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Dragon’s Domain Records presents music from the original score to TIME AFTER TIME, composed by the legendary Miklós Rózsa (BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID) for the 1979 science fiction thriller directed by Nicholas Meyer (THE DAY AFTER, STAR TREK II: THE WRATH OF KHAN), written by Karl Alexander, Steve Hayes and Meyer, starring Malcolm McDowell, Mary Steenburgen and David Warner. TIME AFTER TIME starts with the premise that H.G. Wells actually constructed the time machine which he wrote about in his classic novel. TIME AFTER TIME is a romantic thriller in which Wells (McDowell), the scientific genius, tracks Jack the Ripper (Warner), the criminal genius, from 19th-century London to 20th-century San Francisco in order to bring the Ripper to justice. When Wells is transported in his time machine to modern San Francisco, he seems to be more of a babe in the woods than a sophisticated Victorian gentleman. What he finds is that some of his predictions have come true, while others, like a utopian society, have not... Born in Budapest, Hungary in 1907, composer Miklós Rózsa studied the violin from the age of 5. While living in London in 1935, Rózsa was hired by legendary producer Alexander Korda to score his film, KNIGHT WITHOUT ARMOR. Later, while composing the music for another Korda production, THE THIEF OF BAGDAD, Rózsa moved to California, where he remained for the rest of his life. Throughout his film career, he worked in many genres but distinguished himself writing music for the film noirs of the 1940’s and the great costume epics of the 1950’s and 1960’s. A classically trained composer, Rózsa was well known for his dedication to researching the musical history of the time periods of the films he worked on. His filmography includes music composed for films such as THE THIEF OF BAGDAD, THE JUNGLE BOOK, DOUBLE INDEMNITY, SPELLBOUND, THE LOST WEEKEND, QUO VADIS, IVANHOE, JULIUS CAESAR, KNIGHTS OF THE ROUND TABLE, BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID, THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES, THE GOLDEN VOYAGE OF SINBAD and TIME AFTER TIME, among others. Originally released on vinyl by Entr'acte at the time of the film’s release, this presentation of the score is a rerecording produced by the composer and performed by the Royal Philharmonic Orchestra. Southern Cross would release this program later on compact disc in the early days of the format. In 2009, Film Score Monthly released a compact disc with the original film tracks for the first time. Dragon’s Domain Records presents this new release of TIME AFTER AFTER, featuring the rerecording produced by the composer, newly remastered by James Nelson at Digital Outland and retaining the original album liner notes by director Nicholas Meyer and John Lasher. Following the original album program is a selection of bonus tracks of additional music composed by Miklós Rózsa, including music from PROVIDENCE, THE LOST WEEKEND, SPELLBOUND, THAT HAMILTON WOMAN and THE PRIVATE FILES OF J. EDGAR HOOVER. TIME AFTER TIME is a limited edition release of 500 units. TIME AFTER TIME will begin shipping the week of Sept. 29th, 2025 01. W.B. Fanfare* And Prelude (2:09) (* - Max Steiner) 02. Search For The Ripper/ Decision (2:06) 03. Vaporizing Equalizer / The Time Machine (2:12) 04. Time Travel (1:33) 05. Bank Montage (1:08) 06. Utopia (1:34) 07. The Ripper / Pursuit (3:29) 08. The Time Machine Waltz (4:01) (Eric Parkin: piano) 09. Man Before His Time (1:56) 10. Redwoods (2:32) 11. Frightened (1:45) 12. Murder (1:45) 13. The Fifth Victim (1:35) 14. The Last Victim (1:46) 15. Nocturnal Visitor (1:38) 16. Dangerous Drive (3:08) 17. Journey’s End And Finale (3:59) BONUS TRACKS 18. Time After Time: Pocket Watch (0:28) (The Meridian Studio Ensemble) 19. Providence: Valse Crèpusculaire (3:58) (Gregg Nestor, William Kanengiser: Guitar) 20. The Lost Weekend: Love Theme (5:10) (The National Philharmonic Orchestra) 21. Spellbound: Theme From “Spellbound” (4:46) (Sinfonia of London) 22. That Hamilton Woman: Love Theme (4:46) (The London Symphony Orchestra) 23. The Private Files of J. Edgar Hoover: Main Title / Dr. King / End Titles (9:33) (Conducted by Miklós Rózsa) Total Time: 67:50

