und die Effekte dann meist auch eher schlecht als recht fertig werden müssen. Da gibt es dann auch keine künstlerische Integrität mehr, da ist der Film ein reines Produkt, das auf den Markt muss, um Geld zu machen. Selbst, wenn die Leute sich dann über die Effekte beschweren, haben sie sich den Film angesehen und mehr zählt dann auch nicht mehr. Gefühlt hat man früher den Regisseuren mehr zugetraut und ihnen auch mehr Freiraum gelassen. Wäre es beispielsweise heute noch möglich, so etwas wie die ersten vier ALIEN-Filme zu machen? Wo bei jedem Film ein anderer Regisseur am Werk war, der seinen eigenen Stil umsetzen konnte? Weil man die Leute eben auch genau dafür angeheuert hat? Ich glaube, heute hätte man zu viel Angst davor, dass einem das Publikum abspringt, wenn ein Teil eines Franchises zu sehr aus der Reihe tanzt. Die Risikobereitschaft hat einfach abgenommen, natürlich auch deshalb, weil es da um unglaubliche Millionenbeträge geht.

Genau. Oder sowas wie WATERWORLD würde heute nicht mehr in dieser Form gemacht werden. Ob man den Film jetzt mag oder nicht sei mal dahingestellt. Aber genau diese von dir erwähnte Lust am Zelebrieren von Schauwerten, von Abenteuer, wirkt heute ganz anders, weil nicht jeder Film so aussah und man tatsächlich noch Höhepunkte schaffen konnte. Das waren noch Eventfilme, die es heute in der Art auch nicht mehr gibt. Natürlich auch bedingt durch die technischen Möglichkeiten, mit denen man heute im Grunde alles darstellen kann. Als 1996 INDEPENDENCE DAY ins Kino kam, war das ein richtiges Event. Der hatte Effekte, die man so zuvor in der Größe noch nie gesehen hatte. Ich kann mich nicht erinnern, wann das bei einem aktuellen Film noch so war. Weil man einfach gesättigt ist. Weil durch die unbegrenzten technischen Möglichkeiten wohl auch so ein wenig der Zauber und das Staunen verloren gegangen sind. Selbst bei der HERR DER RINGE Trilogie Anfang der 2000er saß man noch erstaunt im Kino wegen des auch optischen Zaubers. Heute wirkt selbst das schon angestaubt. Zumindest las ich auch schon von den "schlechten Effekten" der Filme, mit der Nennung aktueller Marvel-Filme als Referenz. Natürlich hat sich auch bei den Effekten in 25 Jahren viel getan. Aber ich finde, dass es heute weniger Filme gibt, die ihre Effekte wirklich kunstvoll einsetzen. Es wirkt trotz vermeintlich besserer Technik oft künstlich und einfach über alles mit der groben Kelle ausgekippt. Im Vergleich finde ich beispielsweise die Effekte im HERR DER RINGE noch viel "angenehmer" als die dann im HOBBIT.

Huch 😂

Danke für deine Ausführungen Popcorn-Kino bis in die 2000er hinein trug noch so eine gewisse Naivität in sich. Vielleicht sogar so etwas wie eine "unschuldige" Naivität, wenn es sowas gibt. Das trägt auch einen gewissen Kitschfaktor in sich, der ja durchaus auch gewollt war. Ich glaube, das fällt heute stärker auf, weil es das eben in dieser Form nicht mehr gibt. Das fällt mitunter stark bei Reboots/Remakes von Filmen aus den 80ern auf. Diese Naivität von damals ist dort dem Zynismus gewichen. Dazu muss alles ernster und düster sein, siehe BATMAN. Jemand, der mit Nolans Batman aufgewachsen ist, findet die Filme von Burton und Schumacher natürlich "corny", weil sie das natürlich auch unverhohlen waren. Selbst Superheldenfilme, die humorvoller und leichter sind, wie GUARDIANS OF THE GALAXY, sind in ihrer Ausführung und ihrem Humor eher zynisch denn naiv. Dazu gab es Filme, die in ihrer Machart so nur in den 80ern gemacht werden konnten. Ich denke da an die ganzen Sport/Martial-Arts-Filme. Diese Attitude "Glaub an dich! Du kannst es schaffen! Gib nie auf", untermalt mit entsprechender Musik, vor allem Songs (Hearts on Fire, Never Surrender, Eye of the Tiger, Burning Heart und so weiter) gab es nur in den 80ern in dieser Form. Man vergleiche nur beispielsweise ROCKY III und IV mit CREED und CREED II. Diese Attitüde ist zwar geblieben, aber diese Lust an Schwulst und ja, auch Kitsch von damals ist weg. Und die Musik hat sich dem angeglichen. Wie Trekfan es am Beispiel ROGUE ONE gezeigt hat, wirkt dieser spätromantische Einsatz der Musik im Vergleich zu dem "nüchternen" Einsatz in ANDOR eher anachronistisch und stellenweise auch unnötig melodramatisch. Ich glaube, das meint man heute mit kitschig. Ähnlich, wie vielen sicherlich auch die Musik aus Filmen der 50er, 60er und 70er in den 80ern schon zu schwülstig vorkam.

CD kommt noch im Juni.

Kommt von LLL auf CD.

Friday The 13th Part VI Jason Lives Ultimate Cut LLLCD 1666 Music by Harry Manfredini RETAIL PRICE: $17.98 AUTOGRAPHED BY THE COMPOSER! (Autographed CD booklets are available while supplies last and are NOT guaranteed). STARTS SHIPPING LATE JUNE La-La Land Records presents an all-new restored, remixed, remastered and expanded “ULTIMATE” stereo presentation of renowned composer Harry Manfredini’s original motion picture score to the 1986 feature film FRIDAY THE 13TH PART VI – JASON LIVES, directed by Tom McLoughlin. In 1986, FRIDAY THE 13 PART VI – JASON LIVES, would boast the return of Jason Vorhees himself to the franchise, much to the rabid delight of fans everywhere. And composer Harry Manfredini was right by Jason’s side, ensuring the icon’s return was a big success, crafting another brilliant FRIDAY score that honored the series’ legacy while pushing it forward full-throttle, backed by the largest orchestra amassed for the franchise up to that point! Now, in 2025, this film’s beloved score re-awakens with the release of FRIDAY THE 13th PART VI – JASON LIVES: THE ULTIMATE CUT, the newly restored, remixed and expanded presentation of composer Harry Manfredini’s (F13 PARTS 1,2,3,4,5,6, 9, 10, HOUSE, DEEPSTAR SIX), score to the famed horror franchise’s fifth sequel. Once again, album co-producer Brian Satterwhite, under supervision of Manfredini, has restored the music with exhilarating results! The score is as rejuvenated as the resurrected Jason himself! Included in this deluxe assembly is NEVER before released music! Produced by Dan Goldwasser and Brian Satterwhite, restored and mixed by Matthew Crawford, meticulously assembled and edited by Satterwhite, and mastered by James Nelson, this special CD release features exclusive liner notes by Satterwhite that provide a detailed track-by-track breakdown along with an in-depth examination of the release’s restoration and remix process. The art direction is by Goldwasser and the original cover art is by Scott Saslow. A must-have for all FRIDAY fans and film score enthusiasts!