Wieder Dragon's Domain: BSX DIGITAL presents music composed by David Newman (THE PHANTOM, HOFFA, MR. DESTINY, GALAXY QUEST) from the original score to THE RUNESTONE, the 1991 horror comedy directed by Willard Carroll (PLAYING BY HEART, THE BRAVE LITTLE TOASTER, TOM’S MIDNIGHT GARDEN), written by Carroll and Mark E. Rogers, starring Peter Riegert, Joan Severance, William Hickey, Tim Ryan, Mitchell Laurance, Lawrence Tierney, Dawan Scott, Chris Young and Alexander Godunov. Based on an unpublished novella by Mark E. Rogers, THE RUNESTONE unfolds as the clocks in the shop of a mysterious clockmaker suddenly stop at three o’clock as a Norse runestone is removed from the depths of a coal mine in Western Pennsylvania. Archaeologist Martin Almquist (Laurance) oversees the runestone’s move to his New York City laboratory. Excited by his discovery, Martin calls his former girlfriend, Marla (Severance), an artist now married to Sam Stewart (Ryan) and asks them to return to New York so that Sam, also an archeologist who is working in Maine, can decipher the runestone. Meanwhile, Lars Hagstrom (Hickey) finds Martin and warns him about the runestone, but Martin believes Hagstrom is crazy. Sam and Marla believes this has some connection to Martin. A young boy named Jacob is haunted by terrifying nightmares of what is coming and his family explains these dreams through stories from Norse legend, which say that the only one who can destroy Fenrir is Tyr, the Norse god of war, who is prophesied to return to fight the creature... Conceived in 1990, the music for THE RUNESTONE was recorded at Columbia Studios, while an electronic musical score was also recorded at D & K Studios. Newman’s score is robust as it parallels the storyline, from tense strings and horns, percussive timbres, horns, and drums to strings to rushing horns and harsh string notes. Intricate keyboard tonalities, low up-and-down sonic whispers, percussive striations, and low percussion raging into heavy tonal contrasts, suspenseful drums, grappling tension segueing into eerie, soft, fast-trumpet notes, anticipating the composer’s amazing musical accomplishments in the next several decades of American cinema. David Newman is one of today’s most accomplished creators of music for film. The son of nine-time Oscar-winning composer Alfred Newman, David Newman was born in Los Angeles in 1954. He trained in violin and piano from an early age and earned degrees in orchestral conducting and violin from the University of Southern California. From 1977–1982, he worked extensively in the motion picture and television industry as a violinist, playing on such films as E.T., TWILIGHT ZONE – THE MOVIE, and the original Star Trek film, STAR TREK: THE MOTION PICTURE. In his 25-year career, he has scored over 100 films, ranging from WAR OF THE ROSES, MATILDA, BOWFINGER and HEATHERS, to THE SPIRIT, and SERENITY, BEHAVING BADLY and TARZAN. Newman’s music has brought to life the critically acclaimed dramas BROKEDOWN PALACE and HOFFA; comedies NORBIT, SCOOBY-DOO, GALAXY QUEST, THE NUTTY PROFESSOR, THE FLINTSTONES, THROW MAMA FROM THE TRAIN; and award- winning animated films ICE AGE, THE BRAVE LITTLE TOASTER and ANASTASIA. Newman is also a highly sought-after conductor and appears with leading orchestras throughout the world, including the Los Angeles Philharmonic, Royal Philharmonic Orchestra, The Boston Symphony, The Philadelphia Orchestra, The Chicago Symphony and the New York Philharmonic. He has led subscription weeks with the Los Angeles Philharmonic at Walt Disney Concert Hall and regularly conducts the Hollywood Bowl Orchestra at the Hollywood Bowl. Passionate about nurturing the next generation of musicians, Newman serves on the Board of the American Youth Symphony, a 55-year-old pre-professional orchestra based in Los Angeles BSX Digital presents THE RUNESTONE, featuring music composed by David Newman. Previously released on compact disc by Perseverance Records in 2010, the music has been newly remastered by James Nelson at Digital Outland and includes new liner notes by noted author Randall Larson. This release is dedicated to the memory of Krystyna Newman. This is the original musical score for the BIG FINISH audio drama titled "V-UK: Occupation," the second chapter of the audio drama series produced by Big Finish Productions and masterfully composed and performed by the talented Joe Kraemer. This audio drama draws inspiration from the iconic miniseries "V," originally created by Kenneth Johnson. The miniseries first premiered on television in 1983, captivating audiences with its compelling narrative and innovative storytelling. "V explored themes of resistance and survival in the face of an alien invasion, leaving a lasting impact on the science fiction genre. The audio drama serves as a continuation of that rich universe, blending Kraemer's evocative composition with the familiar existential battles and moral dilemmas that defined the original series. Joe Kraemer wrote his first film score in 1986 when, at 15, he was acting in an independent feature for director Scott Storm. Since then, he has composed music for over 100 feature films, documentaries, television episodes and movies. He is perhaps best known for his award-winning score to MISSION: IMPOSSIBLE — ROGUE NATION (2015 Action Score of the Year, IFMCA) and JACK REACHER in 2012. Other notable works include THE MAN WHO KILLED HITLER AND THEN THE BIGFOOT, THE WAY OF THE GUN, TV series such as PANDORA, CREEPED OUT, and COMRADE DETECTIVE, plus the documentary about the films of director Larry Cohen, KING COHEN. In 2016, he composed a new score for F.W. Murnau’s 1927 silent film SUNRISE, which premiered live-to-picture in Dallas and has since been performed all over the world. BSX Records is proud to present the premiere release of V UK: OCCUPATION AUDIO DRAMA, featuring original music composed by Joe Kraemer and mastered by James Nelson at Digital Outland. Dragon’s Domain Records presents THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES, a compilation of music composed by John Charles from several projects in his filmography, including THE QUIET EARTH, UTU and IRIS. Celebrating it’s 40th anniversary this year, THE QUIET EARTH has become a cult classic among sci-fi film buffs and is frequently shown at art cinemas around the world. Released in 1985, the film was directed by Geoff Murphy, written by Craig Harrison, Bill Baer and Bruno Lawrence, starring Lawrence, Alison Rutledge, Pete Smith, Anzac Wallace, Norman Fletcher and Tom Hyde. THE QUIET EARTH follows scientist Zac Hobson (Lawrence), who is awoken early one morning in his oceanside motel room to witness Operation: Flashlight, an effect whereby through a giant energy blast, there are suddenly no people anywhere. Zac attempts to contact other survivors without success. He decides to enjoy “the good life,” moving into an elegant mansion, treating himself in style to goods in local supermarkets and shopping centers. Eventually he locates two other people in his new world — Joanne (Routledge) and Api (Smith). The usual tension, which develops in the two-men-one-woman scenario, gives way to the realization that the urgency of their very survival is paramount. The film’s empty streets, quiet countrysides and deserted buildings create otherworldly landscapes, augmented by John Charles’ elegant score, employing a large symphony orchestra and judicious use of electronics. Airing on television in 1984, IRIS was directed by Tony Issac, written by Keith Aberdein, starring Helen Morse, Philip Holder, John Bach, Donogh Rees, David Ashton, Elizabeth McRae, Roy Billing and Peter Hambleton. IRIS relays the life of New Zealand writer Iris Wilkinson, international novelist, poet and journalist who wrote under the name of Robin Hyde. IRIS is played by Helen Morse, fondly remembered for her work in A TOWN LIKE ALICE. John Charles composed one of his finest works for IRIS, chamber score, very much in style of the 20th-century impressionists such as Debussy, Ibert and Ravel. Released in 1983, UTU was directed by Geoff Murphy, written by Murphy and Keith Aberdeen, starring Anzac Wallace, Bruno Lawrence, Tim Elliot, Kelly Johnson, Tania Bristowe, Ilone Rodgers, Martyn Sanderson, John Bach, Sean Duffie and John Malcolm. UTU is a visually stunning, well-paced and powerfully acted adventure film, dealing with passion and revenge between the European settlers and native Māoris in late nineteenth century New Zealand. UTU was well received by the major critics at the time of its initial release. Charles’ rich and evocative original score, drawn from folk music and traditional Māori material, evokes the period of the drama with orchestration reminiscent of classical music of the nineteenth century. John Charles was born in Wellington, New Zealand, in 1940. During his first year at University of Victoria Wellington, where he enrolled for a BA in 1958, he joined the UVW Jazz Club and began playing jazz regularly as their pianist. In 1963, after two years at New Zealand Broadcasting Service, he returned to UVW to complete his study for a Bachelor of Music degree. In 1967 he was appointed producer for NZBC television. There he produced and directed various live current affairs, documentary music, ballad and jazz programs, and broadcasts of the New Zealand Symphony Orchestra (1970-1973). He moved to Australia in 1974 and for the next four years worked in the Music Department at ABC-TV, directing broadcasts of the Sydney Symphony Orchestra and the series MUSIC OF AUSTRALIA and WILFRED LEHMAN CONDUCTS. His cinema music credits include GOODBYE PORK PIE, CONSTANCE, A SOLDIER’S TALE , ZOMBIE BRIGADE and TAKING LIBERTIES, the television movies MAN OF LETTERS, THE PERFECTIONIST and the mini-series HEART OF THE HIGH COUNTRY. Previously released on compact disc by Label X in 1993, Dragon’s Domain Records brings together the scores for THE QUIET EARTH and UTU, along with IRIS, newly remastered by James Nelson at Digital Outland, carrying over the original liner notes from producer John Stephen Lasher. THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES is a limited edition release. THE QUIET EARTH: THE FILM MUSIC OF JOHN CHARLES will begin shipping on September 29th, 2025 THE QUIET EARTH 01. Sunrise (3:24) 02. Empty Town (1:27) 03. Moving Up In The World (2:13) 04. Zac Takes