UNION PACIFIC - THE PARAMOUNT WESTERNS COLLECTION, VOL 2: LIMITED EDITION (4-CD SET) Music by John Leipold, Victor Young, Leo Shuken, Charles Bradshaw, Daniele Amfitheatrof, Manos Hadjidakis, Cyril Mockridge, Franz Waxman, Nathan Van Cleave, Elmer Bernstein, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph and Howard Jackson Limited Edition of 1000 Units RETAIL PRICE: $59.98 STARTS SHIPPING LATE JUNE La-La Land Records and Paramount Pictures proudly present UNION PACIFIC: THE PARAMOUNT WESTERNS COLLECTION, VOL 2, a deluxe 4-CD soundtrack collection of original film score recordings from Paramount Pictures’ big-screen westerns: UNION PACIFIC (1939), THE VIRGINIAN (1946), BLUE (1968), CALIFORNIA (1947), THE PALEFACE (1948), THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (1962), RED MOUNTAIN (1951), THE LONELY MAN (1957), and THE TIN STAR (1957), and suites from TEXAS RANGERS RIDE AGAIN (1940), TOMBSTONE: THE TOWN TOO TOUGH TO DIE (1942), WHISPERING SMITH (1948), THE REDHEAD AND THE COWBOY (1951) and RUN FOR COVER (1955). Meticulously restored from Paramount Pictures’ vault elements, this exciting compilation features original score recordings from fourteen of the studio’s western features spanning the course of three decades. Several of these recordings are making their world premiere here, others are expanded beyond previous releases, and many contain material not heard in their respective films. It’s a vast frontier of musical treasures, revealing Hollywood’s top Golden Age maestros at the peak of their powers, working in a legendary genre. Composers John Leipold, Victor Young, Leo Shuken, Charles Bradshaw, Daniele Amfitheatrof, Manos Hadjidakis, Cyril Mockridge, Franz Waxman, Nathan Van Cleave, Elmer Bernstein, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph and Howard Jackson are showcased here, their music encompassing an exhilarating variety, from big orchestral movements to spare and intimate moments – and everything in-between. TRACK LISTING: DISC 1 UNION PACIFIC (John Leipold, Victor Young, Leo Shuken & Charles Bradshaw) 1. Union Pacific Prelude 1:56 2. John Brown’s Body (Traditional) / First Westward Push 1:24 3. Paddy’s Death 1:40 4. Mollie And Dick 1:45 5. Clementine (Saloon Orchestra) (Traditional) 1:17 6. The Rescue Train 1:13 7. Monahan’s Death / Farewell To Mollie 3:57 8. Beginning Of Golden Spike Ceremony / The Spike Driving 2:36 9. Union Pacific Finale / Cast 1:38 Total Time: 17:37 THE VIRGINIAN (Daniele Amfitheatrof) 10. The Virginian Prelude 1:38 11. The Challenge 1:36 12. Just A Stray 2:17 13. Trouble Ahead 1:27 14. The Hanging 3:29 15. Trampas Threatens 3:03 16. A Windy Murder And Finale 4:24 Total Time: 18:01 BLUE (Manos Hadjidakis) 17. Paramount Opening Seal 0:12 18. Blue Main Title (The River) 2:23 19. The Cave 1:23 20. Ortega’s Initiative For The Fourth Of July 1:04 21. The Mexicans Cross The River 1:47 22. Blue’s Memories / Mexican Coup 1:48 23. The Mexicans In The Village / Antonio Falls Dead 1:07 24. Blue’s Operation 1:29 25. Ortega And Blue 0:27 26. Nocturne 4:09 27. Scherzo / Have A Do 3:20 28. Morning After Love 0:57 29. Jess And Blue 2:14 30. Ortega’s Vow / Blue’s Solitude 1:59 31. Preparation Of The Villagers 3:39 32. Nocturne (Reprise) / Blue And Joanne Near The River 2:09 33. The Mexicans Are Coming 3:26 34. The Death Of Blue 2:24 35. Blue Cast 0:44 BONUS TRACKS 36. The Cave #2 0:35 37. The Cave #3 (Domingo De Ronda) 1:16 38. Blue Main Title (The River) (Alternate) 2:22 39. Ortega’s Initiative For The Fourth Of July (Alternate) 1:05 40. Blue’s Operation (Alternate) 1:23 Total Time: 43:56 TOTAL DISC 1 TIME: 79:44 DISC 2 CALIFORNIA (Victor Young) 1. California Prelude / Covered Wagon 2:29 2. Lily Evicted 0:36 3. El Capotín (Traditional) 1:24 4. Patio Waltz / Trumbo Loses Lily / Fabian Is Drafted 5:58 5. Treachery 4:02 6. Pike Slugs Lily (Gerard Carbonara) 1:08 7. The Attack (Gerard Carbonara) 4:29 8. California Finale 1:28 BONUS TRACK 9. Buffalo Gals / Rosa Lee (Traditional, Arr. Charles Bradshaw) 1:05 Total Time: 22:53 THE PALEFACE (Victor Young) 10. The Paleface Prelude 1:25 11. Jane Gets Her Man 1:31 12. Marry Me, Stupid 1:21 13. Ominous Sunset 2:02 14. Oh, That Kiss Again 0:55 15. Painless Potter Rides Again 3:11 16. The Chase 2:13 17. The Paleface Finale And Cast 0:40 BONUS TRACK 18. Indian Drums 2:40 Total Time: 16:14 THE MAN WHO SHOT LIBERTY VALANCE (Cyril Mockridge) 19. The Man Who Shot Liberty Valance Main Title 1:40 20. Cactus Rose 1:31 21. Sad Reunion / Overland Stage 5:08 22. Music Of The Bars / Four Little White Doves (Traditional) 1:40 23. A Shapely Student / A Rose For Hallie 1:29 24. The Pen And The Sword 2:10 25. Carmela (Traditional) 2:35 26. Tears And Tenderness 1:47 27. Fumare / Marianina (Traditional) 0:58 28. Langhorne Brass Band / Langhorne Bugle Band 2:56 29. Tom Shot Liberty 1:07 30. Cactus Rose Again / Finale 1:30 BONUS TRACKS 31. Liberty Of The Press (Jarabe Tapatío – Traditional) 3:26 32. Band Medley (Langhorne Is Nominated / Stoddard Is Nominated / The Last Of Tom) 2:07 33. Guitar Medley (Tom’s Adios / Peabody’s Shadow / Jarabe Tapatío) 0:59 34. Saloon Medley (Sweet Genevieve / Saloon Music / Whiskey Bottle / After Election Pts. 1 & 2 / Shinbone Saloon / Saloon Piano Sweetener) 4:10 35. Utility Drum Track 0:58 36. Camptown Races (Stephen Foster) / Solomon Levi (Fred Seaver) (Unused) 1:30 Total Time: 38:10 TOTAL DISC 2 TIME: 77:27 DISC 3 RED MOUNTAIN (Franz Waxman) 1. Red Mountain Main Title / Opening Sequence 2:32 2. The Stranger 1:40 3. Night Scene / An Unguarded Moment 5:41 4. Brett’s Soliloquy / Lane Falls Asleep / Chris Takes The Watch 5:32 5. Morning Scene 2:19 6. Brett Relieves Skee 1:55 7. Wishful Thinking / Bridge To Cave 3:05 8. The Operation / Quantrill's Blind Spot 4:40 9. Escape And Chase 1:13 10. Red Mountain Finale And End Title 0:42 BONUS TRACK 11. The Operation (Alternate Segment) 1:33 Total Time: 31:13 THE LONELY MAN (Nathan Van Cleave) 12. Paramount Seal 0:22 13. The Lonely Man Prelude (Instrumental) 1:59 14. The Prodigal Father 3:25 15. Burn And Beware 1:14 16. The Trek, Part 1 / The Cold Deck 1:10 17. The Trek, Parts 2 & 3 2:10 18. Scorned At The Stable / Hate Makes Him Evil 3:30 19. The White Stallion / Ada’s Advice 3:39 20. Losing The Stallion 1:49 21. Signs Of Blindness 2:26 22. Still The Boss 3:45 23. The Informer / The Canvas Corral / Fist Fight At The Canvas Corral 5:34 24. Something To Think About / Into A Trap 2:31 25. Then There Were Two / To The Rescue With Love 1:52 26. The Deserted Bonanza 1:16 27. Tension At The Bonanza 2:26 28. Death At The Bonanza / The Finale 4:45 BONUS TRACKS 29. The Trek (Film Segment) 1:38 30. The Trek (Alternate Segment) 0:49 31. The Finale (Harmonica Overlay) 1:31 Total Time: 48:24 TOTAL DISC 3 TIME: 79:42 DISC 4 THE TIN STAR (Elmer Bernstein) 1. Paramount Seal (Nathan Van Cleave) 0:21 2. The Tin Star Prelude / A Stranger In Town 3:15 3. Bounty Hunter 2:56 4. Morg Meets Nona 1:18 5. Kip’s Half-Injun 3:34 6. Morg Saves Ben 1:20 7. The McGaffey Brothers 1:37 8. Good Indian 3:55 9. An Ex-Sheriff 1:54 10. Stagecoach 1:23 11. New Hoss 1:11 12. New Patient 2:40 13. Ed Goes After Doc 1:37 14. Last Report 0:50 15. Kip Follows Posse 3:50 16. Morg Goes After Kip 3:33 17. Morg Captures McGaffeys 6:20 18. Bringing ’Em Back Alive / Joyous Reunion 1:31 19. Posse Returns 1:07 20. Ready For Action / Dead Silence 3:06 21. Finale 1:46 BONUS TRACKS 22. For He’s A Jolly Good Fellow (Traditional, Arr. Van Cleave) 0:47 23. Last Report (Alternate) 0:39 Total Time: 51:00 THE PARAMOUNT CORRAL (John Leipold, Gerard Carbonara, Adolph Deutsch, David Buttolph, Howard Jackson) 24. Texas Rangers Ride Again Prelude / Rangers’ Entrance / Final Scene & End Title 3:43 25. Tombstone Prelude / Clanton’s Ranch / Clanton’s Loud-Mouthing / End Title & Cast 6:23 26. Whispering Smith Prelude / Prelude (Alternate) / Wounded / Cast 6:08 27. Whispering Smith Cast (Alternate) 0:31 28. The Redhead And The Cowboy Prelude / The Chase / Foiled / Jeffers’ Heroism / Cast 5:07 29. Paramount Seal (Nathan Van Cleave) / Run For Cover Main Title (Edit) / Narrow Escape / Finale 5:44 Total Time: 27:48 TOTAL DISC 4 TIME: 78:48 TOTAL 4-DISC TIME: 5:15:41 This is a CD format release

GOLDFINGER: REMASTERED LIMITED EDITION VINYL LP LLLLP 2011 Music composed, arranged and conducted by John Barry Title Song sung by Shirley Bassey Lyrics by Leslie Bricusse & Anthony Newley Limited Edition of 700 Units “Fort Knox Bullion” Variant EXCLUSIVE to La-La Land Records La-La Land Records, Metro-Goldwyn-Mayer, EON Productions and Universal Music Enterprises proudly present a remastered and re-sequenced vinyl LP re-issue of composer John Barry's original motion picture score. The 1964 film stars Sean Connery as James Bond in his third turn as 007 and is directed by Guy Hamilton. The bold GOLDFINGER orchestral score defined the mood and style of the entire series. The historic title song, sung by Shirley Bassey, packs a sonic punch that still hits as strongly today as it did six decades ago. Thrilling, dramatic, romantic, suspenseful, exhilarating - John Barry's GOLDFINGER has it all! Produced by Neil S. Bulk, restored by Chris Malone and mastered by Doug Schwartz, this remastered LP release, pressed on 180 Gram colored vinyl, presents a new playlist - a hybrid of the UK and US album sequencing for the most complete vinyl release of the score to date. The gatefold jacket includes an 8-page booklet featuring liner notes by renowned journalist and author Jon Burlingame and sharp art design by Jim Titus. This special Limited Edition LP release is limited to 700 Units and is available as a “Fort Knox Bullion” colored vinyl variant, EXCLUSIVE to La-La Land Records!

Das ist auch ein guter Punkt. Auch für mein Empfinden können „einfache" Scores ebenfalls sehr gut funktionieren. Wie eben die von mir schon angesprochenen Sachen von Reitzell zur HANNIBAL-Serie, obwohl das über weite Strecken „nur" Geräusche sind. Aber in der Serie funktioniert das ganz hervorragend und überträgt die schwebende Bedrohung und die alptraumhaften Bilder der Visionen sehr gut. Auch hier sehe ich einfach die andere Zeit als Grund, in der Williams aufgewachsen ist. In den 30ern und 40ern musste man zwangsläufig ein klassisch studierter Komponist sein, um überhaupt Musik für Filme schreiben zu können. Da gehörte das einfach zur Kunstform Film dazu und man musste die entsprechende Bildung mitbringen. Dazu war die Klassik nun mal die vorherrschende Form in Filmen, denn Alternativen gab es ja auch kaum. Mal abgesehen von Jazz, Swing, Blues, Gospel und Volksliedern. Und da gehörte es wohl auch zum guten Ton, dass man einen handwerklich zumindest ordentlichen Orchester-Score ablieferte. Deswegen bekamen die Komponisten damals eben auch die entsprechende Ausbildung. Im Laufe der Jahrzehnte ändern sich aber nun mal auch die Seh- und Hörgewohnheiten. Viele Filme aus der Zeit, bis in die 70er hinein, wirken in ihrem Zusammenspiel von Musik, Inszenierung und Schauspiel heute eher over the top, kitschig oder einfach altbacken. Damals haben die Leute das aber sicher nicht so empfunden, weil eben die Zeit eine andere war und die Art, Filme genau so zu machen, die gängige. Selbst Filme aus den 80ern und 90ern gelten heute schon als kitschig. Oder mit dem eigentlich besseren englischen Ausdruck „corny". Ich habe auch so meine Probleme, wenn ich mir manche Filme aus den 50ern und 60ern ansehe. Auch, weil mir die Musik da oftmals einfach zu over the top ist. Und für mein Empfinden damit auch gegen das Bild läuft. Wenn in DIE DÄMONISCHEN Kevin McCarthy seinen „zweiten" Körper in der Erde entdeckt, dann ist das eigentlich ein Suspense-Moment. Die Musik stampft die Szene aber buchstäblich mit Pauken und Trompeten nieder. Ähnlich ging es mir, als ich mir mal wieder JAWS 2 angesehen habe. Ich kenne den Film seit meiner Kindheit, hab den zigmal gesehen, aber beim letzten Mal ist mir einfach aufgefallen, wie aufdringlich die Musik von Williams in manchen Szenen doch ist. Auch sie erschlägt die Bilder manchmal förmlich oder lässt eine Szene gar unfreiwillig komisch erscheinen. Etwa, wenn die Jugendlichen mit ihren Segelbooten auf's Meer fahren und sie dazu von einer Musik begleitet werden, die klingt, als würden britische Viermaster in den Krieg ziehen. Gleichzeitig finde ich aber auch, dass der Film ein gutes Beispiel für prägnante Filmmusik hat. Also Filmmusik, die dich als Betrachter tatsächlich nicht nur berieselt, sondern das Filmerlebnis nachhaltig aufwertet. Und zwar ist das die Szene gleich am Anfang, als die Taucher das Wrack der „Orca" finden und Williams dazu sein „Orca"-Thema aus dem ersten Film erklingen lässt. Da bekomme ich immernoch Gänsehaut, weil die Musik diesen tragischen Kampf gegen den Hai in sich trägt und ich sofort die Bilder aus dem ersten Film im Kopf habe. Und vor allem die Emotionen, die mich als Zuschauer auch wegen der Musik da gepackt haben. Ein weiteres Beispiel sind für mich POLTERGEIST und POLTERGEIST II. Carol-Anns Thema steht nicht nur für das unschuldige Mädchen, sondern auch für den Schrecken, den sie und ihre Familie durchleiden müssen. Und es ist ja nicht das einzige Thema im Film. Goldsmith baut hier mit seiner Musik maßgeblich die Stimmung mit auf. Das, ich nenne es mal, „Cuesta Verde"-Thema, welches im Film in verschiedenen Variationen auftaucht (tief und drohend, als Steve Freeling erfährt, dass der ganze Ort auf einem ehemaligen Friedhof gebaut wurde oder tragisch-melancholisch, als die Familie am Ende aus Cuesta Verde flieht). Das ist mir tatsächlich auch als Kind schon aufgefallen. Ich habe die Melodien wiedererkannt und hatte sie auch ohne den Film noch lange im Kopf. Und natürlich die damit verbundenen Emotionen. Und ähnlich wie in JAWS 2 geht es mir dann am Anfang von POLTERGEIST II, als Taylor in das nun verlassene Cuesta Verde fährt und das Thema wieder erklingt. Kurzum: Ja, handwerklich gut gemachte Musik kann das Filmerlebnis steigern. Das Spotting spielt dabei auch eine große Rolle. Denn wenn die Musik einfach von vorne bis hinten durch den Film dudelt, dann geht sie tatsächlich auch schnell unter oder man nimmt sie höchstens noch als Nebengeräusch wahr. Umgekehrt empfinde ich aber auch „einfachere" Musik immer wieder als das Filmerlebnis aufwertend. Beispielsweise Snows Kombination aus Ambient-Klängen und Themen in den X-Akten, ohne die der Serie ein wichtiger Punkt fehlen würde. Ist das Filigrane in der Musik wirklich nötig? Nötig vielleicht nicht, aber Leute wie Williams und Goldsmith haben eben nun mal ein gelerntes Handwerk auf einem bestimmten Niveau. Und sie können einfach nicht anders, um es mal so auszudrücken, als zumindest diesen Mindeststandard zu erfüllen. Die darauf bauende Musik ist dann eben mal mehr, mal weniger originell, aber sie fällt eben handwerklich nicht unter ein bestimmtes Niveau. Auch, wenn der Film dieses Niveau gar nicht braucht.

THE HUNTED ist so ein Beispiel, ja. Aber auch bei Sachen wie DARKNESS FALLS hört man diese „schrillen" Bläserattacken, die man eher von Goldenthal kennt. Bevor wieder der Vorwurf des Früher-war-alles-besser-Geblubbers kommt: Ich bin beileibe kein Williams-Fan, noch ein vehementer Verteidiger orchestraler Scores. Eher im Gegenteil, mein Geschmack hat sich tatsächlich in den letzten Jahren eher weg vom großorchestralen Klangapparat entwickelt. Ich höre mir beispielsweise Brian Reitzells Alben zur HANNIBAL-Serie lieber an als alles, was von Williams nach 2005 kam. Wenn orchestral, dann Goldsmith, Elfman, Barry oder Newton Howard. Ansonsten eher Badalamenti, Snow, Carpenter oder Faltermeyer/Moroder. Wäre Williams etwas jünger und noch aktiv in der Filmmusik unterwegs, hätte er es heute auch schwer. Er hat ja schon vor seinem vermeintlichen Ruhestand eigentlich nur noch für Spielberg und Lucas gearbeitet. Natürlich auch, weil er sich die Projekte aussuchen konnte. Denn auch er wollte sich sicherlich diesen Stress einer großen Produktion nicht mehr antun. Aber wenn man das mal ausser Acht lässt, für wie viele Projekte wäre er denn tatsächlich noch angefragt worden? Ihm wäre es nicht anders ergangen als McNeely und Broughton, weil sein Stil im aktuellen Blockbuster-Kino einfach nicht mehr gefragt ist. Elfman und Powell sind eigentlich die beiden, die noch weitgehend orchestrale Scores zu großen Produktionen schreiben. Ihr Stil ist allerdings auch moderner als der von Williams. Selbst im Bereich des Ambient/Sound-Design-Scores gibt es durchaus qualitative Unterschiede. Um bei Tyler zu bleiben: Seinen THE KILLING ROOM finde ich beispielsweise großartig. Ich mag diese kalte, leicht bedrohliche, aber auch melancholische Stimmung der Musik. Viele Sachen von Tomandany mag ich sehr. Wenn man es genau nimmt, hat auch Goldsmith mit Ambient und Sound Design gearbeitet. Beispielsweise seine ganze Musik in ALIEN, als sie das Wrack auf dem Planeten erkunden. Diese fremdartigen Laute durch das Didgeridoo und die Verfremdungen mit dem Echoplex ergeben ja auch keine Harmoniefolgen oder große Melodiebögen. Dafür verbindet Goldsmith diese mit seinem Thema, welches dazwischen immer mal wieder auftaucht. Tatsächlich hat mir auch Tylers SCREAM 5 gefallen. Nicht so sehr im Film, aber als Höralbum habe ich das tatsächlich gern gehört. Nicht, weil die Musik so außergewöhnlich wäre, aber ich mag die Stimmung, die sie erzeugt. Degeneration ist ein hartes Wort, so würde ich das nicht nennen. Eher Vereinfachung. Das hängt aber mit der Entwicklung zusammen, die sich eben in der Film- und Musikbranche in den vergangenen Jahrzehnten abgespielt hat. Große Studiofilme wurden immer teurer und werden, mehr denn je, nach einer Art Checkliste für Zielgruppen produziert. Denn da geht es um viel Geld und daher geht man natürlich kein Risiko ein. Man produziert etwas, von dem man denkt, dass es möglichst viele Leute konsumieren werden. Und um das zu schaffen, muss es so massentauglich wie möglich sein. Und im besten Fall auch in kleinen Häppchen funktionieren, siehe YouTube, TikTok. Dazu hat das Arbeitspensum enorm zugenommen. Deshalb haben die Komponisten heute alle ein Team um sich, denn alleine könnte man dieses Pensum in der Post-Production, wo auch gerne noch bis zum Starttag Szenen geändert und neu vertont werden müssen, nicht schaffen. Und da wäre eben eine „zu kompliziert" komponierte Musik hinderlich, weil man die schwerer auf kurzfristige Änderungen anpassen kann. Deshalb wird da eben auch viel auf gleichförmige Wiederholungen gesetzt, weil sich das ganz einfach besser (zusammen)schneiden lässt. Die Art, wie Musik konsumiert und wahrgenommen wird, hat sich ebenfalls radikal geändert. Filme und Musik haben eh das „Problem", dass sie allgemein an Wertschätzung verloren haben. Man hat heute für wenig Geld Zugriff auf Millionen von Musikstücken und Filmen. Das ist einerseits natürlich toll, in so einem Fundus stöbern zu können und seine Musiksammlung sozusagen in der Hosentasche dabei zu haben. Andererseits führt das aber eben leider auch dazu, dass Musik und Filme nicht mehr als so wertig wahrgenommen werden. Und es ja fast schon ein Affront ist, wenn man Geld dafür ausgeben soll. Auch das hat natürlich Einfluss auf die Qualität neu produzierter Musik. Erst die Tage habe ich ein altes Beispiel wieder gelesen (ich weiß, „old man yells at cloud"). Da sprach ein Hörspielproduzent über den harten Markt und meinte eben, dass die Wertschätzung der Arbeit, die hinter der Produktion eines Hörspiels steckt, bei vielen kaum noch vorhanden ist. Da werden problemlos neun Euro für einen Kaffee bei Starbucks ausgegeben, aber neun Euro für eine Hörspiel-CD sind Wucher. Ich weiß, schwierig, Musik mit Lebensmitteln zu vergleichen. Aber im Kern stimmt diese Aussage nun mal leider. Und in diesen ganzen Umständen wachsen neue Generationen heran, die es eben gar nicht mehr anders kennen. Noch nie war es so einfach und so selbstverständlich, quasi für lau Musik und Filme zu konsumieren. Und es wird eben immer schwieriger, seinen Horizont zu öffnen, wenn es nur noch schnelllebig und auf den kurzen Kick ausgelegt ist. Ganz klar sind wir für Teenie-Pop auch gar nicht mehr die Zielgruppe. Das spricht uns inhaltlich ja auch gar nicht mehr an, weil für uns mittlerweile ganz andere Themen wichtig sind. Aber diese Veränderung, diese Vereinfachung, die auch in der kommerziellen Popmusik stattgefunden hat, kann man schon feststellen.

Ich wüsste nicht, wo ich behauptet hätte, dass früher alles besser war Es war lediglich die Beschreibung einer Entwicklung, die nun mal nicht von der Hand zu weisen ist. Also ein Früher-war-es-anders-Geblubber. Aber bei deinem zweiten Punkt hast du recht, daher findet sich diese Diskussion nun hier.

Nun auch auf Vinyl.

Intrada announces an expanded edition of the 1993 Disney action-adventure film The Three Musketeers, for which composer Michael Kamen delivered a lengthy, epic score. In an unusual practice, Kamen was selected as the composer months before shooting began, a show of confidence after his work on a another, recent literary epic: Robin Hood: Prince of Thieves. Kamen’s score for The Three Musketeers is a traditional symphonic work. In view of the Baroque era in which the story takes place, he researched and incorporated period instruments such as harpsichord, recorder and crumhorn (a double reed) into the ensemble; he also wove in ornamental trills and flourishes characteristic of the period. Many of his set pieces convey an almost classical sense of structure, with recurring devices such as the driving ostinato and associated heroic figures. Kamen’s intention was for specific instruments to be associated with each of the three Musketeers and their young protégé: trumpet, tuba, flute and French horn. Kamen also lavishes equal attention on the film’s villains—snarling, descending brass motif announces the presence of both Cardinal Richelieu and his Red Guards. At the time of the film's release, Hollywood Records released a 42-minute album featuring highlights from the score. This new 2-CD release more than doubles the length of that original album, with a total score time of 98 minutes. A few alternates and source music appear after the complete program, as well as the complete original Hollywood Records program. For this release, Bruce Botnick remixed and mastered the entire score from the original digital masters. Neil S. Bulk along with Botnick produced the final master, and the release features notes by John Takis. In the film, a young man named D’Artagnan (Chris O’Donnell) travels to Paris in 1625 to follow in his father’s footsteps by joining the Musketeers—a corps of elite guardsmen who protect the King. By the time he arrives, however, the Musketeers have been disbanded by Cardinal Richelieu (Tim Curry), who seeks to usurp the throne from young King Louis XIII. In his brashness, D’Artagnan runs afoul of three of the Musketeers—noble Athos (Kiefer Sutherland), tempestuous Porthos (Oliver Platt) and pious Aramis (Charlie Sheen)—challenging each to a duel before the four men make common cause against Richelieu’s guards and their sinister captain, the Count de Rochefort (Michael Wincott). The four allies soon uncover a plot against the crown. In the end, the heroes band together—“All for one, and one for all!”—to cast down Richelieu, and D’Artagnan proudly takes his place as one of the Musketeers. CD 1 THE SCORE 01. The Cavern Of Cardinal Richelieu (Film Version) (3:29) 02. My Sister’s Honor (1:20) 03. D’Artagnan (Intended Film Version)* (2:54) 04. Musketeers Disbanded (2:29) 05. Enter The Cardinal (1:28) 06. Windmill (1:34) 07. D’Artagnan Meets Constance (4:22) 08. God’s Often Busy (1:55) 09. Palace Gate/For Me And For France (3:30) 10. Chandelier (2:21) 11. D’Artagnan Meets The Musketeers/The Ruins Fight (4:56) 12. Last Rites (1:57) 13. The Dungeon (2:48) 14. Cardinal And Milady (2:27) 15. D’Artagnan Discovered/Now We’ll Never Know (0:48) 16. Beheading (1:45) 17. Carriage Chase (6:29) 18. Into The Sunset (0:58) 19. Athos’s Story (2:37) 20. Musketeers Ride (0:32) 21. Cannonballs (Film Version) (1:10) 22. Talk Of Love (1:29) 23. Affairs Of State/Athos Cornered (5:13) 24. Rumors (3:35) 25. D’Artagnan And Milady (5:11) 26. Ship Fight (1:36) 27. Athos And Milady (2:32) 28. Milady In Jail (3:57) CD 1 Total Time: 75:24 *Not Featured in Film CD 2 THE SCORE (Cont.) 01. Musketeer Montage/Spotting The Gun (2:55) 02. Brass Fanfare (1:00) 03. Race To The Gun/Courtyard Battle (4:02) 04. Saving The King/Throne Room Battle (3:52) 05. The Musketeers Search For The King (2:21) 06. Porthos And Ugly/D’Artagnan Defeats Rochefort (3:28) 07. The Fourth Musketeer (Choir Version)* (5:21) Total Score Time: 98:23 THE EXTRAS 08. My Sister’s Honor (Alternate)* (1:21) 09. D’Artagnan* (Alternate) (2:55) 10. Tavern Source (1:42) The Extras Time: 5:58 1993 SOUNDTRACK ALBUM 11. All For Love (4:43) (Performed by Bryan Adams, Rod Stewart and Sting) 12. The Cavern Of Cardinal Richelieu (Overture – Passacaille) (2:58) 13. D’Artagnan (Galliard & Air) (3:19) 14. Athos, Porthos And Aramis (Courante) (5:21) 15. Sword Fight (Bransle) (3:19) 16. King Louis XIII, Queen Anne And Constance – Lady In Waiting (Gavotte) (5:06) 17. The Cardinal’s Coach (Estampie) (4:43) 18. Cannonballs (Rigadoon) (3:27) 19. M’Lady DeWinter (Lament) (4:16) 20. The Fourth Musketeer (Concert Royaux) (5:20) Soundtrack Album Time: 42:32 CD 2 Total Time: 71:30)