Over (0:51) 05. Going Down (1:24) 06. Born Again / There Are Others (2:33) 07. The Effect Continues (1:33) 08. Trio (1:44) 09. Taking Off (1:07) 10. Road Block (1:14) 11. Alarm (1:04) 12. Last Love Scene (1:14) 13. Finale / Saturn Rising (4:14) IRIS 14. Opening Music (2:28) 15. You’ve Been With Spring (1:41) 16. Backstage (0:50) 17. Thunder In The Night / Sandhills (2:06) 18. A Ride With Simone (1:36) 19. We Are Two Ghosts / A Real Accident (2:02) 20. All Night Long (1:21) 21. Sleep, Sweet Sleep (1:55) 22. The Wanderer (2:15) 23. God’s Matchless Vault / But The Last Black Horse of All (2:12) 24. Take Me Home (2:06) UTU 25. Theme From Utu (2:09) 26. Patrol / Destroyed Village* (2:59) (*trad. chant sung by Rangi Dewes) 27. Te Wheke Stalks Emily (2:42) 28. Moko (2:16) (trad. chant sung by Joe Malcolm) 29. The Raid After The Raid / Williamson Retaliates (4:17) 30. Quadruple Barrelled Shotgun* / The Army Approaches Te Puna (3:57) (*composed by S.C. Foster / arr. John Charles) 31. Henare / Night Sentry / Fishing After The Battle (4:18) 32. Williamson Reflects / Te Wheke’s Trek / Williamson Prepares For Utu (2:57) 33. Death Of Te Wheke (Lament*) And Finale (2:33) (*trad. chant sung by Rangi Dewes) 34. Drummers (0:44) 35. Waiata Tangi (2:37) (trad. chant sung by Jane & Paul Makura) Total Time: 77:36 Dragon’s Domain Records presents the premiere release of original music composed by Harry Lubin for the second season of THE OUTER LIMITS. Originally broadcast on the American television network ABC from 1963 to 1965, THE OUTER LIMITS was one of many series influenced by THE TWILIGHT ZONE and SCIENCE FICTION THEATRE, though it ultimately proved influential in its own right. 49 Episodes were produced. When the familiar dulcet tones of the ‘Control Voice’ welcomed viewers back to THE OUTER LIMITS on for the second season premiere, few, if any, were aware of the behind-the-scenes turmoil that had caused the departure of several key staff members. But something was different. In particular, there was a new signature tune that was lonely, sad, and claustrophobic. Despite its current reputation as a cult classic, the original ABC run of THE OUTER LIMITS was not the ratings blockbuster the network had been hoping for. Creator Leslie Stevens and fellow writer Joseph Stefano continually struggled to bring their personal visions of “extraordinary people in extraordinary circumstances” to life each week, despite being gifted with an ensemble of first-class actors, directors, and stunning noir photography. Network executives constantly interfered, trying to make the show more formulaic and easily marketable. The perpetual battles between Stevens and ABC over what the network classified as “questionable content,” along with frequent budget overruns, eventually led ABC to demand that several conditions be met in order for them to commission a second season. These conditions included a time slot change and cutting the budget. Season 1 combined science fiction and horror, while Season 2 was more focused on 'hard science fiction' stories, dropping the recurring ‘scary monster’ motif of Season 1. Each episode in Season 1 was to have a monster or creature as a critical part of the story line in a villain of the week format. Season 1 writer and producer Joseph Stefano believed this element was necessary to provide fear, suspense, or at least a center for plot development. This kind of story element became known as ‘the bear.’ This device was, however, mostly dropped in Season 2 after Stefano left. Also gone were Leslie Stevens and composer Dominic Frontiere. ABC then installed one of their own executives, Ben Brady, as the new producer. No stranger to television production, Brady had come to the network after a successful run on the first two seasons of PERRY MASON. Brady’s limited resources for the second season required him to rely on the talents of another former co-worker to provide an impactful, but cost-effective musical score. Harry Lubin was an accomplished composer, arranger and conductor who began his career as a piano accompanist for Feodor Chaliapin, Sr. At only 20 years old, Lubin became musical director of the Irving Palace Theater in New York City before spitting his time between Broadway shows and locally-produced radio drama. Eventually, he transitioned into television as musical director for THE LORETTA YOUNG SHOW, a long-running anthology series that allowed him to experiment with early electronic instruments like the theremin. He further expanded his palette of unusual instrumentation while scoring the horror/science-fiction anthology ONE STEP BEYOND, which pre-dated THE OUTER LIMITS. Though there were some new recordings done for the second season of THE OUTER LIMITS, much of the second season’s 17 episodes featured thematic material edited from multiple variations within the vast library Lubin had amassed from his earlier series. To create this compilation, Dragon’s Domain Records has carefully selected and grouped together the most memorable musical themes for the episodes in which they were initially used. So turn out the lights, sit back and allow us to control all that you hear from as we take you back to…THE OUTER LIMITS. Dragon’s Domain Records presents THE OUTER LIMITS: SEASON 2, featuring the premiere release of original music from the second season composed by Harry Lubin. The album includes liner notes written by authors David Hirsch and Sam Scali. The music has been mastered by James Nelson at Digital Outland. THE OUTER LIMITS: SEASON 2 is a limited edition release and is expected to begin shipping the week of September 29th, 2025. 01. Main Title (0:55) 02. Suite From SOLDIER (9:20) 03. Suite From COLD HANDS, WARM HEART (9:55) 04. Suite From BEHOLD, ECK! (3:44) 05. Suite From EXPANDING HUMAN (6:19) 06. Suite From DEMON WITH A GLASS HAND (5:32) 07. Suite From CRY OF SILENCE (3:37) 08. Suite From WOLF 359 (6:30) 09. Suite From THE INHERITORS Pt. 1 (4:15) 10. Suite From THE INHERITORS Pt. 2 (7:27) 11. Suite From KEEPER OF THE PURPLE TWILIGHT (6:26) 12. Suite From COUNTERWEIGHT (4:23) 13. Suite From THE PREMONITION (3:10) 14. End Title (0:54) Total Time: 73:20 Dragon’s Domain Records presents music from the original score to TIME AFTER TIME, composed by the legendary Miklós Rózsa (BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID) for the 1979 science fiction thriller directed by Nicholas Meyer (THE DAY AFTER, STAR TREK II: THE WRATH OF KHAN), written by Karl Alexander, Steve Hayes and Meyer, starring Malcolm McDowell, Mary Steenburgen and David Warner. TIME AFTER TIME starts with the premise that H.G. Wells actually constructed the time machine which he wrote about in his classic novel. TIME AFTER TIME is a romantic thriller in which Wells (McDowell), the scientific genius, tracks Jack the Ripper (Warner), the criminal genius, from 19th-century London to 20th-century San Francisco in order to bring the Ripper to justice. When Wells is transported in his time machine to modern San Francisco, he seems to be more of a babe in the woods than a sophisticated Victorian gentleman. What he finds is that some of his predictions have come true, while others, like a utopian society, have not... Born in Budapest, Hungary in 1907, composer Miklós Rózsa studied the violin from the age of 5. While living in London in 1935, Rózsa was hired by legendary producer Alexander Korda to score his film, KNIGHT WITHOUT ARMOR. Later, while composing the music for another Korda production, THE THIEF OF BAGDAD, Rózsa moved to California, where he remained for the rest of his life. Throughout his film career, he worked in many genres but distinguished himself writing music for the film noirs of the 1940’s and the great costume epics of the 1950’s and 1960’s. A classically trained composer, Rózsa was well known for his dedication to researching the musical history of the time periods of the films he worked on. His filmography includes music composed for films such as THE THIEF OF BAGDAD, THE JUNGLE BOOK, DOUBLE INDEMNITY, SPELLBOUND, THE LOST WEEKEND, QUO VADIS, IVANHOE, JULIUS CAESAR, KNIGHTS OF THE ROUND TABLE, BEN-HUR, KING OF KINGS, EL CID, THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES, THE GOLDEN VOYAGE OF SINBAD and TIME AFTER TIME, among others. Originally released on vinyl by Entr'acte at the time of the film’s release, this presentation of the score is a rerecording produced by the composer and performed by the Royal Philharmonic Orchestra. Southern Cross would release this program later on compact disc in the early days of the format. In 2009, Film Score Monthly released a compact disc with the original film tracks for the first time. Dragon’s Domain Records presents this new release of TIME AFTER AFTER, featuring the rerecording produced by the composer, newly remastered by James Nelson at Digital Outland and retaining the original album liner notes by director Nicholas Meyer and John Lasher. Following the original album program is a selection of bonus tracks of additional music composed by Miklós Rózsa, including music from PROVIDENCE, THE LOST WEEKEND, SPELLBOUND, THAT HAMILTON WOMAN and THE PRIVATE FILES OF J. EDGAR HOOVER. TIME AFTER TIME is a limited edition release of 500 units. TIME AFTER TIME will begin shipping the week of Sept. 29th, 2025 01. W.B. Fanfare* And Prelude (2:09) (* - Max Steiner) 02. Search For The Ripper/ Decision (2:06) 03. Vaporizing Equalizer / The Time Machine (2:12) 04. Time Travel (1:33) 05. Bank Montage (1:08) 06. Utopia (1:34) 07. The Ripper / Pursuit (3:29) 08. The Time Machine Waltz (4:01) (Eric Parkin: piano) 09. Man Before His Time (1:56) 10. Redwoods (2:32) 11. Frightened (1:45) 12. Murder (1:45) 13. The Fifth Victim (1:35) 14. The Last Victim (1:46) 15. Nocturnal Visitor (1:38) 16. Dangerous Drive (3:08) 17. Journey’s End And Finale (3:59) BONUS TRACKS 18. Time After Time: Pocket Watch (0:28) (The Meridian Studio Ensemble) 19. Providence: Valse Crèpusculaire (3:58) (Gregg Nestor, William Kanengiser: Guitar) 20. The Lost Weekend: Love Theme (5:10) (The National Philharmonic Orchestra) 21. Spellbound: Theme From “Spellbound” (4:46) (Sinfonia of London) 22. That Hamilton Woman: Love Theme (4:46) (The London Symphony Orchestra) 23. The Private Files of J. Edgar Hoover: Main Title / Dr. King / End Titles (9:33) (Conducted by Miklós Rózsa) Total Time: 67:50

Dragon’s Domain Records presents music from the original score to KING KONG, composed by the legendary Max Steiner (GONE WITH THE WIND, CASABLANCA, THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE) for the legendary 1933 epic adventure KING KONG, directed by by Merian C. Cooper and Ernest B. Schoedsack, written by James Ashmore Creelman, Ruth Rose and Cooper, starring Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher and Sam Hardy. Director Carl Denham (Armstrong) leads a film crew to a remote, uncharted Pacific Island in search of the legendary Kong, a gigantic ape. After the island’s inhabitants abandon actress Ann Darrow (Wray) to Kong, Denham and his crew pursue the beast through the dinosaur-infested jungle. They eventually capture Kong and take him to New York as a sideshow attraction, with disastrous results... Born on May 10th, 1888, Max Steiner was an Austrian composer and conductor who emigrated to America and became one of Hollywood's greatest musical composers. Steiner was a child prodigy who conducted his first operetta when he was twelve and became a full-time professional, proficient at composing, arranging, and conducting, by the time he was fifteen. Threatened with internment in England during World War I, he fled to Broadway; and in 1929 he moved to Hollywood, where he became one of the first composers to write music scores for films. He is often referred to as "the father of film music", as Steiner played a major part in creating the tradition of writing music for films, along with composers Dimitri Tiomkin, Erich Wolfgang Korngold, Franz Waxman, Alfred Newman, Bernard Herrmann, and Miklós Rózsa. Steiner composed over 300 film scores with RKO Pictures and Warner Bros., and was nominated for 24 Academy Awards: His filmography includes THE INFORMER, NOW, VOYAGER, AND SINCE YOU WENT AWAY, LITTLE WOMEN, JEZEBEL, CASABLANCA, THE SEARCHERS, A SUMMER PLACE and GONE WITH THE WIND, which ranked second on the AFI's list of best American film scores, and is the film score for which he is best known. He was also the first recipient of the Golden Globe Award for Best Original Score, which he won for his score for LIFE WITH FATHER. Steiner was a frequent collaborator with some of the best known film directors in history, including Michael Curtiz, John Ford, and William Wyler. Originally released on vinyl in 1976 by Entr’acte and later on compact disc in 1993 by Label X, Dragon’s Domain Records is excited to bring KING KONG roaring back to the marketplace, featuring a rerecording of music composed by the legendary Max Steiner, performed by the National Philharmonic Orchestra, conducted by Fred Steiner. The music has been newly remastered by James Nelson at Digital Outland. The booklet includes the original extensive liner notes written by Fred Steiner and Fay Wray for the album. KING KONG is a limited edition release. KING KONG will begin shipping the week of September 29th, 2025. 01. Main Title / Boat In The Fog (3:39) 02. Forgotten Island / Jungle Dance (4:54) 03. Sea At Night (2:26) 04. Aboriginal Sacrifice Dance (4:00) 05. Entrance Of Kong (4:19) 06. The Bronte / Log Sequence (4:33) 07. Cryptic Shadows (1:50) 08. Kong / The Cave (9:32) 09. Sailor’s Waiting (1:34) 10. Return Of Kong (4:11) 11. King Kong Theatre March (1:31) 12. King Kong Escapes / Aeroplanes / Finale (4:42) 13. RKO Radio Beacon / Original Main Title (1:34) Total Time: 49:20