Persönliche Interessen spielen auch eine Rolle. Nicht jeder will der nächste Goldsmith werden. Wobei ich diese Vergleiche auch immer etwas müßig finde. Leute wie Goldsmith und Williams sind Ausnahmetalente, aber nicht die Regel. Sie scheinen heute natürlich noch heller, wenn man sie mit der aktuellen Filmmusik vergleicht. Aber der Vergleich hinkt etwas, denn weder Goldsmith, noch Williams waren in dem musikalischen Umfeld tätig, das heute herrscht. Für die letzten großen Produktionen, die Williams noch gemacht hat, wie STAR WARS und INDIANA JONES, musste der Workflow für ihn dann ja auch angepasst werden. Sonst hätte er das zeitlich gar nicht geschafft, weil er eben kein Team von Leuten hinter sich hat. Die Music Editors mussten dann ja auch da am Ende nachhelfen. Tyler hatte eigentlich von Anfang an, ähnlich wie Elfman, eher so eine Rocker-Attitüde. Das drückte sich bei ihm eben auch musikalisch aus. Viele seiner Sachen sind in puncto Ausführung, Percussion und Lautstärke ja tatsächlich eher dem Hardrock/Heavy Metal näher als der Klassik. Aber ich finde, dass es auch bei Tyler einen Unterschied macht, aus welchem Jahr eine Musik stammt. Hört man sich seine Sachen von vor zwanzig Jahren an beispielsweise, dann erkenne ich da schon mehr „Lust" am Umgang mit dem Orchester und der Orchestration. Das hängt dann auch mit den Orchestrieren zusammen, die damals wohl ebenfalls noch versierter im Umgang mit einer Partitur waren. Elfman hatte Shirley Walker, Tyler hatte Goldenthals Orchestrator Robert Elhai, was man seinen Scores aus der Zeit auch anhört. Ich glaube, selbst so etwas wie BUBBA HO-TEP würde Tyler heute nicht mehr so schreiben wie damals. Das klänge heute alles viel fetter, dafür sicher weniger melodiös. Tyler hat sich eben einfach, wie viele andere auch, dem angepasst, was gefordert wird. Das ist irgendwann eben auch eine Frage, wie viele Jobs du noch bekommen willst. Tyler hätte sicher seine Scores feiner orchestrieren und komponieren können. Aber wie viele Jobs bekommst du mit einem „altmodischen" Orchesterscore heute noch? Man muss sich ja nur ansehen, für wie viele Großprojekte Leute wie McNeely oder Broughton in den letzten 15, 20 Jahren noch gebucht wurden. Da wird es schon dünn. Wenn du eben für einen bestimmten Sound stehst, dann kann es eben sein, dass dieser Sound irgendwann einfach nicht mehr gefragt ist. Barry erging es ja ähnlich am Ende seiner Karriere. Wenn man sich dann nicht anpassen will oder kann, ist man eben schnell weg vom Fenster. Dabei gibt es auch heute noch durchaus Talente wie Williams oder Goldsmith. Sebastian würde jetzt ganz schnell Christopher Gordon sagen. Der komponiert handwerklich auf einem hohen Niveau. Aber den würde sicher keiner für einen FAST AND THE FURIOUS engagieren. Was Gordon sicherlich auch nicht annehmen würde. Dafür macht das eben Tyler und sackt die Millionen ein. Bei Tyler kommt auch noch dazu, dass man ihm eine gewisse Selbstverliebtheit und „Fame-Geilheit" wohl nicht ganz absprechen kann. Der Mann ist ja nun auch schon über 50, präsentiert sich auf Instagram aber gern als hipper Influencer, mit Baseball-Cap, Model-Freundin und vom Schönheits-Doc gemachtem Gesicht. Wenn es ihn glücklich macht, soll er doch machen. Aber, um es mal so auszudrücken, genau nach dieser „Attitude" klingt auch seine Musik.

Die Filmmusik hat sich in den letzten Jahrzehnten immer schon auch den gerade modernen Strömungen der Popmusik angepasst. In den 20er/30er/40er-Jahren waren das Jazz, Swing und Blues, in den 50ern und 60ern kam dann Rock 'n' Roll dazu, die 70er hatten Disco, die 80er Elektro-Pop, die 90er Techno und so weiter. Dazu führte bereits der Einsatz von Synthesizern ab den 60er Jahren zu einer Veränderung der Klangsprache. Und natürlich eröffneten Synthesizer auch ganz neue Möglichkeiten für Komponisten. Man brauchte kein Orchester mehr für eine Filmmusik, man konnte sie nun auch komplett elektronisch erzeugen. Dieser Trend hat sich bis heute fortgesetzt. Heute kannst du praktisch alles in deinem Zimmer an deinem Rechner an Klängen bauen und erzeugen, wofür du früher ein Orchester oder teures Studioequipment gebraucht hast. Dazu kommt noch, dass sich spätestens seit den 80er Jahren die Vermarktung von Filmen geändert hat. Beginnend mit JAWS und STAR WARS gab es plötzlich sogenannte Blockbuster. Infolge dessen suchten die Produzenten natürlich nach Möglichkeiten, immer noch mehr Gewinn mit einem Film zu machen, zumal die Filme ja auch immer teurer wurden. Also wurde auch die jeweils aktuelle Popmusik als Filmmusik wichtiger. Denn wenn die Musik im Film möglichst dem entspricht, was die Teenager gerade so hören, dann gehen auch mehr ins Kino. Und sie kaufen die Platte dazu. Unter diesem Gesichtspunkt entstanden viele Filmmusiken der 80er. Damals standen Score und Popsongs aber im besten Fall noch Seite an Seite und ergänzten sich gut, siehe GHOSTBUSTERS oder BACK TO THE FUTURE. Manche Filme lebten sogar fast ausschliesslich von ihren Popsongs, siehe FLASHDANCE oder TOP GUN. Ridley Scotts LEGEND wurde doch ein „Opfer" dieses Trends, da der damalige Universal-Chef Sid Sheinberg der Meinung war, dass man mehr Teenager ins Kino locken kann, wenn man den Goldsmith-Score durch einen Pop-Synthie-Score von Tangerine Dream ersetzt. Aus dem gleichen Grund durfte dann auch Giorgio Moroder einen Teil des Doldinger-Scores in der US-Version von DIE UNENDLICHE GESCHICHTE ersetzen und schrieb mit „The Neverending Story", gesungen von Limahl, gleich noch einen Welthit dazu. Seit damals spiegelt die Filmmusik auch immer, so stark wie nie zuvor, die aktuelle Popmusik. Dazu kommen die hier bereits angesprochenen Punkte. Komponisten, die nachwachsen, wachsen in der jeweils aktuellen Strömung der Film- und Popmusik auf. Ebenso wie andere Filmschaffende, Regisseure, Produzenten. Daher wenden sie diese Strömungen natürlich auch an. Ein Score a la Goldsmith und Williams gilt heute als altmodisch und unmodern. Auch wegen der Themen. Das ist ein weiterer Punkt. Scheinbar empfinden besonders jüngere Leute heutzutage eine erkennbare, längere Melodie in einer Filmmusik als kitschig. Zumindest las ich das mal in einem Artikel, in dem es allerdings eher um die Entwicklung der Popmusik ging. Denn auch da lässt sich feststellen, dass längere Melodiebögen, wenn es kein gecoverter Song von früher oder Hommage an etwas von früher ist, so gut wie nicht mehr auftauchen. Ausnahmen sind noch Singer-Songwriter-Sachen, aber die meisten angesagten Popsongs haben doch heute ausser einem mehr oder weniger prägnanten Hook kaum noch längere Harmoniefolgen. Das ist eine Entwicklung, die tatsächlich eher gesellschaftlich zu verorten ist. Durch die Technik und das Internet ist unsere Welt so schnelllebig geworden, dass die Aufmerksamkeitsspanne der Menschen immer kleiner wird. Wie viele Menschen unter 25 schauen sich denn noch in Ruhe einen zweistündigen Film an, ohne auf's Smartphone zu schauen? Oder hören sich ein Musikalbum von vorne bis hinten an? Dazu gibt es TikTok, wo es darauf ankommt, seinen Content in wenigen Sekunden rüber zu bringen, damit die Betrachter nicht weiterscrollen. Und gefühlt werden Popsongs heute gezielt darauf geschrieben, dass man den Hook problemlos in einem Zehn-Sekunden-TikTok-Video verwerten kann. Man sieht sich keinen kompletten Film mehr an, sondern klickt sich durch Einzel-Clips auf YouTube. Oder sieht sich den Film in doppelter Geschwindigkeit an. Und das spiegelt sich eben auch in der aktuellen Filmmusik wieder. Die Komponisten von heute hatten andere Lehrer und andere musikalische Zeiten, in denen sie aufgewachsen sind, als eben noch ein Williams oder Goldsmith. Dazu kommt es bei sündhaft teuren Blockbustern nicht mehr auf die Qualität der Musik an, sondern dass da jemand ist, der das Gewummer von vorne bis hinten in der gegebenen Zeit fertig bekommt. Goldsmith änderte doch bereits Anfang der 90er seine Herangehensweise dahingehend, dass er seine Scores wesentlich ökonomischer orchestrierte, weil man vieles davon unter den lauten Soundeffekten eh nicht mehr hörte. Einige Musiker aus dem Rockbereich sagen doch schon seit Jahren, dass die Arbeit mit den großen Labeln keinen Spaß mehr macht. Weil da keine Musikkenner mehr sitzen, sondern nur noch Geschäftsleute. Manager und Produzenten wollten natürlich schon immer auch Geld verdienen, aber in früheren Zeiten saßen da eben auch oft Leute, die gleichzeitig noch was vom Handwerk der Musik und von Musikgeschichte verstanden. Und vor allem deshalb auch öfter mal ihrem Bauchgefühl vertrauten. Heute geht es nur noch um die nackten Zahlen. Und das ist im Filmgeschäft nicht anders. Natürlich gibt es hier und da noch orchestrale Scores in teuren Studioproduktionen. Aber auch hier hat der Trend der Klangtapete schon lange Einzug gehalten. Beispiele wurden ja schon genannt. Bei PICARD setzt man auf einen orchestralen Sound, weil es eben Star Trek ist. Und es klingt dann ja auch wie Star Trek, aber es fehlt eben das gewisse Etwas, was ein Goldsmith oder Horner noch mitgebracht hat. Deshalb wirken ihre Themen, wenn sie dann mal auftauchen, fast schon wie Fremdkörper in der sonst eher gesichtslosen Masse gleichförmigem Gedudels. Weil eben der Rest der Musik nicht mit der gleichen Finesse gearbeitet ist. Auch hier gibt es natürlich Ausnahmen, aber die bestätigen dann eher die Regel.