Wenn es wirklich der Peter-Pan-Geschichte folgt, dann kann man sich ungefähr ausmalen, wie es endet Wobei es natürlich Unterschiede gibt zwischen der tatsächlichen Geschichte von Barrie und dem Disney-Zeichentrickfilm. Die Geschichte ist eher wie die Grimm-Märchen, also mit vielen Dingen, die für jüngere Kinder eigentlich zu düster und verstörend sind. Es gibt dort recht viele Tote, wie beim Kampf der „Lost Boys" gegen die Piraten. Es wird also sicherlich auch in der Serie noch kämpferische Auseinandersetzungen zwischen den Hybriden und den Menschen geben. Wendy wird ja schon als eine Art Anführerin der Rebellion aufgebaut. Das Alien könnte dann in dieser Konstellation die Rolle des Krokodils übernehmen, welches einst Hooks Hand abgebissen hat. Es hat ja außerdem eine Uhr verschluckt, weshalb man es durch das Ticken kommen hört. Das setzt Peter Pan ja auch als eine List ein. Er imitiert das Ticken der Uhr des Krokodils und verschreckt damit die Piraten. Wendy kann mit dem Xenomorph kommunizieren durch zirpende Laute. Vielleicht „verbündet" sie sich also mit dem Xeno gegen die Menschen. Hook möchte Pan töten, wie Morrow den Unternehmer töten will. Beim Endkampf wird Hook dann vom Krokodil gefressen. Mal sehen, ob Morrow also am Ende doch vom Xeno getötet wird, nachdem der erste Xeno ihn unerklärlicherweise immer verschont hat. In Spielbergs Film HOOK entführt Hook ja Pans Kinder und will sie auf seine Seite ziehen. Etwas Ähnliches macht Morrow ja auch mit Slightly. Ist mir nur aufgefallen.