Kommt am Dienstag.

Snow Files of the Week: Suite from "MillenniuM - Season One" (1996/97). Chris Carters zweite Serie begann ihre drei Staffeln andauernde Laufzeit mit den höchsten Einschaltquoten, die eine Pilotfolge je auf dem FOX Network haben sollte. Im Laufe der drei Staffeln schwanden die Zuschauerzahlen aber mehr und mehr, was zur Absetzung nach der dritten Staffel führte. Ein Grund dafür dürften die unterschiedlichen Staffeln sein, die der Serie immer wieder einen anderen Fokus geben. Fank Black, gespielt von Lance Henriksen, ist ein Profiler, der für das FBI arbeitete. Nach einem Nervenzusammenbruch verliess er das FBI und schloss sich einer Gruppe von Leuten an, der "MillenniuM"-Gruppe, die aus ehemaligen FBI- und CIA-Agenten, sowie ehemaligen Polizisten besteht. Die Gruppe steht der Polizei bei besonders schwierigen Fällen beratend zur Seite. Frank hat eine Gabe, er kann sehen, was der Killer sieht. Nicht wie ein Hellseher, Frank spürt das Böse und seine Gabe lässt Bilder in seinem Kopf entstehen. Der damals nahende Jahrtausendwechsel ist ebenfalls ein Thema der Serie, es gibt immer wieder Bezüge auf biblische Prophezeihungen. Marks Musik ist düsterer als bei den X-Akten, aber immer wieder durchbrochen von eher melancholischen Stücken. Er benutzt eine Violine als Hauptinstrument in seiner Musik, welche Franks Abenteuer stets begleitet, meist mit Variationen des Hauptthemas. Das ist ein großer Unterschied zu den X-Akten, bei denen das Hauptthema innerhalb einer Folge nur selten auftaucht. Während der ersten Ausstrahlung der Serie gab es kein Score-Album. Jahre später erschien auf iTunes ein Album mit dem Titel "Best of MillenniuM", welches Tracks aus allen drei Staffeln enthielt. 2008 veröffentlichte LLL eine Doppel-CD mit der Musik der Serie, limitiert auf 2.000 Stück. Das Set war ein Jahr später ausverkauft und wurde 2015, limitiert auf 1.000 Stück, neu veröffentlicht. Auch die zweite Auflage ist mittlerweile out of print. Viel Spaß beim Hören!

Neu von Quartet: Quartet Records, in collaboration with GDM and Universal Music Publishing Italia, presents a remastered reissue of the ultimate edition of Ennio Morricone’s score for Elio Petri’s 1973 social drama-comedy LA PROPRIETÀ NON E’PIÙ UN FURTO (aka PROPERTY IS NO LONGER A THEFT), a grotesque satire about a neurotic Marxist bank teller who quits his job and sets his sights on stealing everything—from tools to a mistress—from one of his former clients, a successful butcher. Starring Ugo Tognazzi, Flavio Bucci and Daria Nicolodi, this film is the last chapter in Petri’s famous trilogy of the Neurosis, after INDAGINE SU UN CITTADINO AL DI SOPRA DI OGNI SOSPETTO and LA CLASSE OPERIA VA IN PARADISO. Ennio Morricone returns to the timbral and electronic exploration carried out in the two previous films, replicating the noises of the modern, oppressive and futuristic city. He also employs a grotesque march to accompany the actions that the institutions of the law pursue: theft, kidnapping, fraud. However, the music departs from those earlier scores not only because of the formal language employed, dominated by the use of voices and avant-garde compositional techniques, but also because of an openly painful tone, of the slowed-down disbelief in decadence. In 1973, RCA released the score on LP in Italy; they reissued it on CD in the 1990s. In 2009, GDM released an expanded edition containing virtually the entire score recorded by Morricone but that has long been out of print. This is a reissue of that release, freshly remastered by Chris Malone from the original master tapes and supervised by Claudio Fuiano. The package includes an essay by Miguel Ángel Ordóñez discussing the film and the score. The Original Album 1. La proprietà non e’più un furto 2:38 2. Colpo 2:55 3. Ritratto di Anita 1:45 4. L’ultimo ascensore 2:27 5. Io sono… “avere” tu sei… “avere” 3:41 6. Al ladro 2:35 7. Io ho, tu hai 1:53 8. Rapina 1:49 9. Sui tetti 2:39 10. Mostra antifurto 4:11 11. Se po’ di… radica 1:38 12. Immobile come una bistecca 2:50 13. Albertone e Total 1:20 Film Versions 14. La proprietà non e’più un furto (#2) 4:20 15. Colpo (#2) 2:23 16. Al ladro (#2) 2:41 17. Immobile come una bistecca (#2) 2:08 18. Io ho, tu hai (#2) 3:45 19. Albertone e Total (#2) 2:37 20. Rapina (#2) 2:15 21. La proprietà non e’più un furto (#3) 3:15 22. Mostra antifurto (#2) 4:11 23. L’ultimo ascensore (#2) 2:04 24. Albertone e Total (#3) 1:56 25. Colpo (#3) 2:53 26. La proprietà non e’più un furto (#4) 2:07 Total Disc Time: 69:08 Quartet Records, in collaboration with GDM and EMI General Music Publishing, presents a remastered edition of the iconic and long out-of-print score by Berto Pisano for the action-adventure film KILL! (1971). The film was written and directed by novelist Romain Gary (who only directed two films), and starred Stephen Boyd, Jean Seberg, James Mason, Curt Jüngens and Aldo Sambrell. KILL! was a chaotic mess, with actors who didn’t know what they were doing and a far-fetched plot about Interpol investigating the freelance murders of drug and porn dealers in Pakistan. Over time, however, the film has become a funny and entertaining subgenre pulp cartoon. The score by Berto Pisano (co-composed by the unknown Jacques Chaumont, who, according to several sources, can be a pseudonym for Pisano himself) deserves special mention. One of Pisano’s great skills was his ability to combine Italian musical tradition with new sounds emerging at the time. In KILL! the composer provides a cocktail of exotic sounds, exciting action passages and sophisticated erotic motifs. The title song is performed by the Queen of Soul, Doris Troy, and the love theme features the whisperings of Jean Seberg and the chorus of Alessandroni. KILL! was originally released on LP in Italy by General Music (whose original cover art we have retained for this Quartet CD) and in Japan by Seven Seas. Later, the CD was issued three times in Japan by three different labels, but all of them have been out of print for years. This is the first European release of the score on CD. It has been remastered and restored by Chris Malone from the original stereo master tapes, and the booklet includes liner notes by Miguel Angel Ordóñez. Kill Them All! (Main Titles) 3:00 Nella Moschea 2:14 Hiasmina 2:20 Allucinazioni 3:25 Inchiesta 1:44 Khanpur 2:20 Kill Them All! (Alternate) 4:26 To Jean (Vocal: Edda Dell’Orso) 3:12 Senza Tregua 3:20 Il Deserto 2:10 Hiasmina (Voice: Jean Seberg) 2:18 Souk Tawil 2:49 Inchiesta (Alternate) 3:49 Kill Them All! (Vocal: Doris Troy) 3:17 Quartet Records, in collaboration with GDM and EMI General Music Publishing, presents an expanded and remastered edition of Armando Trovajoli’s infectious score for the Ettore Scola film noir IL COMMISSARIO PEPE (1969), starring Ugo Tognazzi and Silvia Dionisio. The film is about Pepe (Tognazzi), a police commissioner in a little town in the Italian Venetian province who investigates a prostitution ring run by two pensioners. During his investigations he also learns that a former manicurist has shacked up with ten students, the prefect’s daughter prostitutes herself to keep her pimp, a famous doctor has sex with his young patients, a headmaster has his eyes on the pupils, a noblewoman organizes orgies in her villa, the local convent is run by a lesbian and his own girlfriend poses for a hardcore magazine. He wants everything to come out in the open, but his superior put obstacles in his way. The collaboration between Armando Trovajoli and Ettore Scola has been one of the most celebrated in Italian cinema during their four decades together, producing classics such as L’ARCIDIAVOLO, BRUTTI SPORCHI E CATTIVI, DRAMMA DELLA GELOSIA, LA TERRAZZA, LA FAMIGLIA and PASSION D’AMORE, among others. For Scola, Trovajoli’s music was the voice of his films, the single element that really completed them. In IL COMMISSARIO PEPE, he contributed one of his most celebrated scores, with the famous song “We’ll Keep Trying,” performed by Lydia McDonald, as well as several urban and bittersweet themes to showcase the world of moral decay depicted in the film. The recording also featured other prestigious collaborators such as I Marc 4, Edda Dell’Orso, and Alessandro Alessandroni, making this score even more iconic. A selection of 10 cues from IL COMMISSARIO PEPE was released on LP in Italy by RCA at the time of the film’s premiere. The same program was released on CD in the 1990s as part of a compilation dedicated to Ugo Tognazzi by Point Records. An extended 18-track version was released in Japan in 2006 in a limited edition. This is the first time the complete score has been released. Produced by Claudio Fuiano, restored and mastered by Chris Malone, the booklet includes a detailed essay by Miguel Ángel Ordóñez on the film, the score and the relationship between Trovajoli and Scola. The Original Album 1. Theme 3:37 2. Beat for a nun 2:06 3. A lonely man 3:34 4. We’ll keep trying (Vocal: Lydia McDonald) 2:57 5. Masquerade 3:39 6. Love is a woman 2:32 7. Surrender 2:45 8. Waltz theme 1:48 9. Love theme 2:24 10. Final 2:59 Film Versions 11. Theme (# 2) 3:44 12. We’ll keep trying (Instrumental) 3:36 13. Theme (# 3) 1:16 14. Il commissario Pepe (Jazz lounge) 3:57 15. Theme (# 4) 1:26 16. Il commissario Pepe (Shake) 1:17 17. Surrender (# 2) 2:42 18. Theme (# 5) 2:40 19. Beat for a nun (#2) 1:01 20. Walz theme (#2 – fast) 0:39 21. Theme (# 6) 1:47 22. Surrender (#3) 1:46 23. Theme (#7 – organ) 1:08 24. Final (#2 – alternate) 2:13 Total Disc Time: 58:25