Mir hat die Folge ebenfalls ganz gut gefallen. Der Dialog zwischen "Elon Musk" und Ms. Yutani war ganz lustig. Das Alien kam gut rüber. Meine Sorge ist aber, daß die Autoren so viele Handlungsbögen aufgemacht haben (abgestürztes Schiff, Elon Musk macht sein Ding, der schwarze Cyborg macht sein bzw. Ms. Yutanis Ding und dann noch die Roboterkinder), daß das erzählerisch alles in unlogischem Chaos endet.

Das ist bei den ersten drei Bonds wohl auch nicht mehr machbar, weil nur noch M & E-Spuren existieren. Eine Einzelspur nur mit Musik ist bei "Goldfinger" bisher nicht aufgetaucht und wird's wahrscheinlich auch nie.

Stimmt, einer von beiden war es. Gestern Folge 6 gesehen und tatsächlich für mich die beste Folge bisher. Auch wenn man hier wieder lieber nicht nach der Logik fragt (Forschungslabor mit potentiell tödlichen außerirdischen Kreaturen ohne Sicherheitsvorkehrungen, Alarm, Wachpersonal, Gefahreneindämmung, dafür mit riesigen, frei zugänglichen Luftschächten und nur observiert von einer Person, die nicht mal auf die Monitore achtet, während statt Fachpersonal ein Kind-Hybrid unbeaufsichtigt die Kreaturen füttern darf). Muss wohl so sein, damit passiert, was eben passiert und die irrationalen Handlungen der Charaktere tun dann ihr übriges. Das Alien sah dieses Mal besser aus, vermutlich mehr CGI. Man lernt, dass man die Erinnerungen der Hybriden manipulieren kann. Was ein wenig ad absurdum geführt wird sofort in der Szene danach, weil niemand die anderen Hybriden von der Behandlung unterrichtet und sofort nachgefragt wird „Wie? Du erinnerst dich nicht mehr daran und hieran?". Fand ich komisch und nimmt der betroffenen Figur dann auch ihre bisherige Entwicklung. Das Ganze spielt wohl später noch eine tragenden Rolle. Immerhin könnte man so alle Erinnerungen an den Xenomorph auslöschen. Diese ganze Peter-Pan-Geschichte greift für mich allerdings immernoch nicht so wirklich. Mal sehen, ob und was für ein Payoff es dafür gibt, außer, dass es einfach nur der Struktur der Peter-Pan-Geschichte folgt. Denn das Konzept an sich, für immer jung sein, quasi Unsterblichkeit erreichen, dabei aber der Verlust der Kindheit/Menschlichkeit, würde auch ohne diesen Peter-Pan-Überbau funktionieren. Gefühlt ist der Aspekt bisher nur dazu da, um zu rechtfertigen, warum nur Kinder diesen Transfer machen können. Und ja, wie gesagt, erinnert mich das alles eher an BLADE RUNNER. Die Folge hatte Spannung, war sehr atmosphärisch und lässt mich zumindest in freudiger Erwartung an die letzten beiden Folgen zurück. Zur weiteren Entwicklung der Geschichte im ersten ALIEN fiel mir dann noch ein: Wenn Weyland-Yutani von der Kreatur wusste, warum musste die Nostromo, ein Transport-Schiff, umgeleitet werden? Warum schickte man kein Forschungsschiff nach LV 426? Immerhin wusste man von der Unberechenbarkeit und der Gefährlichkeit der Kreatur. Und darauf zu vertrauen, dass der Rest der Crew der Nostromo die Reise nicht überlebt, während Ash die Kreatur sicher zur Erde bringt, ist da doch etwas dürftig. Aber mal sehen, ob und wie die Serie das letztendlich erklärt.

Tom Woodruff Jr spielte immer das Alien in den Filmen, Alec Gillis hat die Dinger immer nur gebaut... (Klugscheissermodus aus haha..) Gillis hat einen sehr interessante und oft irre lustigen Insta Account... sehr lustiger Typ, totaler DILF haha... ich finde die Serie hat gar nicht sonderlichen Fanservice, zumindest fällt er mir eigentlich gar nicht auf. Logikfehler wie die fehlenden Sicherheitsvorkehrungen fallen mir zwar auf, stören mich aber nicht so. Episode 6 fand ich wunderbar gruselig und stimmungsvoll, der Thrill kommt vor allem von den neuen Alienarten... das haben die Macher schon gut erkannt, dass man sich vor einem Xenomorph nicht mehr gruselt, man kennt das Ding in und auswendig... bei den anderen Biestern (White Philip? hahaha) weiss man einfach nicht was die machen, können und bisweilen vorhaben... das finde ich sehr gelungen. Wie sehr das jetzt alles in die ALIEN Filme wirklich spielt, mal abwarten, bis jetzt ist da kein Zusammenhang wirklich nötig gewesen... als hätt man eine Blade Runner Serie machen wollen und jemand dachte, da könnt man das Alien doch noch mitreinschieben... stört mich nicht, aber wär auch vielleicht egal gewesen. Die Musik könnte manchmal lauter sein finde ich... grad in den richtigen Horrorszenen könnte sie gerne voll aufdrehen... ansonsten finde ich sie stimmungsvoll "kalt"...

Leider habe ich auf die Fragen auch keine Antworten. Das Set habe ich sowieso nicht gekauft, glaube aber kaum, daß sich ohne Vorhandensein von Originalbändern bei den LaBionda-Scores noch groß was tun wird. Dafür ist Beat zu sehr auch noch mit anderen Dingen beschäftigt wie aktuell etwa der Cinemarcord-Sammlermesse, zu der ein 80er Horror-Score von Luigi Ceccarelli aus dem Cabum-Musikverlag erstmals auf CD präsentiert wird. Überhaupt bringt Beat das Jahr über ja nicht nur Spencer/Hill-Titel, sondern konzentriert sich seit gewisser Zeit vor allem auf Scores zu hierzulande meist eher unbekannten italienischen Komödien aus den späten 70ern und frühen 80ern, deren Veröffentlichungen im Ausland kaum groß wahrgenommen werden. Daneben immer wieder Morricone-Reissues plus eine Prise Horror. Spencer/Hill ist von dem Ganzen ja nur ein Teil und ich nehme an, daß vermutlich kurz vor Weihnachten mal wieder was in der Sparte für Dich und noch ein paar andere hier an Bord kommen könnte - habe aber derzeit keine Insider-Infos darüber.

@Stefan Schlegel Drei Fragen: Hast Du eine Ahnung, wie gut die Titel klingen, wo die Spuren rausgefiltert wurden? Wenn das gut klingt, könnte man die La Bionda Scores vielleicht vom Stem ziehen und Soundtracks herstellen oder bin ich da zu optimistisch? Weißt Du, ob BEAT dieses Jahr einen Spencer/Hill-Soundtrack veröffentlicht?

fand die auch mega einfallslos, aber Film hat wohl auch zu Nichts inspirieren können...

Naoki Sato hat wieder einen Score, diesmal für einen Krimi (ala Knives Out würd ich mal sagen von der Beschreibung)... Score ist etwas zerfahren, erinnert mich bisweilen an JNH... fängt mit einer eher nervigen wilden Nummer an, die aber glaube ich "source Music" ist, da die Hauptfigur ein Magier ala Copperfield ist und da wohl eine Show vorführt (so klingt es zumindest). Danach wird es ruhiger, aber von rein atmosphärischen Stücken gibts auch gut Orchester und gegen Ende wirds sogar religiös anmutend. Netter Score auf jeden Fall:

Ja.

Ich denke nicht, dass es mit der iOS- und/oder Firefox-Version in Zusammenhang steht. Ist das nur bei diesem Thread so?

Auf dem iPhone bin ich bei iOS 18 oder so, das aktuellste, und Firefox ist auch aktuell…also keine Ahnung, was dann das Problem ist, aber trotzdem danke fürs Testen.

Ich hab es gerade getestet. Der Thread wird mir als gelesen anzeigt, nachdem ich ihn angesehen habe. Getestet mit iOS 26 und dem aktuellen Firefox.

Danke!

Ich schaue mir das heute Abend an.

?

Ich finde, dass dieses Konzept der Kinder in Körpern junger Erwachsener (und nur Kinder, Erwachsene können sich natürlich nicht in andere Körper transferieren) auch eher ein Vorwand ist, um eben durch junge Hauptdarsteller möglichst viele junge Menschen anzusprechen. Das war sicherlich die Vorgabe von Disney, keine alten Leute wie in ALIEN Das war ja schon bei ROMULUS so, aber wie gesagt, dort fand ich die Charaktere insgesamt interessanter. Und ja, auch der, ich nenne es jetzt mal eher androgyne Look von Wendy, ihrem Bruder und auch dem Unternehmer ist sicherlich kein Zufall. Das stört mich allerdings jetzt nicht wirklich, ich finde eher die Charaktere an sich bisher nicht sonderlich interessant. Der Unternehmer, Boy (!) Kavalier, soll wohl in dieser Konstellation Peter Pan darstellen. Er fühlt ja auch eine besondere Verbindung zu Wendy. Morrow mit seinem Cyborg-Arm ist dann wohl Captain Hook und das Krakenauge Tinkerbell. Das Konzept ist zwar irgendwie absurd, aber mal sehen, wohin es noch führt. Aber auch hier finde ich das Verhalten der Kinder im Angesicht außerirdischer Killerkreaturen und verstümmelter Leichen eher untypisch. Denn geistig sind sie immer noch Kinder, aber die einzige, die tatsächlich dadurch traumatisch geschädigt wird, ist Nibs. Aber auch sie hat eigentlich bis jetzt zu wenig Screentime, um diese Entwicklung nachvollziehbar zu durchlaufen. Und Wendy kann mit dem Xenomorph kommunizieren (wobei ich im ersten Moment bei diesen zirpenden Lauten eher an den Predator gedacht habe :D). Auf die Erklärung, warum sie das kann, bin ich gespannt. Dass es kaum einen Xenomorph zu sehen gibt in einer Alien-Serie finde ich eigentlich recht erfrischend. Denn das haben wir doch in den Filmen zur Genüge gehabt. Die Konzentration auf die Machtspiele der Konzerne Weyland-Yutani und Prodigy ist da der wesentlich interessantere Ansatz. Doch auch das bleibt für mich bisher eher Schmuckwerk. Im Grunde kann die Hybriden und den Unternehmer ja nur ein schreckliches Schicksal ereilen. Sonst würde es nicht zu den weiteren Verläufen der Filme passen. Das ist eben auch so ein Problem von Prequels. Wie bei ROGUE ONE. Man weiß, dass am Ende alle sterben werden. Also muss die Spannung und Dramatik woanders herkommen.

Hä? Habe ich hier etwas übersehen/überlesen, oder hat Trekfan nachträglich etwas an seinen Beiträgen geändert? Er geht hart mit einigen Aspekten der Serie ins Gericht, aber "unkultivierte" Diskussionskultur, oder gar "widerliche" Beiträge sehe ich hier nicht mal im Ansatz. Bitte mal wieder etwas runterkommen! Zu ALIEN EARTH: Ich bin vom Konzept, Kindern in (halb-)erwachsenen Körpern zuzuschauen, mittlerweile auch etwas genervt. Für mich hat das leider kaum dramatische Kraft, weil die Figuren einfach nicht ernstzunehmen sind. Außerdem ist das alles so unangenehm auf eine junge, woke Zielgruppe abgestimmt - man merkt richtig, wie die Autoren unbedingt Männerfiguren, und allgemein auch Erwachsene vermeiden wollten (sind ja eh alles toxische Boomer... ). Sogar der Unternehmer muss ein Timothée-Chalamet-Abziehbild sein... Das Ganze wirkt wie ein konsequenzloses Spiel, der Ernst der Lage kommt kaum zur Geltung. Seltsame Serie bisher, hoffentlich werden die nächsten Folgen etwas packender.

Für mich ein ziemlich schwacher Film mit einer soliden, aber völlig generischen Thomas-Newman-Musik. Hier meine Kritik: https://www.filmmusik2000.de/the-thursday-murder-club-thomas-newman-ein-alterswerk

Leider nein - sorry, kann es zeitlich nicht eingrenzen.