Neu von BSX/Dragon's Domain: Dragon’s Domain Records presents BATTLE OF NERETVA, featuring music composed by Bernard Herrmann (CITIZEN KANE, PSYCHO, TAXI DRIVER) for the 1969 historical epic directed by Veljko Bulajic, written by Ugo Pirro, Stevo Bulajic, Ratko Djurovic and Veljko Bulajic, starring Yul Brynner, Hardy Krüger, Franco Nero, Sylva Koscina, Orson Welles, Curd Jürgens, Anthony Dawson, Milena Dravic, Sergey Bondarchuk, Ljubisa Samardzic and Bata Zivojinovic. To film this epic chronicle of raw courage and stubborn savagery, executive producers Henry T. Weinstein and Anthony B. Unger chose Veljko Bulajic, the renowned Yugoslav director noted for his adroit handling of large-scale subject matter. Military experts from [the former] Yugoslavia, Germany, and Italy each contributed to the battle scenes with tanks, artillery, planes and cannons. Special effects were provided by Barrandow Studios in Prague, while the [former] U.S.S.R. supplied a team of pyrotechnicians. Four 1943 Bosnian villages and a complete fortress were constructed for destruction by aerial bombardment. For the director’s cut of BATTLE OF NERETVA, Vladimir Kraus-Rajteric composed the original score where the music is sparsely utilized, primarily to drive the human drama and not the action sequences. It is not a typical Hollywood-style score, which often serves to romanticize war as heroic conflict. Rather, it emphasized the suffering. Kraus-Rajteric’s music, frequently interpolated with partisan songs, was also retained in edits created for Germany and Italy. Due to the extensive editing for the English-language versions, Kraus-Rajteric’s score was rejected as it could not be effectively altered to fit the new interpretation, and Bernard Herrmann was engaged to compose a replacement score that would be more familiar to our audiences. For the score, Herrmann chose the London Philharmonic Orchestra, augmented by a large brass and percussion section, a total of 120 pieces, to perform this epic work under his direction. Bernard Herrmann is one of the greatest composers of motion picture music in the twentieth century. He is considered the man behind some of the most original and distinctive film scores. He was a master at evoking psychological and dramatic tension in his music to suit the dramatic needs of a film. He won his only Oscar in 1947 for writing the score for THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER. Herrmann made a powerful mark in radio and in 1934 he began a 25-year career as a conductor and composer in radio, working for the CBS. In 1938, he scored the notorious infamous presentation of Orson Welles’ Halloween production of H. G. Wells’ THE WAR OF THE WORLDS broadcast. He is best remembered for his collaborations with some of Hollywood’s most celebrated film directors like Alfred Hitchcock, Orson Welles, Martin Scorsese and Brian DePalma. Described as a perfectionist, he believed that most directors didn't have a clue about music so he would blithely ignore their instructions. His filmography includes CITIZEN KANE, THE MAGNIFICENT AMBERSONS, NORTH BY NORTHWEST, PSYCHO, VERTIGO, MYSTERIOUS ISLAND, CAPE FEAR, FAHRENHEIT 451, OBSESSION, TAXI DRIVER and many hours of episodic television including THE TWILIGHT ZONE and HAVE GUN, WILL TRAVEL, among others. Born on December 14, 1924 in Zagreb, Croatia (now part of the former Yugoslavia), Vladimir Kraus-Rajteric is best known for NIGHTS AND DAYS and the anti-war ATOMIC WAR BRIDGE. He passed away on July 29, 1996. Originally released in the early days of compact disc, Dragon’s Domain Records is excited to bring BATTLE OF NERETVA back to the marketplace, featuring music composed and conducted by Bernard Herrmann, performed by the London Philharmonic Orchestra, newly remastered by James Nelson at Digital Outland. For the first time, selections from Vladimir Kraus-Rajteric's score from BATTLE OF NERETVA are presented on this release from the best possible elements. The booklet includes liner notes written by author David Hirsch. BATTLE OF NERETVA is a limited edition release of BATTLE OF NERETVA will begin shipping the week of May 19th, 2025. 01. Prelude (2:33) 02. The Retreat (3:42) 03. Separation (4:02) 04. From Italy (3:18) 05. Chetniks’ March (1:49) 06. Farewell (1:51) 07. Partisan March (1:31) 08. Pastorale (2:00) 09. The Turning Point (5:18) 10. The Death of Danica (2:14) 11. Victory (2:35) BONUS TRACKS 12. Danica’s Theme (3:26) The Roland Shaw Orchestra BATTLE OF NERETVA EUROPEAN SUITE Music Composed by Vladimir Kraus-Rajteric 13. Part 1 (4:27) 14. Part 2 (3:11) 15. Part 3 (3:23) Total Time: 46:01 Dragon’s Domain Records presents RETURN FROM THE RIVER KWAI, featuring music composed by the legendary Lalo Schifrin (MISSION: IMPOSSIBLE, BULLITT, DIRTY HARRY, ENTER THE DRAGON) for the 1989 war drama directed by Andrew V. McLaglen (THE DEVIL’S BRIGADE, THE UNDEFEATED, THE WILD GEESE), written by Joan Blair, Clay Blair, Jr. And Sargon Tamimi, starring Timothy Bottoms, Nick Tate, George Takei, Edward Fox, Denholm Elliott, Richard Graham, Chris Penn and Tatsuya Nakadai. Released theatrically in 1989 everywhere except the United States, RETURN FROM THE RIVER KWAI was based upon the book of the same name published by Simon & Shuster in 1989 and written by Clay Blair, Jr. with the assistance of his wife, Joan. It was a re-account of one of the last untold stories of World War II. Considered a work of non-fiction, the book tells the factual account of what happened to the 2,218 Australian and British POWs, and a lone American soldier, who survived what came to be known as ‘the Death Railway’. Father and son producers Kurt and Daniel Unger engaged composer Lalo Schifrin to compose the score for RETURN FROM THE RIVER KWAI. As an addition to the Schifrin score, a further theme was commissioned for the film from Japanese New Age composer Kitarô. Recording of the Lalo Schifrin score took place in July, 1988 at the Studio Palais de Congrès in Paris. The ‘Japanese Theme’ by Kitarô was recorded by the composer at his home in Tokyo. A few years later, Kitarô would be hired by Oliver Stone to score his film HEAVEN AND EARTH. As a young man in his native Argentina, Lalo Schifrin received classical training in music and also studied law. He came from a musical family, and his father, Luis Schifrin, was the concertmaster of the Philharmonic Orchestra of Buenos Aires at the Teatro Colon. Schifrin continued his formal music education at the Paris Conservatory during the early 1950’s, studying with numerous teachers including famed composer Olivier Messiaen. Simultaneously, he became a professional jazz pianist, composer and arranger, playing and recording in Europe. When Schifrin returned to Buenos Aires in the mid 1950s, he formed his own big concert band. It was during a performance of this band that Dizzy Gillespie heard Schifrin play and asked him to become his pianist and arranger. In 1958, Schifrin moved to the United States and thus began a remarkable career. Lalo Schifrin has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are MISSION: IMPOSSIBLE, MANNIX, THE FOX, COOL HAND LUKE, BULLITT, DIRTY HARRY, THE CINCINNATI KID, THE AMITYVILLE HORROR. Recent scores include TANGO, BRINGING DOWN THE HOUSE, THE BRIDGE OF SAN LUIS REY, AFTER THE SUNSET, the RUSH HOUR films and ABOMINABLE. Originally released on compact disc in 2008 and very scarce, Dragon’s Domain Records brings RETURN FROM THE RIVER KWAI back to the marketplace, featuring music composed by Lalo Schifrin, including the Japanese Theme composed by Kitarô, performed by the Paris Philharmonic Orchestra. The music has been newly mastered by James Nelson at Digital Outland and the liner notes written for the previous release by Darren Allison have been reprised. RETURN FROM THE RIVER KWAI is a limited edition release of and is expected to begin shipping the week of May 19th, 2025 . 01. Main Title (2:24) 02. Destroyed Bridge / Meo Tribesmen (1:46) 03. Firing Squad / Time and Change (2:07) 04. Headman / Crawford (2:39) 05. No Glory In Dying (3:47) 06. Miller’s Head / Final Mission (2:12) 07. Cambodia (1:47) 08. Brasil Maru (2:55) 09. Rickshaw / Runaway (3:04) 10. Crash Position / Gangplank / Japanese Theme** (3:10) (** - Kitarô) 11. Stretcher (1:19) 12. Dive / Like A Shark (2:55) 13. The Take (3:03) 14. Sit Tight / Anchor Chain (3:25) 15. Escort Hit / Abandon Ship / Sinking (6:17) 16. End Titles / Pack Up Your Troubles In Your Old Kit Bag and Smile, Smile, Smile*** (2:46) (*** - Felix Powell, George Asaf) 17. Japanese Theme** (6:34) Performed by Kitarô 18. Rule, Britannia* (0:45) (Thomas Augustine Arne) Total Time: 53:42 Dragon’s Domain Records presents THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN, featuring music composed by Bernard Herrmann and including music from the films CITIZEN KANE, THE MAGNIFICENT AMBERSONS, THE DAY THE EARTH STOOD STILL, THE KENTUCKIAN, THE NIGHT DIGGER, SISTERS, BATTLE OF NERETVA and more. THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN consists of new recordings (from the late 1980s and early 1990s) performed by the Australian Philharmonic Orchestra, conducted by Tony Bremner, the National Philharmonic Orchestra, conducted by Fred Steiner, in addition to the original soundtrack recordings performed by the Sessions Of London Orchestra, conducted by the composer, the London Studio Orchestra, conducted by the composer and the London Philharmonic Orchestra, also conducted by the composer. Bernard Herrmann is one of the greatest composers of motion picture music in the twentieth century. He is considered the man behind some of the most original and distinctive film scores. He was a master at evoking psychological and dramatic tension in his music to suit the dramatic needs of a film. He won his only Oscar in 1947 for writing the score for THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER. Herrmann made a powerful mark in radio and in 1934 he began a 25-year career as a conductor and composer in radio, working for the CBS. In 1938, he scored the infamous presentation of Orson Welles’ Halloween production of H. G. Wells’ THE WAR OF THE WORLDS broadcast. He is best remembered for his collaborations with some of Hollywood’s most celebrated film directors like Alfred Hitchcock, Orson Welles, Martin Scorsese and Brian DePalma. Described as a perfectionist, he believed that most directors didn't have a clue about music so he would blithely ignore their instructions. His filmography includes CITIZEN KANE, THE MAGNIFICENT AMBERSONS, NORTH BY NORTHWEST, PSYCHO, VERTIGO, MYSTERIOUS ISLAND, CAPE FEAR, FAHRENHEIT 451, OBSESSION, TAXI and many hours of episodic television including THE TWILIGHT ZONE and HAVE GUN, WILL TRAVEL, among others. Originally released on compact disc in 1992, Dragon’s Domain Records is excited to bring THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN back to the marketplace, newly remastered by James Nelson at Digital Outland. THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN also includes a specially reconstructed presentation from THE NIGHT DIGGER, assembled from the available elements of the music. The booklet includes the original extensive liner notes written by John Steven Lasher for the album. Many decades later, THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN is an important compilation and an excellent introduction to the music of one of the greatest film composers of them all. THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN is a limited edition release. THE INQUIRER – THE FILM MUSIC OF BERNARD HERRMANN will begin shipping the week of April 9th, 2025 1. CELLULOID FANFARE #1: BERNARD HERRMANN 0:48 Composed by John Steven Lasher CITIZEN KANE 2. Suite: The Inquirer 6:54 3. Theme and Variations (Breakfast Montage) 3:20 4. Salaambô’s Aria 4:23 Soprano - Rosamond Illing THE MAGNIFICENT AMBERSONS 5. Theme and Variations / George’s Homecoming 6:24 6. First Nocturne 4:04 Soloist, Violin - Neville Tawell 7. Second Nocturne 3:18 Soloist, Cello [Violincello] - Henry Wenig THE DAY THE EARTH STOOD STILL 8. Lincoln Memorial / Arlington 3:00 THE KENTUCKIAN 9. Prelude / The Steamboat / The Stagecoach / Victory / The Forest 6:49 10. Nocturne / Night Sounds 5:11 11. Scherzo / Miss Susie 4:01 12. The Rope / Finale 3:23 WILLIAMSBURG: THE STORY OF A PATRIOT 13. Overture / Exit Music 2:37 THE NIGHT DIGGER 14. Portrait of the Road Builder 7:32 15. A New Beginning and Ending 4:05 Harmonica - Tommy Reilly Viola D’Amore - Rosemary Greene SISTERS 16. Cake Death 3:37 BATTLE OF NERETVA 17. Prelude 2:33 18. Chetnik’s March 1:47 19. Partisan March 1:31 20. Victory! (Finale) 2:34 Total Time: 78:55 Dragon’s Domain Records presents TOO LATE THE HERO, featuring music composed by Gerald Fried (THE MAN FROM U.N.C.L.E., STAR TREK, ROOTS) for the 1970 war film directed by Robert Aldrich (THE DIRTY DOZEN, EMPEROR OF THE NORTH, THE FLIGHT OF THE PHOENIX), written by Aldrich, Robert Sherman and Lukas Heller, starring Michael Caine, Cliff Robertson, Ian Bannen, Harry Andrews, Ronald Fraser, Denholm Elliott, Percy Herbert, Patrick Jordan, Harvey Jason and Henry Fonda. TOO LATE THE HERO takes place in 1942, in the Pacific Theatre of World War II and follows Lieutenant Junior Grade Sam Lawson (Robertson), a Japanese-language interpreter who, so far, has been able to avoid combat. Captain Nolan (Fonda), his commanding officer, unexpectedly cancels his leave and informs Lawson that he is being assigned to a British infantry commando unit in the New Hebrides Islands for a combat mission... The British base at this location is located in the middle of a large open field, several hundred yards from the edge of the jungle. On the other side of the jungle is a Japanese observation post. The commando group is led by Captain Hornsby (Elliott). Hornsby’s commando group is instructed to destroy the Japanese radio transmitter at the observation post before they can sound the alarm on an American naval convoy that is scheduled to appear on the horizon in just a few days. During the course of executing their mission, they discover the existence of a secret Japanese airfield and planes ready for action... The music for TOO LATE THE HERO was composed by Gerald Fried. This was a continuation of his collaboration with director Robert Aldrich, which also included THE KILLING OF SISTER GEORGE, WHATEVER HAPPENED TO AUNT ALICE? and THE GRISSOM GANG. The score for TOO LATE THE HERO is one of Fried’s most exciting and impressive orchestral works, constructed for large orchestra (including an expanded percussion section) and implemented with synthesizers and numerous exotic instruments. TOO LATE THE HERO offers a splendid example of Fried’s unique ability to derive fascinating motives from unusual rhythm patterns. Born February, 1928 in the Bronx, Gerald Fried’s interest in music found its first fruition at the High School of Music & Art in New York City. He attended The Juilliard School of Music as an oboe major, graduating in 1945. Among his earliest friends was a bright kid named Stanley Kubrick. The two of them used to hang around Greenwich Village and talk about their budding interests, Fried’s in classical music and Kubrick’s in filmmaking. Their interests merged when Kubrick began filming DAY OF THE FIGHT, an 18-minute short about boxing. Knowing Fried was a music major, Kubrick asked him if he could write the score for his boxing picture. Fried agreed, then spent months going to the movies to learn how film scores worked, there being no schools or courses on film music in those days. Fried wrote an effective score, and Kubrick sold the film to RKO Pathé. Fried rejoined Kubrick to score four more of his films, including THE KILLING and PATHS TO GLORY, where the young filmmaker first gained his reputation. After the success of THE KILLING in 1956, Kubrick moved to Los Angeles, shortly followed by Fried, who was immediately hired to compose and arrange music for several films, including THE VAMPIRE, THE RETURN OF DRACULA, MACHINE GUN KELLY and I, MOBSTER, I BURY THE LIVING, and TIMBUKTU (1959). By the 1960s, Fried moved into television, scoring episodes of such seminal shows of the decade as GILLIGAN’S ISLAND, THE MAN FROM U.N.C.L.E., MISSION: IMPOSSIBLE and STAR TREK. By the 1970s Fried was composing music for numerous made-for-TV movies. His best-known score of the decade was for the 1977 miniseries ROOTS, which he took over scoring when Quincy Jones fell behind and was unable to meet the broadcast deadline for the eight-hour miniseries. Both Jones and Fried won Emmy Awards for their musical efforts on the series. During the ‘80s, Fried continued to compose music for television series, movies, and documentaries, and an occasional feature film. These are just two of the many magnificent scores Fried wrote throughout his career. The composer passed away on February 17, 2023 at the age of 95. His work remains a testament to his talent and dedication to the art of composition and he is remembered as a key figure in the evolution of music for film and television. Originally appearing on compact disc nearly three decades ago and very scarce, Dragon’s Domain Records brings TOO LATE THE HERO back to the marketplace, featuring music composed and conducted by Gerald Fried. The music has been remastered by James Nelson at Digital Outland and reprising the liner notes written by D.L. Fuller for the original release. TOO LATE THE HERO is a limited edition release. TOO LATE THE HERO is expected to begin shipping the week of May 19th, 2025 01. Overture (3:15) 02. Opening Titles (4:03) 03. British Flag (1:03) 04. Trevor's Return / The Crossing / Five Of Them (3:41) 05. Not Going That Way / Other Casualties / Jungle March (3:32) 06. Lap Officer / Death Scream (2:17) 07. Lawson's Trick (2:51) 08. Scavenger / Jungle Trek (2:16) 09. Old Army Boots / Shrine (1:58) 10. Move Out / Good Luck (3:47) 11. Radio Shack (2:07) 12. The Approach / Scott Shot / Light On / Firefight (5:42) 13. Quick Exit / Post Grenade (2:21) 14. Overture Act II (2:53) 15. Air Strip / Camouflage Caper / Smokey Japs / River Journey (3:50) 16. The Speakers (3:17) 17. Thornton's Ambush / Thornton's Free Ride / Another Shrine (3:53) 18. How To Help A Buddy (3:59) 19. Ring Job / Revolver / Jungle Pursuit (3:54) 20. Camp / Getting The Gooch (4:18) 21. You Zig, I'll Zag / Final Run (4:44) 22. Finale (1:42) 23. Exit Music (2:42) Total Time: 75:02 Dragon’s Domain Records presents THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH, a dramatic cantata composed by the legendary Lalo Schifrin (MISSION: IMPOSSIBLE, BULLITT, DIRTY HARRY, ENTER THE DRAGON) based on the Emmy-nominated 1968 television documentary” instead of “for the 1968 directed by Jack Kaufman, produced by David L. Wolper, featuring the narration of Richard Basehart. David L. Wolper was one of television’s most respected and honored producers. The winner of three Emmys (nominated for eight more), the Oscars’ Jean Hersholt Humanitarian Award and a member of the Television Hall of Fame, Wolper gave us ROOTS, THE THORN BIRDS, NORTH AND SOUTH, the NATIONAL GEOGRAPHIC Specials, WILLY WONKA AND THE CHOCOLATE FACTORY and dozens of other projects over a 40-year career in films and television. Among his landmark television documentaries was THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH, which aired on ABC over three nights in March 1968. Based on journalist William L. Shirer’s best-selling, award-winning 1960 chronicle of the history of Nazi Germany, it was the result of two years of research and examining more than five million feet of film to tell the story of Adolf Hitler’s rise to power and his eventual downfall at the end of World War II. Lalo Schifrin had already scored his NATIONAL GEOGRAPHIC “The Hidden World of Insects” and earned an Emmy nomination for the music for THE MAKING OF THE PRESIDENT in 1964. Schifrin’s imagination was sparked by the subject and what followed was unprecedented in the history of music for television: a major concert work performed by a leading American orchestra, debuting eight months before the program that inspired it. THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH cantata debuted at the Hollywood Bowl on Thursday, August 3, 1967. As a young man in his native Argentina, Lalo Schifrin received classical training in music and also studied law. He came from a musical family, and his father, Luis Schifrin, was the concertmaster of the Philharmonic Orchestra of Buenos Aires at the Teatro Colon. Schifrin continued his formal music education at the Paris Conservatory during the early 1950’s, studying with numerous teachers including famed composer Olivier Messiaen. Simultaneously, he became a professional jazz pianist, composer and arranger, playing and recording in Europe. When Schifrin returned to Buenos Aires in the mid 1950s, he formed his own big concert band. It was during a performance of this band that Dizzy Gillespie heard Schifrin play and asked him to become his pianist and arranger. In 1958, Schifrin moved to the United States and thus began a remarkable career. Lalo Schifrin has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are MISSION: IMPOSSIBLE, MANNIX, THE FOX, COOL HAND LUKE, BULLITT, DIRTY HARRY, THE CINCINNATI KID, THE AMITYVILLE HORROR. Later scores include TANGO, BRINGING DOWN THE HOUSE, THE BRIDGE OF SAN LUIS REY, AFTER THE SUNSET, the RUSH HOUR films and ABOMINABLE. Originally released on vinyl by MGM Records in 1967 with the addition of Laurence Harvey's narration, Dragon’s Domain Records brings THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH to compact disc for the first time, featuring music composed by Lalo Schifrin, performed by members of the Los Angeles Philharmonic, the Gregg Smith Singers and conducted by Lawrence Foster. The music for THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH Cantata appears here minus the narration, music newly mastered by James Nelson at Digital Outland and featuring liner notes written by noted author Jon Burlingame. THE RISE AND FALL OF THE THIRD REICH is a limited edition release and is expected to begin shipping the week of May 19th, 2025. 01. Prologue (3:33) 02. The Teutonic Gods (3:08) 03. A Pact with Satan (3:24) 04. The Devil's Spawn (4:31) 05. Nazis March (1:29) 06. Mother Earth Mourns (5:15) 07. Bonfires (2:02) 08. The War Begins (1:29) 09. Destruction and Sorrow (2:37) 10. Madness and Murder (2:32) 11. Innocent Victims (3:45) 12. The Allies Rally (1:14) 13. The Tide Turns (2:06) 14. Seventy Million Dead (3:40) 15. Epilogue (4:56) Total Time: 45:49 BSXDG0185 Includes Digital Booklet BSX DIGITAL presents the original soundtrack for THE PASSAGE, featuring music composed by Michael J. Lewis (JULIUS CAESAR, THEATRE OF BLOOD, SPHINX, FFOLKES), for the British action film directed by J. Lee Thompson (THE GUNS OF NAVARONE), written by Bruce Nicolaysen and Stephen Oliver, starring Anthony Quinn, James Mason, Patricia Neal, Kay Lenz, Paul Clemens, Christopher Lee, Michael Lonsdale and Marcel Bozzuffi. Released in 1979, THE PASSAGE is set against the backdrop of World War II as a resilient Basque farmer (Quinn) is called upon by the French resistance to help facilitate the escape of John Bergson (Mason), a brilliant scientist, and his family across the treacherous Pyrenees mountains to the safety of neutral Spain. In pursuit is Captain Von Berkow (McDowell), a ruthless SS officer who perhaps enjoys his work a little too much... THE PASSAGE is accompanied by a sweeping symphonic score that propels its narrative forward and heightens the palpable sense of danger throughout its key moments. Lewis’ compositions are expansive and lush, beautifully reflecting the breathtaking snowy landscapes where the film takes place. At the 70th Annual Academy Awards, the evocative ‘Apassionata’ from this score was used during the ‘In Memoriam’ segment, conducted by the great Jerry Goldsmith. Michael J. Lewis is an Emmy award-winning composer of film, television, Broadway and choral works. Born in Aberystwyth, Ceredigion, Wales, he studied harmony, counterpoint, and composition at the Guildhall School of Music and Drama. After a brief teaching career in North London, he became a full-time composer at the age of 24. Lewis was incredibly prolific in the late 1970s and early 1980s. His filmography includes THEATRE OF BLOOD, THE MEDUSA TOUCH, THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE, for which he earned an Emmy, JULIUS CAESAR, THE MAN WHO HAUNTED HIMSELF, 11 HARROWHOUSE, THE MADWOMAN OF CHAILLOT, NORTH SEA HIJACK also known as FFOLKES, THE ROSE AND THE JACKAL and YES, GIORGIO, a shared music credit with composer John Williams. In addition, Lewis began writing music for British TV commercials for British Rail, Tesco, 7 Up, Ford, and Audi and after relocating to the United States, he scored national TV campaigns for IBM, Lipton, Kentucky Fried Chicken, 3M, and Connecticut National Bank. Following the passing of his daughter in 1994, the composer shifted his interest from film to the writing and adapting of music and vocals, both sacred and secular, from his native homeland. Michael J. Lewis currently resides and composes amidst the pines of Mississippi, the birthplace of American music, and continues to record in New Orleans, home of the Blues. BSX Digital presents THE PASSAGE, featuring music composed and conducted by Michael J. Lewis, meticulously remastered by James Nelson at Digital Outland, honoring the composer’s original vision by following the intended order of the music.