Ich habe mal einen eigenen Thread für das Thema erstellt. Somit besteht doch die Chance auf eine interessante Diskussion Zunächst mal kann ich Trekfans Ausführungen sehr gut nachvollziehen. Dass er persönlich oder übergriffig geworden wäre, sehe ich ehrlich gesagt nicht. Er hat seine Sicht der Dinge erläutert, manchmal eben recht deutlich. Man sollte sich nicht an seinem "Wenn den Leuten das reicht..." aufhängen, was ich als Aussage allerdings auch nicht als persönlichen Affront sehe. Manche Leute geben sich mit wenig zufrieden, das ist nun mal so. Das bedeutet aber nicht, dass alle, die ALIEN EARTH gut finden, keine Ahnung haben. Auch ich finde die Serie bisher eher mittelmäßig und beileibe ist sie für mich nicht das Meisterwerk, für das sie viele scheinbar halten. Auf der positiven Seite kann man sagen, dass die Serie etwas Neues im Alien-Universum versucht. Denn das Thema an sich war eigentlich spätestens nach ALIEN 3 auserzählt. Auf der anderen Seite hadere ich allgemein immer mit Prequels zu Filmen oder Serien, die eigentlich kein größeres world building brauchen. Denn der Reiz liegt nun mal oft im Dunklen, wenn man eben nicht alles weiß. Daher fand ich auch PROMETHEUS und COVENANT für das Alien-Franchise eher überflüssig. Bekannterweise war PROMETHEUS zunächst auch kein Alien-Film, sondern wurde erst später dazu gemacht, weil man dachte, das passt gut. Betrachtet man die Filme losgelöst vom Franchise, kommen sie meiner Meinung nach besser weg. Die Thematik bei ALIEN EARTH mit Syntheten, Cyborgs und Hybriden ist zwar mal ein anderer Ansatz, passt für mich bisher aber ebenfalls nicht wirklich in dieses Franchise rein. Vielleicht denke ich am Ende der ersten Staffel anders darüber. Aber bisher fühlt sich das für mich eher nach BLADE RUNNER an, denn nach ALIEN. Auch die ganze Peter-Pan-Geschichte und was macht uns menschlich passt für mich eher zu BLADE RUNNER. Gut, das sind Themen, die auch in PROMETHEUS und COVENANT angerissen werden, aber, bitte um Korrektur, wenn ich falsch liege, soweit ich informiert bin, ignoriert die Serie die beiden Prequels. Und dennoch fühlt sich Folge 5 eher nach PROMETHEUS und COVENANT an, denn nach ALIEN. Klar, das Set Design ist schön retro und sieht wie die Nostromo aus, aber das macht für mich noch keine gute Folge aus. Manche beschreiben die Folge gar als besten Alien-Film seit ALIENS. Auch das kann ich nicht nachvollziehen, zumal der Vergleich einfach hinkt. Denn eine Folge einer Serie kann eben nur in eingedampfter Form das erzählen, was ein ganzer Film erzählt. Ich möchte auch gar nicht weiter auf die teils wirklich haarsträubenden Dinge eingehen, die die Crew der Maginot macht oder eben nicht macht. Aber genau da zeigt sich für mich die heutige Art, Figuren und Dialoge zu schreiben, vor allem in großen Franchises. Egal, was gerade passiert ist, jemand muss einen Spruch bringen. Und so gut wie niemand reagiert auf die Ereignisse so, wie man wohl normalerweise reagieren würde. Niemand scheint besorgt zu sein oder hat Angst. Wir haben gerade ein Crew-Mitglied verloren und das war auch noch der Captain? Erstmal ein lustiger Spruch. Und nur nicht die Zigarette aus dem Mund nehmen, denn der Gag als Bezug auf den ersten Film ist wichtiger als ein glaubwürdiger Charakter. Das beobachte ich einfach in den letzten Jahren bei so vielen Franchises, sei es Marvel, Godzilla oder Ghostbusters. Die Crew der Nostromo wirkt auf mich wie echte Personen, die Crew der Maginot nicht. Das sind Erfüllungsgehilfen des Plots oder comic reliefs. Personen in Horrorfilmen benehmen sich oftmals dumm, das ist nun keine Neuheit. Auch im ersten ALIEN gibt es solche Sachen. Warum beugt sich Kane über das geöffnete Ei? Warum verfrachtet man Kane nach dem Aufwachen nicht erstmal in Quarantäne, sondern nimmt ihn sofort zum Essen mit? Aber immerhin trugen Ash und Dallas OP-Masken und -Kittel. Solche Dinge passieren, weil eben die Geschichte in Gang gebracht werden muss. Man sollte den Bogen allerdings auch nicht überspannen. Vom Plot her macht es natürlich Sinn, dass Weyland-Yutani bereits vor den Ereignissen in ALIEN über die Kreatur Bescheid weiß. Das geht aus dem ersten Film ja auch klar hervor. Ash wurde explizit als neuer Wissenschaftsoffizier mitgeschickt und die Nostromo wurde bewusst umgeleitet, um auf dem Alien-Planeten zu landen. Was die Frage aufwirft: Woher hatte die Maginot die Eier? Auch von LV 426? Muss ja eigentlich so sein, denn woher sollte Weyland-Yutani sonst wissen, dass sich das Schiff dort befindet? Bei ALIENS habe ich mich lange gefragt, warum die Kolonisten das Schiff nicht schon früher entdeckt haben? Das Signal, welches die Nostromo empfangen hat, dürfte ja immer noch senden. Und irgendjemandem in der Kolonie wäre dieses Signal bestimmt aufgefallen. Eine Erklärung dafür liefert das Spiel ALIEN ISOLATION. Dort spielt man in einer Rückblende die Besatzung einer Art Piratenschiff, die das Signal ebenfalls auffängt, in das Schiff eindringt und dort das Signal deaktiviert, damit sie ihre „Beute" für sich alleine haben. Da es in der späteren Timeline der Filme scheinbar keine Cyborgs und Hybriden mehr gibt, nur noch Syntheten, wird sicherlich auch das eine Rolle in der Serie einnehmen müssen. Und Weyland-Yutani scheint sich als Konzern ja ebenfalls durchgesetzt zu haben. Insgesamt finde auch ich die jüngeren Charaktere in ALIEN ROMOLUS besser und rationaler agierend als die meisten Charaktere in der Serie. ALIEN ROMULUS krankt eher an dem aufgezwungenen Fan-Service und einer schwächeren zweiten Hälfte. Das Alien selbst finde ich bisher auch etwas eigenartig. Nicht vom Design her, denn auch in den Filmen sah es, je nach Wirt, immer etwas anders aus. Ich finde die Bewegungen eigenartig, besonders bei schnellen. Sieht eben wie ein Mann im Anzug aus. Das können die Filme besser kaschieren. Aber beispielsweise Alec Gillis im Anzug "spielt" das Alien wesentlich überzeugender von den Bewegungen her. Das erstmal von mir. Ich bin gespannt auf eure Ansichten und Einsichten.

Ein wichtiges Feature ist seit einiger Zeit für alle sichtbar: Recordings Zu sehen z.B. in https://www.fmdb.net/releases/71513af7-297d-49bc-ae4d-fcc681740382 - da finden sich am Ende auch die zusätzlichen Credits speziell für dieses Release.