Snow Files of the Week: "Suite from the Pilot" aus der Serie "Dark Skies" (1996). Mark Snow komponierte nur die Musik für den Pilotfilm, den Rest der Serie vertonte Ex-Tangerine-Dream-Mitglied Michael Hoenig ("The Blob", 1988). Sicherlich war der zu dem Zeitpunkt aufkeimende Erfolg der X-Akten ein Grund dafür, warum man Snow für "Dark Skies" holte (hat ja auch was mit Aliens zu tun). Von daher ist es kein Wunder, dass seine Musik für den Pilotfilm sehr X-Files-mäßig klingt. Die Suite ist auf dem Score-Album enthalten, welches ansonsten Michael Hoenigs Musik enthält. Die CD wurde limitiert von Perseverance Records veröffentlicht und ist dort mittlerweile ausverkauft. Viel Spaß beim Hören!

„John Williams: The Anthology“ präsentiert die zentralen Soundtracks des legendären Komponisten in drei Box-Sets. Das erste, 22 CDs umfassende Boxset „The Anthology – Vol. 1“ erscheint am 18. Juli und versammelt 27 Soundtracks aus den Jahren 1969-1990. Darunter: „Der weiße Hai“, „Star Wars“, „Unheimliche Begegnung der dritten Art“, „Superman: Der Film“, „Dracula“, „Jäger des verlorenen Schatzes“, „E. T. der Außerirdische“, „Empire of the Sun“, „Geboren am 4. Juli“ und „Kevin – Allein zu Haus“. John Williams langjähriger kreativer Partner und persönlicher Freund, der Regisseur Steven Spielberg, erklärt: „Ich freue mich sehr, dass Sony Masterworks ‚John Williams: The Anthology‘ veröffentlicht. Das dreiteilige Box-Set ist eine speziell kuratierte Sammlung von Johns bester Musik für Film und Konzertbühne. Die erste Box feiert seine Filmarbeit von den 1960er bis zu den 1980er Jahren, eine Zeit, in der John Williams die Rolle des Symphonieorchesters in der Filmmusik neu belebte und einige der kultigsten und zeitlosesten Kompositionen Hollywoods erschuf, für Filme wie „Der weiße Hai“, „Star Wars“, „Unheimliche Begegnung der dritten Art“, „Superman: Der Film“, „Dracula“, „Jäger des verlorenen Schatzes“, „E. T. der Außerirdische“, „Empire of the Sun“, „Geboren am 4. Juli“ und „Kevin – Allein zu Haus“. Im Laufe seiner langen Karriere wurde John Williams zu einem der einflussreichsten und bekanntesten Filmkomponisten der Welt. Er hat Musik für über 120 Filme komponiert, wobei viele seiner Stücke zu den bekanntesten Filmmusiken aller Zeiten gehören. Seine ikonischen Themen für Klassiker wie „Der weiße Hai“, „Jurassic Park“, „E.T. – Der Außerirdische“, „Jäger des verlorenen Schatzes“, „Superman“ und „Harry Potter“ sind weltberühmt. Williams ist vor allem für seine jahrzehntelange kreative Zusammenarbeit mit Regisseur Steven Spielberg bekannt, aus der einige der erfolgreichsten Filme aller Zeiten hervorgingen. „John Williams: The Anthology – Vol. 1 1969-1990“ enthält 22 CDs mit dem jeweiligen Original-Cover-Artwork und ist der erste Teil eines dreiteiligen Box-Sets, das den legendären John Williams und sein umfangreiches Werk würdigt. Produkt-Nr.: 19802861012 (22CDs) Im Handel ab: 18.07.2025 Inhalt des Box-Sets: DISC 1: THE REIVERS DISC 2: THE COWBOYS  DISC 3: EARTHQUAKE + THE TOWERING INFERNO  DISC 4: JAWS + JAWS 2  DISC 5: STAR WARS (EPISODE IV: A NEW HOPE) DISC 6: CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND DISC 7: THE SUGARLAND EXPRESS + 1941 DISC 8: THE FURY  DISC 9: SUPERMAN  DISC 10: DRACULA + MONSIGNOR  DISC 11: STAR WARS (EPISODE V: THE EMPIRE STRIKES BACK) DISC 12: RAIDERS OF THE LOST ARK  DISC 13: E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL DISC 14: STAR WARS (EPISODE VI: RETURN OF THE JEDI) DISC 15: INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM  DISC 16: SPACECAMP  DISC 17: THE WITCHES OF EASTWICK  DISC 18: EMPIRE OF THE SUN  DISC 19: THE ACCIDENTAL TOURIST  DISC 20: INDIANA JONES AND THE LAST CRUSADE DISC 21: BORN ON THE FOURTH OF JULY + Always DISC 22: HOME ALONE 

In honor of its 40th Anniversary, Intrada presents an all-new edition of one of founder Doug Fake's personal favorite soundtracks. The score is not only an important part of Jerry Goldsmith's large body of work, but also Intrada's formative years. First Blood initially appeared as the inaugural release of the Film Music Treasury series, an early version of the Special Collection. In assembling that release, Goldsmith and engineer Len Engel re-sequenced the original Regency album and located one extra track not previously released, using the ¼″ two-track mixes made in 1982 for the LP. However, the ¼″ masters were plagued with an interesting anomaly: though identified with the widely-used professional Dolby A encoding process, they did not possess unique tones identifying the Dolby encoding that allows for calibration of playback machines. In lieu of those critical tones, the original engineers addressed by reducing the inherent background hiss using equalization techniques, and attempts to rectify these anomalies were less than satisfactory. In 2010, Intrada located the multi-track session masters—complete and intact—every channel, every reel, every take. For the first time, all those interesting little bars that Goldsmith deleted to create his initial record could be restored within the full-length cues just as they were originally written and recorded. A brand-new presentation was created, uncut and intact, with newly mixed and re-mastered sound. However, in spite of Intrada's best efforts at the time, there still resulted an interesting anomaly—the tape speed was off and the music played a bit faster than intended. Additionally, some assemblies still eliminated a few of those aforementioned bars. For this new edition, Neil S. Bulk used Fake's stereo mixes and rebuilt the score and original soundtrack album from the ground up, addressing the speed issues and including a few unassembled extras so one can now truly hear everything. Some track titles have been adjusted to reflect their official cue sheet names. GRAMMY-nominee Mike Matessino mastered the album featuring new cover art by Stéphane Coëdel. With 2025 being Intrada's 40th year releasing soundtracks, the Intrada team felt a truly definitive First Blood would be an important way to mark not only the occasion but present another opportunity to celebrate Doug Fake. CD 1 SCORE PRESENTATION 01. Theme From First Blood (Pop Orchestra Version) (4:12) 02. Homecoming (Film Version) (2:25) 03. Last Summer (1:02) 04. Back To Town (0:48) 05. The Razor (Film Version) (3:10) 06. No Warmth (1:07) 07. Hanging On (Film Version) (2:09) 08. Over The Cliff (Film Version) (1:29) 09. A Stitch In Time (1:01) 10. Mountain Hunt (Film Version) (5:01) 11. First Meal (0:43) 12. First Blood (Film Version) (5:14) 13. The Tunnel (Film Version) (3:31) 14. Escape Route (Film Version) (2:42) 15. Over The Top (1:02) 16. My Town (Film Version) (1:00) 17. No Power/Fireworks (2:54) 18. It’s A Long Road (3:28) 19. It’s A Long Road (Theme From First Blood – Vocal) (3:24) DISCRETE VERSIONS 20. No Power (1:01) 21. Fireworks (1:56) 22. Mission’s Over (0:49) TOTAL CD 1 TIME: 50:54 CD 2 ORIGINAL 1982 SOUNDTRACK ALBUM 01. It’s A Long Road (Theme From First Blood – Vocal) (3:24 ) 02. Escape Route (2:42) 03. First Blood (4:39) 04. The Tunnel (4:04) 05. Hanging On (3:32) 06. Homecoming (2:25) 07. Mountain Hunt (6:11) 08. My Town (1:57) 09. The Razor (3:14) 10. Over The Cliff (2:08) 11. It’s A Long Road (Instrumental) (2:56) TOTAL ORIGINAL SOUNDTRACK ALBUM TIME: 37:33 THE EXTRA 12. It’s A Long Road (Recording Session Piano/Vocal Demo) (3:25) TOTAL CD 2 TIME: 41:02

Snow Files of the Week: "Suite from The X-Files" (1996). Diese Suite wurde von John Beal arrangiert, in Zusammenarbeit mit Mark und seinem Music Editor Jeff Charbonneau. Beal veränderte hier und da Details an der Musik. Beispielsweise hört man im letzten Stück, der finalen Szene aus "Jose Chung's From Outer Space" einen Chor, den es in der Folge dort nicht gibt. John Beal wird auch unter "performed by" angegeben, obwohl die Musik ansonsten wie die Original-Musik von Mark klingt. Gerüchten zufolge war das nur ein Trick, um das Copyright von Fox zu umgehen. Diese Suite ist auf dem Sampler "The Snow Files" enthalten, als auch auf der von BSX veröffentlichen CD "The X-Files: 20th Anniversary". Diese CD ist auf 1.000 Stück limitiert. Viel Spaß beim Hören!

Music by Hans Zimmer Limited edition of 1500 units ORDER NOW AS PART OF OUR 20% OFF SITE-WIDE SPECIAL La-La Land Records and MGM present a remastered and expanded CD re-issue of renowned composer Hans Zimmer’s (RAIN MAN, GLADIATOR) original motion picture score to the landmark 1991 feature film THELMA & LOUISE starring Susan Sarandon and Geena Davis, and directed by Ridley Scott. After their first successful collaboration on BLACK RAIN, director Ridley Scott called upon composer Hans Zimmer once again to score what would become the beloved classic feminist drama/road adventure THELMA & LOUISE. Enthralled by the notion of composing his take on an Americana score, Maestro Zimmer dove into the challenge, fashioning a sonic wonder that takes the audience on a road trip from the Deep South to the Open West, all the while expertly charting an emotional throughline for the complex lead characters. Tinged with blues and Cajun stylings, and featuring legendary master guitarist Pete Haycock’s signature performance skills, Zimmer’s score balances character, drama, action and location with perfect pitch – as brilliantly demonstrated within this newly remastered deluxe re-issue, expanded with more music beyond any of the film’s previous soundtrack releases. Produced by Stéphane Humez and remixed, mastered and edited by Maxime Marion from MGM vault elements, under the supervision of Hans Zimmer, this special limited edition CD release of 1500 units showcases the score as initially written by the composer, as well as alternate and film version bonus tracks, including a 2000 concert suite demo. The exclusive in-depth liner notes are by writer and journalist Kaya Savas, featuring a new interview with the composer. The sharp art design is by Dan Goldwasser. TRACK LISTING: THE SCORE 1. Going To Mexico 2:10 2. J.D. 0:50 3. The Hell With Texas – Happy Birthday Lady 1:51 4. Picking Up J.D. 0:41 5. Oilfields 0:58 6. Watching Him Go – Jimmy Pops The Question 3:04 7. Ride Of The FBI 0:58 8. Louise’s Theme 2:47 9. Giving Up 3:39 10. Getting Out Of State 1:33 11. Charged With Murder 3:02 12. Learning From TV 0:45 13. Chase – You’ve Always Been Crazy 10:20 14. Thelma & Louise End Titles 3:58 BONUS TRACKS 15. Thelma & Louise 2000 Concert Suite (DEMO) 6:39 16. Thelma & Louise Main Title (FILM VERSION) 2:20 17. Giving Up (ALTERNATE) 3:39 18. Suck My Dick (FILM VERSION) 1:39 19. I Got A Knack – Getting Out Of State (FILM VERSION) 2:20 20. Charged With Murder (FILM VERSION) 2:12 ORIGINAL ALBUM TRACK 21. Thunderbird 4:05 TOTAL ALBUM TIME: 59:41 This is a CD format release